Les 10 peintures abstraites les plus célèbres

En titre - Première aquarelle abstraite Nous trouvons une bonne explosion de couleur, comme on le trouve dans la plupart de ses peintures, mais l'utilisation d'aquarelles au lieu d'huiles laisse un fini visiblement différent qui rend ce travail intéressant et tout à fait unique à sa production en 1910. Le travail semble étroitement être Terminé rapidement, ce qui est typique de cette forme d'art car la peinture sèche très rapidement. Il travaille également expressivement, sans trop se soucier de la précision, mais se concentrer davantage sur le choix des couleurs et remplir la toile avec différentes formes et lignes. C'était vraiment abstrait et c'était quelque chose qui apparaissait de plus en plus alors qu'il avançait dans sa carrière, alors qu'il s'éloignait de plus en plus de la réalité dans la façon dont il a utilisé.

Kandinsky s'est spécialisé dans les huiles mais a travaillé avec des aquarelles de temps en temps. J'aurais trouvé ce moyen facile de travailler et quelque chose qui s'est également bien adapté aux pièces d'étude rapides, où j'ai cherché à comprendre la conception d'une future pièce. Il a également utilisé des lithographies, des xylographes et une gravure à d'autres moments, en particulier dans les premiers stades de sa carrière alors qu'il était particulièrement expérimental.

En travaillant avec des aquarelles, Kandinsky pourrait terminer cette peinture en seulement trois jours. Cependant, malgré sa hâte, Kandinsky a mené plusieurs études pour cette œuvre d'art avant de commencer la composition finale. Ce qui a rejoint la vitesse qui peut être interprétée dans le titre, c'est son choix de couleur, car Kandinsky il a choisi ingénieusement les couleurs qu'il savait qu'ils représenteraient fidèlement ses émotions à ce moment-là. Les lignes et les formes qui ont également été dessinées et soulignées et soulignées ont souligné le chaos et l'urgence qui sont vécus pour voir ce tableau.

L'abstraction est également clairement démontrée dans cette œuvre d'art à travers les lignes lâches et vagues représentées, ce qui a suscité un intérêt considérable entre la foule artistique à l'époque. Aucun titre n'existe comme un instigateur important du mouvement artistique abstrait, car c'était la première fois que quelque chose de séparé à distance et sans restrictions était accepté comme un thème adéquat dans les œuvres de l'art à l'époque. Sans titre Il a marqué un point déterminant au sein de l'art européen tel que le départ des œuvres d'art traditionnelles vers des œuvres d'art plus abstraites et non inhibées.

La période entre 1910 et 1914 a été considérée comme le sommet de la carrière de Kandinsky et le summum de ses plus grandes réalisations artistiques. Par conséquent, sans titre, il existait comme l'une des premières œuvres d'art qui ont manifestement rejeté toutes les références à des formes reconnaissables et sont émergées des limitations posées par les conventions de représentation de la peinture de l'Europe occidentale.

Cette notion de liberté totale a continué à occuper une place de premier plan dans la plupart des œuvres créées par Kandinsky au cours de cette période.

N ° 2 adulte # 7 - Hilma Af Klint

Bien qu'elle ne soit pas aussi connue que de nombreux artistes masculins de son temps, l'artiste suédoise Hilma af Klint était une artiste pionnière abstraite dont les peintures radicales sont antérieures à beaucoup de ses contemporains masculins. Il a demandé que son grand travail, la majorité dont il n'a jamais été exposé au cours de sa vie, est resté caché jusqu'à 20 ans après sa mort. 

La collection représente les étapes de la vie, notamment l'enfance, la jeunesse, la maturité et la vieillesse. Ils combinent des éléments botaniques et des objets organiques reconnaissables qui se réfèrent à la naissance et à la croissance.

La Âge Adulte N ° 7 de Hilma Klint C'est une énorme toile, 3 mètres de haut et 2 mètres de large, peinte sur du papier, sur le sol du studio, puis coincée sur une toile.

