Les 7 meilleurs artistes hispanophones

Tout au long de l'histoire de l'art, les artistes hispanophones ont forgé une position importante en tant que pionniers. Sans crainte de prendre des risques, ils intègrent souvent des symboles et des techniques qui évoquent leurs cultures natales. Au-delà de cela, beaucoup des artistes hispaniques les plus célèbres utilisent également leur créativité comme plateforme pour discuter des turbulences politiques et sociales dans le but d'affecter le changement et d'inspirer la fierté nationale.

No.1 Diego Velázquez - 1599 – 1660

Diego Velázquez était un peintre espagnol du XVIIe siècle qui produisit "Las Meninas", peut-être sa peinture la plus célèbre et de nombreux portraits renommés en tant que membre de la cour royale du roi Philippe IV.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez est né à Séville, en Espagne, vers le 6 juin 1599. À l'âge de 11 ans, il commença un apprentissage de six ans avec le peintre local Francisco Pacheco. Les premières œuvres de Velázquez étaient des sujets religieux traditionnels privilégiés par son maître, mais il fut également influencé par le naturalisme du peintre italien Caravaggio. Velázquez établit son propre atelier après avoir terminé son apprentissage en 1617. Il devint célèbre pour ses portraits réalistes et complexes en tant que membre de la cour du roi Philippe IV, poste qu'il occupa pendant près de 40 ans. Diego Velázquez eut une carrière réussie qui fit de lui l'artiste principal de ce que l'on appelle l'âge d'or espagnol.

Dans ses dernières années, le maître espagnol produisit un portrait renommé du pape Innocent X et les célèbres "Las Meninas". Il mourut le 6 août 1660 à Madrid.

Velázquez est commémoré comme l'un des grands maîtres de l'art occidental. Pablo Picasso et Salvador Dalí figurent parmi les artistes qui le considéraient comme une grande influence, tandis que l'impressionniste français Édouard Manet décrivit le grand espagnol comme "le peintre des peintres".

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No.2 Francisco de Goya - 1746 – 1828

Francisco Goya, de son nom complet Francisco José de Goya y Lucientes, (né le 30 mars 1746 à Fuendetodos, Espagne ; décédé le 16 avril 1828 à Bordeaux, France).

Francisco Goya, l'un des peintres les plus influents du XVIIIe siècle, connut un immense succès de son vivant. Son œuvre est souvent associée au mouvement romantique et il est considéré comme l'un des derniers grands maîtres anciens. L'une des peintures les plus célèbres de Goya, El Tres De Mayo De 1808 En Madrid, est un chef-d'œuvre politiquement chargé qui honore la résistance espagnole pendant l'occupation du pays par Napoléon. Ce travail innovant a posé un nouveau précédent sur la façon de représenter les horreurs de la guerre dans l'art.

Son étude des œuvres de Velázquez dans la collection royale aboutit à une technique de peinture plus souple et spontanée. En même temps, Goya connaît son premier succès populaire. Il fut élu à la Real Academia de San Fernando en 1780, nommé peintre du roi en 1786, et devint peintre de la cour en 1789. Une grave maladie en 1792 laissa Goya complètement sourd. Il développa un nouveau style audacieux et libre, proche de la caricature. Dans ses fresques religieuses, il employa un style large et libre et un réalisme terre à terre sans précédent dans l'art religieux. Goya occupa le poste de directeur de peinture à la Real Academia de 1795 à 1797 et fut nommé premier peintre de la cour espagnole en 1799.

Pendant l'invasion napoléonienne et la guerre d'indépendance espagnole de 1808 à 1814, Goya fut peintre de la cour de France. Après la restauration de la monarchie espagnole, Goya fut gracié pour avoir servi les Français, mais son travail ne fut pas favorisé par le nouveau roi. En 1816, il publia ses gravures sur les corridas, appelées Tauromaquia. De 1819 à 1824, Goya vécut reclus dans une maison située dans la banlieue de Madrid. Libéré de restrictions judiciaires, il adopta un style de plus en plus personnel. Dans ses Peintures noires, exécutées sur les murs de sa maison, Goya exprima ses visions les plus sombres. Une qualité de cauchemar similaire hante les Disparates satiriques, une série de gravures également appelées Proverbes. En 1824, après l'échec d'une tentative de rétablir le gouvernement libéral, Goya s'exila volontairement en France. Il s'installa à Bordeaux et continua à travailler jusqu'à sa mort le 16 avril 1828.

