De nombreuses œuvres sur la liste ont été volées ci-dessous.
D'autres détruits par l'homme ou la nature et, parmi d'autres, son destin final est tout simplement connu de manière dépatique. Les causes pour lesquelles ces trésors ont été perdus sont différentes, mais dans tous les cas, il y a une culpabilité courante: l'être humain.
No.1 Le colosse de Rhodes
L'une des sept merveilles du monde antique, le Colossus de Rhodes était une énorme statue en bronze du dieu du soleil, Helios, qui leva au-dessus de la ville grecque de Rhodes. La statue était à côté du port de la ville depuis 280 avant JC, étant l'un des ports commerciaux les plus importants de l'ancienne Méditerranée.
Helios était un descendant des Titans Hyperion et Theia. Un endroit où Helios était particulièrement adoré était Rhodes, la plus grande des îles Dodécanes à l'est de la Méditerranée. Rhodes était une polis, ou l'état de la ville, et a généré beaucoup d'argent à partir de son contrôle du commerce lucratif. Il n'y avait pas de meilleur moyen de célébrer son statut commercial que de commander une statue massive en l'honneur du dieu de la ville, un mouvement qui a célébré la liberté gagnée par l'île.
La statue géante d'origine mesurait 33 mètres de haut et, selon les rapports de l'antiquité, a pris le sculpteur Chars de mignon, 12 ans pour le terminer. Bien que le Colossus se soit révélé être une vue incroyable pour les visiteurs du port animé de la ville, malheureusement, le géant Helios est à peine resté 56 ans.
Handicapés par un tremblement de terre en 228 ou 226 ac, leurs pièces cassées ont rempli les ressorts de Rhodes au cours d'un millénaire avant de fondre en ferraille au milieu du VIIe siècle. Aucun dessin du Rhodes Colossus ne survit jusqu'à aujourd'hui, mais les anciennes sources soulignent qu'Helios était représenté debout avec une torche soutenue dans sa main prolongée. Ces descriptions ont ensuite servi d'inspiration à la conception de la statue de la liberté.
No.2 The Jellyfish Shield - Leonardo da Vinci
Le bouclier de Medusa a été perdu dans le temps, mais c'est l'une de ces œuvres mystérieuses de Leonardo da Vinci avec un haut niveau d'esprit et de débat.
Selon une histoire de 1550 de l'historien de l'art Giorgio Vasari, le visage a été peint sur une coupe de boucliers en bois, en faveur d'un ami paysanne qui a conçu le bouclier. Leonardo dans son style expérimental a pris le bouclier et l'a réchauffé avec le feu et l'a adouci.
Selon l'histoire, lorsque son père, étant Piero, est venu voir le bouclier et a frappé à la porte, Leonardo lui a dit d'attendre. Il a pris la peinture et l'a ajustée près d'une fenêtre avec la lumière douce qui est apparue. Être Piero est entré et jeté un coup d'œil à la peinture et a reculé avec un cri.
Leonardo a ensuite déclaré: «Ce travail sert le but pour lequel il a été fait; Prenez-le et prenez-le, car c'est l'effet qu'il était destiné à produire. "
Le tableau a fini par être si réaliste qu'il a d'abord effrayé le père de Leonardo, qui le considérait comme le chef-d'œuvre quelque chose de macabre et l'a vendu secrètement à un groupe de marchands florentins.
Le bouclier de Medusa était destiné à être l'une de ces histoires de la jeunesse de Leonardo, afin qu'il puisse être à Vinci (à Toscana, où Leonardo est né), ou pourrait être à Florence.
Le bouclier a disparu il y a longtemps, et certains experts modernes soutiennent maintenant que l'histoire de Vasari n'a peut-être pas été un mythe, la légende urbaine de son temps.
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N ° 3 Burrs en pierre - Gustave Coubet
Réalisme et pure réalité dans une seule œuvre.
Si nous observons étroitement la peinture de Courbet, la pierre révolutionnaire, la préoccupation de l'artiste pour la situation difficile des pauvres était évidente.
L'inauguration de la pierre, peinte en 1849, représente deux paysans communs. Courbet peint sans aucun sentiment apparent; Au lieu de cela, il a laissé l'image des deux hommes, un trop jeune pour le travail forcé et l'autre trop vieux, exprimer les sentiments de difficulté et d'épuisement qu'il essayait de dépeindre. Courbet montre de la sympathie pour les travailleurs et le dégoût de la classe supérieure en peignant ces hommes avec leur propre dignité.
Inspiré par une réunion occasionnelle avec deux travailleurs opprimés, Courbet a délibérément éclaté avec la convention du moment, capturant des hommes avec des détails de sable, de leurs muscles tendus à leurs vêtements fabriqués et sales.