AF Klint interprète l'âge adulte en pleine peinture à fleurs de plusieurs formes qui coulent librement en différentes tailles et couleurs sur un fond lilas. Le symbole jaune central ressemble à une fleur, tandis que les spirales et les formes biomorphiques sont des symboles de croissance et de fertilité.

N ° 3 Senecio - Paul Klee

Achevé en 1922, Peinture de Senecio C'est une manifestation du sens de l'humour et de la culture africaine de Paul. Couleurs et formes simples, Paul utilise plusieurs tons d'orange, de rouge et de jaune pour révéler le portrait d'un vieil homme. L'utilisation artistique des formes donne la fausse impression qu'un œil est levé. Son sourcil gauche est représenté par un triangle tandis que l'autre est formé par une simple ligne incurvée. Le portrait est également appelé chef d'un homme qui va sénile et imite intentionnellement les œuvres d'art des enfants à travers l'utilisation de formes et de formes ambiguës avec un minimum de détails faciaux.

Cette adaptation du visage humain est divisée par couleur dans les rectangles. Les carrés géométriques plats sont maintenus à l'intérieur d'un cercle qui représente un visage masqué et montre le costume multicolore d'une arlequin. Un portrait de l'artiste interprète Senecio peut être considéré comme un symbole de la relation changeante entre l'art, l'illusion et le monde du drame. Cette peinture démontre les principes de l'art de Klee, dans lesquels les éléments graphiques des plans de ligne, de couleur et d'espace sont mis en mouvement par une énergie de l'esprit de l'artiste. Dans ses gribouillis imaginatifs, il aimait, dans ses propres mots, "éliminez une ligne de marche".

N ° 4 Etail Bleue - Joan Miró

Peinture Etoile Bleue C'était la transition de Miró entre l'art figuratif et abstrait.

Cette peinture est connue pour être l'une des peintures les plus importantes de la carrière de Miro. En particulier, le bleu brûlant utilisé peut être vu dans plusieurs de ses futurs œuvres et même influencé des peintres comme Mark Rothko et Yves Klein.

Etoile Bleue est une grande peinture, mais c'est une peinture de questions plus que des réponses.

Miró était le grand synthétiseur d'une époque de nombreuses idées diverses, quelque chose comme aujourd'hui, mais les idées artistiques de alors étaient beaucoup plus complexes qu'aujourd'hui.

La peinture combine des couleurs de fauvistas, des formes cubistes et des intentions surréalistes dans une œuvre que le spectateur peut explorer visuellement encore et encore. C'est parmi tant de choses que vous avez beaucoup de questions dont les réponses sont aussi oniriques que l'image.

Si la forme bleue est observée dans le coin supérieur gauche. C'est un oiseau. C'est probablement le cas, mais ce que l'oiseau n'est pas clair. En le regardant pendant un certain temps, il peut certainement dire que c'est une forme dynamique, mais il peut facilement affirmer qu'il vole vers la gauche ou vers la droite ou même vers le bas et vers nous.

La grosse pièce rouge dans le centre inférieur. Est-ce un pied? Il est définitivement considéré comme stable et ancré que la pièce bleue est dynamique.

Cette peinture est un bijou pour vos amoureux. À première vue, il vacille un peu et bouge, mais un instant, il se déplace contre cette figure élastique en bas à droite.

Miró, un artiste catalan né à Barcelone en 1893, a appelé son paysage de rêve surréaliste Peinture (Étoile Bleue) de 1927 une image clé, incorporant des symboles qu'il utiliserait à plusieurs reprises au cours des dernières années, et même la couleur de bleu colorée influençait plus tard des peintres, y compris Mark Rothko et Yves. Klein

No. 5. Composition VII - Wassily Kandinsky

La Composition de peinture VII de Wassily Kandinsky est considéré par de nombreux fans de l'art abstrait, comme l'œuvre d'art la plus importante du XXe siècle, peut-être même la peinture abstraite la plus importante jamais créée.