Aujourd'hui, beaucoup de ses plus grandes peintures se trouvent au musée d'art du Prado à Madrid.

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No.3 Frida Kahlo - 1907 – 1954

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 juillet 1907 - Coyoacán, 13 juillet 1954)

La artiste mexicaine Frida Kahlo est connue pour ses autoportraits, sa douleur et sa passion, ainsi que pour ses couleurs vives et audacieuses. Elle est célébrée au Mexique pour son attention à la culture mexicaine et indigène et par les féministes pour sa description de l'expérience et de la forme féminine.

Avec son travail profondément personnel et symbolique, elle est devenue l'une des artistes les plus célèbres du XXe siècle. Pendant une grande partie de sa carrière, elle était souvent négligée simplement comme l'épouse de Diego Rivera, mais l'appréciation de ses peintures n'a cessé de croître depuis les années 1970. Férocement fière de son identité mexicaine, elle intégra souvent des symboles précolombiens dans ses peintures et est connue pour sa robe mexicaine colorée. Kahlo, qui souffrit de problèmes de santé tout au long de sa vie en raison d'un accident de bus dans sa jeunesse, subit de multiples fractures de sa colonne vertébrale, de sa clavicule et de ses côtes, un bassin détruit, un pied cassé et une épaule disloquée. Elle commença à se concentrer beaucoup sur la peinture pendant sa convalescence avec un plâtre sur le corps. Au cours de sa vie, elle subit 30 opérations. L'expérience de la vie est un thème commun dans les environ 200 peintures, esquisses et dessins de Kahlo. Sa douleur physique et émotionnelle est clairement exprimée sur ses toiles, tout comme sa relation tumultueuse avec son époux, l'artiste Diego Rivera, avec qui elle se maria deux fois. Sur ses 143 peintures, 55 sont des autoportraits. La dévastation de son corps par l'accident de bus est montrée en détail dans La colonne brisée. Kahlo se représente presque nue, coupée en deux, avec sa colonne vertébrale présentée comme une colonne décorative brisée. Sa peau est éclaboussée de clous. Elle est également équipée d'un appareil chirurgical.

Amplement connue pour ses inclinations marxistes, Frida, avec le marxiste révolutionnaire Che Guevara et un petit groupe de figures contemporaines, est devenue un symbole de la contre-culture du XXe siècle et a créé un héritage dans la peinture qui continue d'inspirer l'imagination et l'esprit.
Elle vit sa carrière florissante interrompue en raison de sa mort prématurée à 47 ans. Son héritage reste vivant et il demeure une icône de nombreux mouvements féministes et politiques.

No.4 Diego Rivera - 1886 – 1957

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, connu sous le nom de Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Mexico, 1957), était un peintre mexicain éminent. Ses grandes fresques ont aidé à établir le mouvement mural dans l'art mexicain et international.
Né au Mexique, Rivera a passé une grande partie de sa vie adulte en Europe et aux États-Unis, ainsi que dans sa maison à Mexico. Au début de sa carrière, il s'aventura dans le cubisme puis adopta le post-impressionnisme, mais son style et sa perspective uniques sont immédiatement reconnaissables comme les siens. Il était impliqué dans le monde de la politique en tant que marxiste dévoué et rejoignit le Parti communiste mexicain en 1922. Il accueillit l'exilé russe Léon Trotsky et sa femme chez lui à Mexico dans les années 1930. Il vécut en des temps instables et mena une vie tumultueuse, Diego Rivera, largement connu pour ses inclinations marxistes, avec le marxiste révolutionnaire Che Guevara et un petit groupe de figures contemporaines, est devenu un symbole de la contre-culture du XXe siècle et a créé un héritage dans l'art qui continue d'inspirer l'imagination et l'esprit.
Il contribua à forger une identité nationale basée sur la mexicanité. Cette fierté pour l'identité mexicaine est visible dans l'art de Rivera à travers sa palette de couleurs vives et l'utilisation de formes simplifiées influencées par l'art maya et aztèque. Bien que certaines de ses œuvres les plus connues se trouvent à Mexico, Rivera a également peint largement aux États-Unis. Sa fresque Homme au croisement fut retirée du Rockefeller Center à New York en raison d'une image de Lénine dans l'œuvre.