Traditionnellement, un artiste a passé la plupart du temps entre les mains, les visages et les premiers avions. Ce n'était pas le cas du tribunal. Si vous observez attentivement, vous remarquerez qu'il essaie d'être impartial, s'occupant des visages et du rocher de manière égale, laissant de côté le glamour que la plupart des peintres français à l'époque ont ajouté à leurs œuvres. Pour cette raison, Coubet est devenu le leader du mouvement réaliste.
Alors que la peinture a aidé à lancer la carrière artistique de Courbet, "The Stone Ground Water" a finalement été condamné à devenir l'une des nombreuses victimes culturelles de la Seconde Guerre mondiale. En 1945, le tableau a été détruit lors d'un bombardement allié près de la ville de Dresde, en Allemagne.
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No.4 L'HOMME À LA CROISSANCE - DIEGO RIVERA
Diego Rivera a peint de nombreuses peintures murales populistes et fraîches, mais son travail le plus célèbre pourrait être celui qui n'existe plus. En 1932, l'artiste mexicain a été chargé par John D. Rockefeller de créer une murale pour les murs du Rockefeller Center à New York.
L'artiste a reçu le thème: "L'homme au carrefour à la recherche d'espoir et de vision élevée de choisir un nouveau et meilleur avenir."
Rockefeller voulait que la peinture obtienne les gens s'arrêter et réfléchir. Rivera serait payé 21 000 $ pour le travail. Il a été officiellement commandé par Todd-Robertson-Alld Engineering, les agents de développement des bâtiments. La commission complète a prévu trois peintures murales. L'homme au carrefour serait au centre. Il serait flanqué de la frontière de l'évolution éthique et du bord du développement matériel. La composition centrale visait à contraster le capitalisme et le socialisme. Cette idée de composition de base a été approuvée par Rockefeller.
Le 24 avril 1933, le journal de New York World-Telegram a publié un article attaquant la murale en tant que propagande anticapitaliste. Quelques jours plus tard, Rivera a ajouté le portrait de Lénine à l'œuvre. Le leader est apparu sur le devant, à droite. Là, Lénine est vue en train de prendre la main avec un groupe de travailleurs multiculaires.
Les soldats et la machine de guerre ont occupé le haut à gauche sur les femmes de la société, et une manifestation russe du 1er mai avec des drapeaux rouges a été vue à droite, au-dessus de Lénine. Pour Rivera, cela représentait des visions sociales contrastées: le "riche dépravé" observé par les chômeurs pendant que la guerre se déchaîne, tandis qu'une utopie socialiste a été introduite par Lénine.
Parmi les centaines de personnages de l'homme au carrefour, Lénine a été celle qui a produit le plus de débat. Un titre du 24 avril du New York World-Telegram a déclaré "Rivera perpétue les scènes d'activité communiste pour les murs de RCA, et Rockefeller, Jr. Foots Bill." Dix jours plus tard, Nelson Rockefeller, le patron de Rivera et membre d'une famille célèbre et riche, a demandé à l'artiste d'éliminer Lénine. Lorsque Rivera a refusé, son travail a été complètement payé et l'a licencié. Les peintures murales ont été couvertes puis détruites, tandis que les partisans de Rivera se sont réunis pour sauver les travaux.
Préoccupée parce que Rockefeller détruirait le travail, Rivera avait demandé à un assistant, Lucienne Bloch, de prendre des photos de la murale avant qu'elle ne soit détruite. En les utilisant comme référence, Rivera a à nouveau peint la murale, bien qu'à plus petite échelle, dans le palais des beaux-arts de Mexico, où il a été renommé Man, contrôleur de l'univers. La composition était presque identique, la principale différence est que la figure centrale s'est légèrement déplacée pour s'aligner sur le mât de support du télescope cylindrique dessus. La nouvelle version comprenait un portrait de Leon Trotsky à côté de Karl Marx et Friedrich Engels à droite, et d'autres, dont Charles Darwin, à gauche et le père de Nelson Rockefeller, John D. Rockefeller, Jr., anibers de toute la vie , boire dans une discothèque avec une femme. Sur sa tête, l'artiste avait un plat de bactéries de syphilis.
No.5 Sir Winston Churchill - Graham Sutherland
En 1954, des membres du Parlement britannique ont commandé un portrait de l'artiste Graham Sutherland et ont présenté Winston Churchill comme un cadeau du 80e anniversaire.
Graham reste sur lui, surtout, comme l'artiste dont le portrait de Sir Winston Churchill a offensé la vénérable silhouette qui l'a détruit.