Ce travail est une continuation logique de la composition V et Composition VI . Les trois peintures sont liées par le thème de l'apocalypse. De tels éléments de la composition VI comment l'inondation et la résurrection peuvent être tracées dans ce travail. Son thème principal est le jugement final, mais il n'est pas considéré comme une catastrophe mais comme une libération, la transition du monde du matériel au spirituel. Par conséquent, la composition VII diffère des autres œuvres de la série pour ses couleurs claires et ses lignes de contraste étincelantes.

Kandinsky a construit chacune de ses compositions afin que le spectateur puisse entrer l'image comme si elle se retournait en elle. Il a rendu le bord inférieur de la composition plus lourde, le poussant vers l'avant, tandis que la partie supérieure reste plus légère et plus distante pour le spectateur. L'un des principaux contrastes de l'artiste, bleu et jaune forment la zone centrale du mouvement actif dans et hors.

Kandinsky a passé plusieurs mois à préparer sa composition VII, mais il n'a fallu que quatre jours pour la peindre. L'artiste a mené une trentaine d'études de ce tableau. Certains d'entre eux se souviennent de Caravaggio ou de Leonardo da Vinci avec leurs études détaillées sur les plis de tissu, les feuilles des arbres ou les membres humains. Dans cette série, certaines œuvres présentent à plusieurs reprises la même ligne incurvée, d'autres montrent schématiquement les éléments structurels de base de la composition et certains contiennent un plan détaillé de la composition. De plus, il y a environ 15 peintures différentes liées à la composition VII: ce sont les croquis d'huile ou le crayon, les aquarelles, les peintures en verre et gravées.

Gabrielle Minter, qui a été témoin de la création de ce tableau, a écrit dans son journal le 25 novembre 1913 que la toile de la composition VII a été livrée à son domicile de Murnau, et Kandinsky a commencé à travailler la même nuit. Le lendemain matin, il a pris la première photo de la peinture et après le déjeuner, il a pris la seconde. L'entrée du 28 novembre dans le Diario de Minter a déclaré que le tableau était terminé. Le 29 novembre, il a pris une photo du travail fini. Ainsi, la naissance d'un grand chef-d'œuvre a été enregistrée.

La composition VII occupe la position no. 100 sur notre liste de de célèbres tableaux

N ° 6 Composition X - Kandinsky

Cité comme l'un des premiers champions de la peinture abstrait, Wassily Kandinsky n'était pas seulement un peintre russe, mais aussi un théoricien de l'art. L'influence qui a provoqué et laissé dans le monde de l'art et dans l'abstraction a été immense depuis le groupe d'art Phalanx et le nouveau groupe d'artistes à partir de ce moment, organisant des expositions pour leurs contemporains tout au long de ses années en tant qu'artiste. Il a produit plus de 600 œuvres tout au long de sa carrière, avec une peinture de 1913 qui a atteint son prix record de la vente aux enchères de 41,6 millions de dollars en 2017. 

Malgré ce record impressionnant, son travail le plus important était peut-être Composition X. Dernier dans sa vie de «compositions». Avec lui, il a cherché à culminer ses recherches sur la pureté de la forme et de l'expression à travers ce travail. Ayant utilisé la couleur noire avec modération dans sa pratique à ce point, il a été critiqué que cette œuvre évoque à la fois le cosmos et l'obscurité des présage qui approche à la fin de sa vie. 

Initialement, la création de la composition X a été influencée par les formes biomorphes du surréalisme.

Cependant, Wassily Kandinsky a utilisé plus tard l'art d'utiliser des formes organiques dans ses peintures. C'est un style qu'il a utilisé plus tard dans ses peintures.

Le style a donné à son travail la singularité. Il était facile et presque impossible de ne pas reconnaître les peintures créées par Wassily Kandinsky lorsqu'ils ont été montrés dans des expositions ou d'autres endroits.

De plus, la composition X a été créée en France. En voyant de près la peinture, cela montre que le peintre a utilisé un fond noir. La raison principale de l'utilisation du fond noir était que les couleurs au premier plan soient clairement vues.