No.5 Pablo Picasso - 1881 – 1973

Pablo Picasso, de son nom complet Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, également appelé (avant 1901) Pablo Ruiz ou Pablo Ruiz Picasso, (né le 25 octobre 1881 à Málaga, Espagne) est mort le 8 avril 1973 à Mougins, France), était un peintre, sculpteur, graveur, céramiste et décorateur expatrié espagnol, l'un des plus grands et influents artistes du XXe siècle et le créateur (avec Georges Braque) du cubisme.
C'était un enfant prodige qui maîtrisa d'abord les techniques classiques avant de sortir par lui-même pour détruire la forme traditionnelle de création artistique. Son œuvre est impressionnante, car il produisit environ 50 000 œuvres d'art au cours de sa vie entre peintures, sculptures, céramiques, dessins et gravures.
En tant que l'un des initiateurs du cubisme au début des années 1900, il a évité le réalisme dans l'art et visait à représenter le pur abstrait, quelque chose qui n'avait jamais été fait de cette manière auparavant. L'essentiel de l'œuvre de Picasso est divisé en périodes assez distinctes, commençant par la période bleue, puis la période rose, la période d'influence africaine, la période cubiste et la période surréaliste et classiciste.
Étant donné que l'art de Picasso à l'époque des Demoiselles était de nature radicale, pratiquement aucun artiste du XXe siècle ne pouvait échapper à son influence. Picasso resta un innovateur jusqu'à la dernière décennie de sa vie. Cela conduisit à des malentendus et à des critiques tant de son vivant que depuis, et ce n'est que dans les années 1980 que ses dernières peintures commencèrent à être appréciées tant pour elles-mêmes que pour leur profonde influence sur la génération croissante de jeunes peintres. Comme Picasso put vendre des œuvres à des prix très élevés à partir des années 1920, il put conserver la majeure partie de son œuvre dans sa propre collection.

No.6 Salvador Dali - 1904 – 1989

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,​ marquis de Dalí de Púbol (Figueras, 11 mai 1904 - Figueras, 23 janvier 1989).
Il est considéré comme l'un des plus grands représentants du surréalisme.
Avec une carrière qui a duré plus de six décennies, Salvador Dalí est l'un des artistes les plus influents de l'art moderne. Célèbre pour ses peintures surréalistes comme La persistance de la mémoire, Dalí était également un prolifique sculpteur, cinéaste, photographe et illustrateur. Il a même créé un livre de cuisine basé sur les dîners légendaires qu'il organisait avec sa femme Gala.
Dès son jeune âge, Salvador Dalí fut encouragé à pratiquer son art et finit par étudier dans une académie à Madrid. Dans les années 1920, il se rendit à Paris et commença à interagir avec des artistes comme Pablo Picasso, René Magritte et Miró, ce qui mena à la première phase surréaliste de Dalí.
C'était un artiste très imaginatif, avec une tendance au narcissisme et à la mégalomanie, qui aimait attirer l'attention du public. Cette conduite irritait ceux qui appréciaient son art et justifiait ses critiques, qui rejetaient ses comportements excentriques. Dalí attribuait son amour pour tout ce qui est doré et excessif, sa passion pour le luxe et son amour pour la mode orientale à une lignée arabo-proclamée,​ remontant à l'époque de la domination arabe de la péninsule ibérique.
À l'approche de la guerre en Europe, spécifiquement en Espagne, Dalí eut conflit avec des membres du mouvement surréaliste. Lors d'un "procès" en 1934, il fut expulsé du groupe.
En 1980, Dalí fut contraint de se retirer de la peinture en raison d'un trouble moteur qui lui causa des tremblements permanents et de la faiblesse dans les mains. Il ne pouvait plus tenir un pinceau, il avait perdu la capacité de s'exprimer de la manière qu'il savait mieux. Plus de tragédie frappa en 1982, lorsque sa chère épouse et amie Gala mourut. Ces deux événements l'amenèrent à une profonde dépression. Il déménagea à Pubol, dans un château qu'il avait acheté et remodelé pour Gala, peut-être pour se cacher du public ou, comme certains le spéculent, pour mourir. En 1984, Dalí fut gravement brûlé dans un incendie. En raison de ses blessures, il fut confiné dans un fauteuil roulant. Des amis, mécènes et collègues artistes le sauvèrent du château et le ramenèrent à Figueras, lui rendant son confort au Théâtre-Musée. En novembre 1988, Dalí fut hospitalisé à Figueras pour une insuffisance cardiaque. Après une brève convalescence, il retourna au Théâtre-Musée. Le 23 janvier 1989, dans sa ville natale, Dalí mourut d'une insuffisance cardiaque à l'âge de 84 ans. Ses funérailles furent célébrées au Théâtre-Musée, où il fut enterré dans une crypte.
Avec une personnalité éclectique et excentrique qui correspondait à sa production artistique, il continue de captiver l'imagination du public 30 ans après sa mort.

