Description
Giovanni Bellini et son atelier ont créé la lamentation du corps du Christ pendant la haute renaissance. Ils ont produit plusieurs variations de ce problème, mais ce travail particulier est significatif en raison de la technique dramatique de la chiaroscuro utilisée. Cela met la peinture dans la période de la Renaissance élevée, en utilisant la technique préférée des artistes pendant cette période, y compris Leonardo da Vinci. Littéralement, Claroscuro signifie clair et sombre. Le contraste entre l'obscurité et la lumière permet un effet plus dramatique et est originaire pendant la période de la Renaissance.
On peut dire que l'art de la Renaissance est la renaissance des traditions anciennes. Les artistes ont commencé à combiner les traditions de l'antiquité classique et les nouvelles idées tirées des développements artistiques en Europe du Nord. Un style humaniste émergeait et intégré dans l'art de cette époque. D'autres caractérisations de la période de temps ont montré une perspective linéaire et atmosphérique, perfectionnant l'anatomie et l'équilibre et la symétrie.
Dans ce tableau, Giovanni Bellini revient à un problème qu'il a fait face à de nombreuses reprises tout au long de son travail: la Vierge et l'apôtre Jean assis sur le terrain pour soutenir le corps du Christ ont quitté la croix de la croix. Plusieurs chiffres sont organisés autour des thèmes centraux, très probablement peints à l'aide d'un des collaborateurs de Bellini. À droite, la figure d'un moine, un anachronisme dans l'histoire du Christ qui démontre que la peinture était de nature dévotionnelle plutôt que narrative et destinée à la méditation.
Il s'agit d'une composition plus encombrée que la «imago pitatis» précédente, dans laquelle l'isolement des figures devient un diaphragme qui sépare le spectateur de drame. Ici, les genoux proéminents du Christ et sa course abrupte brisent brusquement ce mur idéal et rapprochent le groupe sacré et, par conséquent, à une communication plus immédiate avec ceux qui adorent.
La technique de la peinture monochromatique est particulièrement intéressante, donnant l'impression d'une étude préparatoire et a fait considérer certains critiques la possibilité que la peinture soit inachevée. En fait, selon le savant vénitien du XVIe siècle Paolo Pino, Giovanni Bellini était habitué à créer des études préparatoires soigneusement exécutées auxquelles il a ensuite ajouté la couleur. Une interprétation alternative est que l'œuvre était un modèle laissé dans l'atelier comme modèle pour d'autres peintures.
Dans la peinture de Bellini, les figures sont ordonnées de sorte que les plus proches du spectateur sont sur le côté gauche, tandis que ceux à droite sont les plus éloignés du spectateur. Cependant, la plus grande figure à gauche de Jésus aide à équilibrer l'image, de sorte qu'à l'avant de la scène, les figures les plus importantes sont également les plus grandes et deviennent plus petites et légères au fur et à mesure. Par conséquent, la scène est bien équilibrée avec le Christ comme point focal au milieu. Toutes les figures entourant le Christ se concentrent sur lui avec sa tête en pointant de manière centrale dans sa direction, en attirant les vues du spectateur là-bas. Le centre de l'œuvre d'art est également plus clair où pose le corps de Jésus, tandis que les bords s'assombrissent progressivement.
Peint à Grisalla et, malgré l'opinion opposée de certains critiques, il doit être considéré comme une œuvre finie.