N ° 7 Convergence - Jackson Pollock

Convergence "Une peinture en noir et blanc sur lequel Pollock a jeté des couleurs primaires", reflète la crise de la guerre froide. C'est l'un de ses chefs-d'œuvre, et ce pourrait également être la peinture la plus connue d'un expressionniste abstrait. En 1964, Springbok Editions a produit un puzzle de peinture, qui a été promu comme le "puzzle le plus difficile du monde", et des centaines de milliers d'Américains l'ont achetée.

En 1951, Pollock a déclaré: «Il me semble que le peintre moderne ne peut pas exprimer son temps, l'avion, la bombe atomique, la radio, dans les anciennes formes de la Renaissance ou toute autre culture passée. Chaque époque trouve sa propre technique. " Pollock a trouvé sa technique dans la peinture des maisons et des gouttes, et l'a utilisée pour exprimer son propre temps.

Avec une taille de 237 x 394 centimètres, la convergence est l'une des peintures les plus ambitieuses de Pollock. Il est connu pour sa brillance visuelle et évoquant des émotions profondes dans le spectateur. Bien que les œuvres de Jackson soient toujours difficiles à déchiffrer même pour les experts en art, ses peintures sont considérées comme des manifestations de la liberté d'expression. La convergence, qui est un exemple de premier plan en ce sens, reste l'un de ses chefs-d'œuvre les plus célèbres.

N ° 8 Élégoire à la République espagnole -Robert Motherwell

Bien que Robert Motherwell n'avait que 21 ans lorsque la guerre civile espagnole a éclaté, ses atrocités l'ont beaucoup affecté les années suivantes. Cela l'a amené à créer une série de plus de 200 peintures en réponse à lui. La série «élue en République espagnole» sert de multiplicité de commémoration des souffrances humaines, ainsi que de «symboles abstraits et poétiques pour le cycle inexorable de la vie et de la mort».

À propos des élégies, Motherwell a déclaré: «Après une période de peinture, j'ai découvert le noir comme l'un de mes problèmes, et avec un blanc contrasté, un sens de la vie et de la mort qui pour moi est assez espagnol. Ce sont essentiellement la mort noire espagnole contrastée avec l'éclat d'une lumière du soleil comme Matisse. »

Ses élégies constituent une méditation abstraite étendue sur la vie et la mort. Tout au long de la série, les toiles blanches horizontales sont divisées en rythme par deux ou trois barres verticales librement dessinées et ponctuées à plusieurs intervalles par des formes ovoïdes. Les peintures sont généralement complètement composées en noir et blanc, les couleurs du deuil et la lueur, la mort et la vie. Motherwell a commenté l'intrication de ces forces comme métaphore pour leur compréhension de l'expérience d'être en vie.

Il a choisi la République espagnole décrit un passage majestueux de l'organique et du géométrique, de l'accidentel et du délibéré. Comme d'autres expressionnistes abstraits, Motherwell a été attiré par le principe surréaliste de l'automatisme - des méthodes qui se sont échappées à l'intention consciente de l'artiste - et son AVC a un fardeau émotionnel, mais dans une structure générale d'une certaine gravité. En fait, Motherwell a vu les arrangements minutieux de la couleur et de la forme comme le cœur de l'art abstrait, qui «est dépouillé d'autres choses pour l'intensifier, ses rythmes, ses intervalles spatiaux et sa structure de couleurs».

N ° 9 Iris noirs - Georgia O'Keeffe

Cette peinture de fleurs monumentale est l'un des premiers chefs-d'œuvre d'O'Keeffe. En élargissant les pétales bien au-delà des proportions de la taille naturelle, il oblige le spectateur à observer les petits détails qui pourraient autrement négliger. Lorsque les peintures de ce groupe ont été exposées pour la première fois en 1924, même Alfred Stieglitz, son mari et marchand, a été surprise par son audace.