Bien qu'il ait affirmé être honoré par le geste, Churchill n'était pas un fan de l'interprétation réaliste de Sutherland, qui pensait l'avoir capturé dans une pose un peu flatteuse. En fait, le Premier ministre a tellement tenu le portrait qu'il considérait comme n'ayant pas assisté à la cérémonie de présentation, et a même écrit à Sutherland une lettre exprimant personnellement sa déception.
Ce n'était pas que le portrait délibérément du style "moderne", ou même mal exécuté. C'était plutôt un portrait franchement honnête et direct d'un homme qui, après tout, avait un peu plus de 80 ans, était fragile et physiquement épuisé. Cependant, le portrait était également une étude complète qui a réussi à transmettre la gravité du modèle, tout en révélant sa vulnérabilité. Cependant, cette réalité est entrée en collision de façon spectaculaire avec l'image que Churchill aimait projeter la société britannique, l'homme d'action, le leader sans prétentions et indomptable en temps de guerre.
Compte tenu de la franchise audacieuse et de l'honnêteté de l'image, la réaction de Churchill était peut-être inévitable.
Churchill et sa femme ont rejeté toutes les demandes d'exposition publiquement de la peinture et ont effectivement disparu du point de vue du public pendant plusieurs années. Après la mort du chef en 1977, il a finalement été révélé que Lady Churchill avait personnellement détruit et brûlé le portrait détesté moins d'un an après sa présentation.
Rétrospectivement, toute la "controverse du portrait de Churchill" s'est avérée être une épée de bord à double édition pour Sutherland. D'une part, c'était un témoignage de la puissance de son portrait. Mais d'un autre côté, le tableau a apporté beaucoup de notoriété indésirable et injustifiée, en particulier dans la presse populaire. C'était particulièrement irritant pour Sutherland, car il était un artiste sérieux qui était profondément attaché à sa profession.
No.6 Bamiyan Buddhas
Image de Bamiyan Buddhas avant leur destruction.
Construite à un moment donné au VIIe siècle, cette légendaire paire de copains de pierre a eu lieu pendant 1 500 ans avant d'être victime d'une purge culturelle par les talibans. Les tailles de 41 et 53 mètres de haut ont été créées à l'origine directement à partir d'une falaise de grès et ont servi de monument le plus spectaculaire de Bamiyan pendant une époque où la ville a prospéré comme un centre commercial de la route de la soie.
Avant leur destruction, deux sculptures monumentales de bouddhas pouvaient être vues sculptées dans la falaise devant la vallée. Le plus grand des deux figures était situé à l'extrémité ouest. L'historienne de l'art Susan Huntington a soutenu qu'elle représentait le Bouddha de Vairocana. La plus petite des deux statues monumentales, située à l'est, représentait le Bouddha Shakyamuni.
Comme beaucoup des grands vieux monuments du monde, on sait peu de choses sur qui a commandé les bouddhas aux sculpteurs qui les ont sculptés. Cependant, sa propre existence souligne l'importance de la foi bouddhiste et de la vallée de Bamiyan pendant cette période.
La destruction à Bamiyan est l'attaque la plus spectaculaire contre le patrimoine historique et culturel de l'Afghanistan. De plus, sa destruction est unique pour la mobilisation mondiale qui a suscité, bien que, malheureusement, ce ne soit pas le seul dommage infligé aux restes archéologiques de ce pays.
Alors qu'il résiste plus d'une douzaine de siècles, plusieurs attaques des empereurs musulmans et même une invasion de Gengis Kahn, les bouddhas ont finalement été détruits en mars 2001, lorsque les talibans et leurs alliés à Al-Qaeda ont donné un ordre condamnant les images "idolâtres".
Ignorant les appels généralisés de la communauté internationale, les groupes ont tiré contre les statues avec des armes anti-aériens avant d'exploser avec de la dynamite.
Bien que la destruction des bouddhas ait été condamnée comme un crime contre la culture, une série de grottes et de textes de décrochés précédemment parmi les décombres ont été découverts, et en 2008, les archéologues ont déniché une troisième statue de Bouddha, auparavant découvert, près des ruines, qui sont devenues Une sorte de vengeance de la culture contre le terrorisme.
N ° 7 Nativité avec San Francisco et San Lorenzo - Caravaggio
La Nativité avec San Francisco et San Lorenzo est le seul travail connu associé au bref séjour du Caravaggio à Palerme et est beaucoup plus traditionnel que le culte de Messine, non seulement parce que l'enfant Jésus est seul sur le terrain tandis que la Vierge est assise dans un siège bas , mais aussi en raison des poses plus conventionnelles et des apparitions bien habillées des figures environnantes.