No.7 Fernando Botero - 1932 –

Fernando Botero (colombien, né en 1932) est célèbre pour ses scènes peintes et sculptées d'animaux et de figures aux proportions gonflées, ce qui reflète la prédilection de l'artiste pour la satire, la caricature et les commentaires politiques. Né à Medellín, Colombie, il était le deuxième de trois enfants, son père, un vendeur ambulant, mourut quand Botero n'avait que quatre ans. Sa mère dut travailler comme couturière pour subvenir aux besoins de la famille. Après avoir passé du temps dans une école de matadors, Botero décida que l'art était sa véritable vocation et en 1948, à 16 ans, il eut sa première exposition. Trois ans plus tard, après avoir déménagé dans la capitale colombienne, Bogotá, il furent l'hôte de sa première exposition individuelle.
Dans les années 1950, il visita plusieurs pays européens, y compris l'Espagne, l'Italie et la France, pour étudier le travail des maîtres de la Renaissance et du Baroque. Il se rendit également au Mexique pour se familiariser avec l'avant-garde mexicaine actuelle. Botero devint célèbre pour la variété des matériaux qu'il utilisa, allant des images folkloriques colombiennes aux œuvres canoniques de Diego Velázquez, Pablo Picasso et Francisco de Goya.
Dans ses représentations de la vie contemporaine latino-américaine, il dépeint la pauvreté et la violence omniprésentes en Colombie avec des images sombres, ainsi que dans ses figures gonflées emblématiques, des images satiriques de présidents latino-américains, de premières dames et de fonctionnaires du gouvernement. Une rencontre avec Dorothy Miller du Museum of Modern Art au début des années 1960 s'avéra être un tournant dans sa carrière ; elle acquit son travail à un moment où l'abstraction était le langage à la mode, puis exposa son travail dans une importante exposition au musée, consolidant sa réputation internationale.
Dans les années 1970, Botero déménagea à Paris, où il créa de grandes sculptures de figures avec ses formes gonflées emblématiques. Il reste attaché aux images de sa ville natale latino-américaine et aux images explicitement politiques ; ses travaux récents incluent de grandes peintures de prisonniers à Abu Ghraib en commentaire direct sur la guerre en Irak. Botero a exposé son travail au Musée d'art moderne de Copenhague, au Musée Maillol à Paris, au Palazzo Benezia à Rome, au Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg et au Musée national à Bogotá. Il vit et travaille actuellement à Paris, à Monaco et à New York.
Botero a maintenant 80 ans et est aussi prolifique que jamais. Créateur avide, il a produit des milliers de peintures et des centaines de sculptures et continuera de captiver avec sa marque personnelle de personnes et d'objets. Comme le dit lui-même Botero, "un artiste n'est jamais complet".

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