L'iris noir de Georgia O'Keeffe est un exemple de l'une de ses nombreuses œuvres sur le sujet des fleurs et en particulier l'iris, une fleur riche en symbolisme. Cependant, dans Black Iris III, l'objectif d'O'Keeffe n'était pas de faire référence à ce symbolisme ou de l'ajouter, mais plutôt d'encourager le spectateur à regarder et à voir la fleur et à considérer les différentes façons dont les gens voient. Il devient ainsi une méditation profonde sur l'art de regarder, non seulement à l'art mais à la vie. Dans cet article, Singularart analyse le symbolisme projeté dans la peinture d'O'Keeffe, ainsi que ses propres intentions lors de la création d'iris noirs III. 

Georgia O'Keeffe était inquiète de la question de la peinture d'Iris pendant de nombreuses années, en particulier l'iris noir, qui était plus difficile à trouver et n'était disponible que pendant quelques semaines par an à New York. Iris est un symbole familial dans le monde occidental: dans la mythologie grecque, la déesse Iris personnifie l'arc-en-ciel et le lien entre le ciel et la terre; Dans le christianisme, l'iris symbolise la passion du Christ et de la résurrection, ainsi que la souffrance de Marie. Pour sa part, Linda Nochlin, historienne de l'art, a transformé l'iris d'O'Keeffe en symbole féministe lorsqu'il les décrivant comme une "métaphore morphologique" des organes génitaux féminins, reflétant "l'unité de l'ordre féminin et naturel". La description de Black Iris IIIY de Black IIIY Les autres peintures d'iris d'O'Keeffe les ont ancrés dans l'histoire de l'art et de l'histoire du féminisme et de l'art féministe.

Cependant, O'Keeffe a rejeté cette description, déclarant que: «Personne ne voit une fleur, vraiment, est si petite. Nous n'avons pas le temps et voyons le temps d'avoir un ami prend du temps. Si je pouvais peindre la fleur exactement comme je le vois, personne ne verrait ce que je vois parce que je le peindrais petit car la fleur est petite. Alors je me suis dit: je vais peindre ce que je vois, quelle est la fleur pour moi, mais je vais la peindre grande et je serai surpris lorsque vous prendrez le temps de le regarder, je ferai même que les New-Yorkais occupés prendront le temps Pour voir ce que je vois des fleurs. Je t'ai fait prendre le temps de regarder ce que j'ai vu et quand tu as pris le temps de vraiment remarquer ma fleur, tu as mis toutes tes propres associations avec des fleurs dans ma fleur et j'ai écrit sur ma fleur comme si je pensais et que je vois ce que tu penses et voir . La fleur, et je ne le fais pas.

Échange n ° 10 - William de Kooning

En 1955, Kooning Willem a terminé l'échange de travaux. Il s'était concentré longtemps pour retravailler des études sur des personnages impliquait des femmes qui ont commencé en 1948. Celles-ci étaient associées à leur exposition individuelle en 1953, des peintures sur le sujet des femmes, qui ont ouvert à New York à l'époque. Certains titres de ces œuvres incluent les femmes I, la femme III et les femmes V, ainsi que deux femmes de nature morte.

En 1955, de Kooning, il avait cessé de peindre des figures humaines et avait continué à utiliser des représentations abstraites de l'architecture et des communautés à New York.

Kooning Willem a utilisé des marques gestuelles rapides sur la toile. L'image montre une femme assise sur une chaise, mais les femmes n'apparaissent que comme une masse de pic. Lors de la nomination de ses peintures, il a toujours préféré un lien avec la zone où il vivait. L'échange a obtenu le nom de l'environnement, le centre de New York, l'endroit où il vivait pendant cette période.

À l'origine, la peinture a été vendue par l'artiste en 1955 pour 4 000 $.

Il a ensuite été vendu par la David Geffen Foundation à Kenneth C. Griffin pour 300 millions de dollars en septembre 2015, le plaçant en deuxième place dans la liste des peintures plus chères, uniquement dépassée par Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, qui a été vendu pour 450,3 millions de dollars en novembre 2017.

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