La gestion de la peinture est également beaucoup plus précise et terminée que dans de nombreuses dernières photographies du Caravage. Cependant, son humilité nouvellement acquise n'a pas été complètement perdue, et la figure paysanne de San José à droite, avec son large chapeau d'aile et ses mains brunes, semble avoir été un prototype pour bon nombre des figures similaires des compositions réalistes populaires dans les deux siècles suivants.
L'image était, selon Belllori, peinte pour l'oratoire de Compagnia di San Lorenzo.
Depuis son vol en 1969, la scène de la nativité du Caravaggio a été considérée comme l'une des peintures volées les plus notoires de l'histoire du monde de l'art. Le chef-d'œuvre n'a pas été vu depuis qu'elle a été élevée dans une chapelle à Palerme, en Italie, bien que les preuves indiquent que la mafia sicilienne a peut-être joué un rôle dans le vol.
Les espoirs de résoudre l'un des pires crimes artistiques de l'histoire ont été relancés après que les chercheurs italiens ont annoncé qu'ils avaient reçu de nouvelles informations.
En 1996, un informateur de la mafia a déclaré que lui et plusieurs autres hommes avaient volé la peinture à un acheteur privé, pour la détruire accidentellement tout en coupant la toile de leur cadre. Plus d'une décennie plus tard, un autre ancien gangster a affirmé que la peinture avait été cachée dans une grange pour garde, mais que les rats et les porcs l'avaient irrémédiablement endommagée avant de la brûler. Le sort de la Nativité reste finalement un mystère, mais s'il existe toujours, le tableau valait désormais au moins 40 millions de dollars.
Le maire de Palerme, Leoluca Orlando, qui a aidé à transformer la capitale sicilienne d'une force de la mafia en une capitale européenne de la culture, a déclaré que le vol de peinture avait frappé la ville à un moment où il était dominé par la mafia et les parrainants . "Aujourd'hui, cette ville a changé et demande qu'ils renvoient tout ce que la mafia l'a emporté."
"Même en récupérer une petite partie serait considéré comme une victoire", a-t-il conclu.
N ° 8 Ambar's Room
Créée par le sculpteur Andreas Schlüter et le maître artisan d'Amber Gottfried Wolfram, cet impressionnant appareil photo a pris la forme de 16 mètres carrés.
La pièce était recouverte de panneaux dorés ornés qui brillaient d'or et d'ambre: des pierres précieuses brillantes et des joyaux d'arbres fossilisés sève avec une riche couleur jaune-rouge. L'ambre était soutenu avec une couverture en or, des miroirs coupés et concédé dans de beaux designs, était éblouissant en vue. La salle a été construite pour la première fois en 1701 et en 1716, le roi de Prusse, alors Federico Guillermo I, l'a donné à Pedro El Grande pour aider à cimenter une alliance entre la Prusse et la Russie. Souvent appelée "huitième merveille du monde", la caméra ornée était considérée comme un chef-d'œuvre de l'art baroque et valait plus de 140 millions en dollars aujourd'hui.
Le sort de la pièce qui symbolisait autrefois la paix est devenu tout sauf paisible: les nazis ont démantelé la caméra et l'ont ensuite emmené à Königsberg, en Allemagne, où elle a disparu vers la fin de la Seconde Guerre mondiale. La plupart des historiens pensent qu'il a été détruit dans un bombardement allié de 1944, mais il existe également des preuves qui suggèrent que la pièce a été emballée et retirée de la ville. À partir de là, certaines théories suggèrent qu'elle aurait pu être chargée dans un navire qui coulait dans la mer Baltique ou simplement cachée dans un coffre-fort ou un bunker.
La dernière théorie indique que les Soviétiques savaient que la salle d'ambre avait été détruite par leurs propres troupes dans leur propre invasion de Königsberg.
L'histoire de la nouvelle salle Amber, au moins, est sûre. Tout possible pour créer une reproduction aussi parfaite que possible, même au point de définir 350 tons différents d'ambre. La reconstruction a commencé en 1979 à Tsarskoye Selo et a été achevée 25 ans plus tard, avec un coût de 11 millions de dollars
Dédié par le président russe Vladimir Poutine et le chancelier allemand de l'époque, Gerhard Schröder, la nouvelle salle a marqué le 300e anniversaire de Saint-Pétersbourg dans une cérémonie unificatrice qui a fait écho au sentiment du Pacifique qui a évoqué la salle d'origine.
La réplique de la chambre reste exposée au public dans la réserve du musée d'État Tsarskoye Selo, à la périphérie de Saint-Pétersbourg.
Malgré cela, les chasseurs de trésors insistent sur le fait qu'une fabuleuse pièce dorée espère toujours être trouvée dans les profondeurs d'une grotte sombre et mystérieuse.
KUADROS ©, une peinture célèbre sur votre mur.
