Description
L'iconographie de l'œuvre, probablement destinée à la dévotion privée de l'artiste, fait référence au schéma de composition de la lamentation sur le Christ mort, dans lequel les personnes en deuil sont regroupées autour du corps de Thestro préparé pour l'enterrement, allongé sur la pierre de la pierre L'onction et déjà ointe de parfums.
L'hypothèse la plus énergique, malgré les incertitudes dérivées de l'existence de plusieurs variantes du même thème, identifie l'image de Brera (Milan) avec le "Christ in Escorzo" trouvé dans l'atelier de Mantegna au moment de sa mort, vendu pour son Ludovico fils du cardinal Sigismo Gonzaga et inventorié parmi les propriétés des seigneurs de Mantoue en 1627.
La destination postérieure de la peinture reste un sujet de débat parmi les chercheurs, qui fait face à une série compliquée de changements de propriété seulement partiellement, et déroutant, documentés: selon la théorie la plus récente, mais pas concluante, le tableau a été vendu en 1628 à Charles . I d'Angleterre avec les pièces les plus précieuses de la collection Gonzaga; Puis il est allé sur le marché antique de la collection de mazarin cardinal; Dans la dispersion de ce dernier, il a disparu pendant plus d'un siècle. Plus de peinture n'était connue jusqu'en 1806. En fait, le secrétaire de l'Accademia di Brera Giuseppe Bossi a demandé au sculpteur Antonio Canova d'agir comme intermédiaire dans l'achat de sa "Mantegna convoitée", qui a finalement atteint le Pinacoteca en 1824.
La composition produit un grand impact émotionnel, accentué par l'extrême Scorzo: le corps du Christ est très proche du point de vue de l'observateur qui, lorsqu'il le regarde, est traîné au centre du drame; De plus, chaque détail est renforcé par l'incision des lignes, ce qui oblige le regard à s'arrêter dans les traits les plus détaillés, dans les membres rigides de la rigueur de Mortis, ainsi que dans les blessures, ouvertement présentées au premier plan, comme l'exige le requis par La tradition de ce type d'image.
Le thème de la lamentation est courant dans l'art médiéval et de la Renaissance, bien que ce traitement, qui remonte à une question connue sous le nom de l'onction du Christ, soit inhabituelle pour l'époque. La plupart des regrets montrent beaucoup plus de contacts entre les personnes en deuil et le corps. Les riches contrastes des lumières et des ombres abondent, infusés par un profond sentiment de patétique. Le réalisme et la tragédie de la scène sont renforcés par la perspective violente, qui raccourcit et dramatise les semets, accentuant les détails anatomiques: en particulier, le thorax du Christ. Les trous dans les mains et les pieds du professeur, ainsi que les visages des deux personnes en deuil, sont représentés sans aucune concession à l'idéalisme ou à la rhétorique. Les rideaux bien dessinés qui couvrent le corps contribuent à l'effet dramatique. Unique dans cette peinture est un design qui place le centre d'objectif central de l'image dans les parties génitales du Christ, un choix artistique qui est ouvert à une multitude d'interprétations. Mantegna a réussi à peindre une représentation très spécifique du traumatisme physique et émotionnel.
Mantegna a présenté à la fois une étude déchirante d'un cadavre fortement raccourci et une description intensément émouvante d'une tragédie biblique. Cette peinture est l'un des nombreux exemples du domaine de l'artiste. À première vue, la peinture semble être une étude étonnamment réaliste à Scorzo. Cependant, un examen minutieux révèle que Mantegna a réduit la taille des pieds de la figure qui, comme il devait le savoir, couvrirait une grande partie du corps si elle était représentée correctement.
Mantegna a probablement fait ce tableau pour sa chapelle funéraire personnelle. Ses enfants l'ont trouvée dans son étude après sa mort et l'ont vendue pour payer ses dettes.
Ce chef-d'œuvre est typique de l'art de Mantegna, dans lequel l'espace confiné dans cette peinture est défini architectural comme la cellule froide et morne d'une morgue. En regardant vers l'intérieur, nous voyons un spectacle presque monstrueux: un cadavre lourd, apparemment gonflé par le scorzo exagéré. Devant, il y a deux pieds énormes avec des trous; À gauche, des masques fixes tachés de larmes. Mais un autre look dissipe l'impact initial et un système rationnel peut être discerné sous la faible lumière. Le visage du Christ, comme les autres visages, est cousu par des rides, qui s'harmonisent avec le Saten aqueux de l'oreiller rose, les granulations pâles de la dalle de marbre et le Ónix vétérinaire de la bouteille de pommade. Les plis humides du linceul mettent l'accent sur les plis de la peau tendue, qui est comme un rouleau rayé autour des plaies sèches. Toutes ces lignes sont résolues dans les vagues sauvages des cheveux.
Le réalisme de Mantegna prévaut sur toute indulgence esthétique qui pourrait résulter d'un retard exagéré dans les aspects matériels de son sujet. Son réalisme est à son tour dominé par un sentiment poétique exalté pour la souffrance et la démission chrétiennes. Le pouvoir créatif de Mantegna réside dans sa propre interprétation du "historique", son sentiment pour le spectacle à grande échelle. Au-delà de sa froideur apparente et de son détachement étudié, les sentiments de Mantegna sont ceux d'un historien et, comme tous les grands historiens, il est plein d'humanité. Il a un sens tragique de l'histoire et du destin de l'homme, et les problèmes du bien et du mal, de la vie et de la mort.
Ce Peinture célèbre Il s'agit d'un sommet absolu dans la production de Mantegna, une œuvre dont la force expressive, le sang-froid sévère et la gestion magistrale de l'illusion de la perspective en ont fait l'un des symboles les plus connus de la renaissance italienne.
La peinture est située dans le Pinacoteca di Brera à Milan, en Italie.