Il ne fait aucun doute que beaucoup de gens s'accordent à dire que la plupart des œuvres d'art célèbres que l'on trouve dans les musées et les collections privées du monde n'ont pas de prix.
Étant uniques en leur genre, il est difficile d'attribuer une valeur à de nombreuses peintures célèbres ; cependant, presque quotidiennement, l'art est vendu et acheté, souvent à des prix exorbitants que la plupart des gens ne pourront jamais payer. Mais il existe quelques acheteurs excentriques qui peuvent se permettre ce luxe.
Kuadros propose une compilation des 5 peintures célèbres les plus chères de l'histoire.
No.1 Salvator Mundi (Christ Sauveur du Monde) - Leonardo da Vinci (US$ 450,3 millions)
En mai 2008, certains des meilleurs experts du célèbre peintre se tenaient autour d'un chevalet dans un studio très au-dessus de Trafalgar Square. L'objet qu'ils avaient été invités à examiner, dans le département de conservation de la National Gallery, était une peinture sur un panneau de bois de noyer. Elle montrait un homme barbu aux cheveux longs regardant devant lui, une main levée en signe de bénédiction et l'autre tenant une sphère transparente.
Leonardo a peint Salvator Mundi peut-être pour le roi Louis XII de France et son épouse, Anne de Bretagne. La troublante peinture à l'huile sur un panneau de 66 centimètres représente une figure de buste du Christ en tant que Sauveur du Monde, avec une vue frontale et vêtu de toges de l'époque de la Renaissance. Dans cette peinture célèbre, Leonardo représente le Christ tel qu'il est caractérisé dans l'Évangile de Jean 4:14 : "Nous avons vu et témoignons que le Père a envoyé son Fils comme le sauveur du monde". Le Christ regarde fixement le spectateur, légèrement barbu avec des boucles châtain, tenant une sphère de cristal dans sa main gauche et offrant la bénédiction de sa main droite.
La peinture a disparu de 1763 à 1900, lorsqu'elle a été achetée par Sir Charles Robinson comme œuvre de Bernardino Luini, un suiveur de Leonardo. Elle est ensuite réapparue chez Sotheby's en Angleterre en 1958. Elle a disparu à nouveau jusqu'à ce qu'elle soit vendue dans une petite maison de vente aux enchères aux États-Unis en 2005.
Comme beaucoup des œuvres survivantes de Leonardo, cette peinture célèbre n'était pas en parfait état lorsqu'elle a refait surface au début des années 2000. Une vaste restauration a été nécessaire. Bien qu'il existe des experts respectés de l'art de la Renaissance qui remettent en question l'attribution de la peinture à Leonardo, elle a finalement été vendue aux enchères chez Christie's à New York en novembre 2017 pour 450 millions de dollars, un nouveau prix record pour une œuvre d'art célèbre. L'acheteur n'a pas été révélé.
Aujourd'hui, elle est considérée comme une peinture fausse.
No.2 Échange - Willem de Kooning (US $ 300 millions)
L'idée d'aborder le primitif a été initiée par Gauguin, mais peut être discernée en partie dans le travail de De Kooning.
Bien que nous aimions explorer les qualités moins tangibles de l'art abstrait, nous sommes également très conscients que cela peut être un merveilleux investissement financier. À ce jour, la peinture la plus chère jamais vendue dans l'art abstrait est un paysage de Willem de Kooning intitulé Échange, qui a été vendu pour 300 millions de dollars en 2015. La peinture célèbre a atteint ce prix record lors d'une vente privée au gestionnaire de fonds d'assurance à Chicago, Kenneth Griffin, dans le cadre d'un paquet de 500 millions de dollars qui incluait également la peinture Numéro 17A de Jackson Pollock.
La peinture de Jackson Pollock que Kenneth Griffin a achetée avec Échange est apparue dans la diffusion de la revue Life de 1949 qui a fait connaître Jackson Pollock et l'Expressionnisme abstrait. Peu de peintures capturent plus succinctement un moment dans le temps. Cet article de la revue a été l'une des principales raisons pour lesquelles De Kooning et les autres expressionnistes abstraits ont pu finalement gagner leur vie avec leur art. Ensemble, ces deux peintures célèbres représentent le moment où les États-Unis ont donné naissance à leur premier mouvement d'art moderne natif. L'échange n'est pas seulement précieux en tant qu'objet. Sa valeur réside dans son mythe.
Stylistiquement, Échange marque l'une des périodes les plus transformantes dans la carrière de l'un des artistes abstraits les plus importants du XXe siècle. En plus d'être un peintre influent, Willem de Kooning a été une force vitale de connexion entre ses contemporains. Il était l'ami et l'animateur d'Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline et des dizaines d'autres expressionnistes abstraits.
Au cours de la période où ces artistes luttaient, De Kooning est resté un animateur passionné de leur travail. L'Échange a été peint juste au moment où la fortune de De Kooning et de ses contemporains subissait un changement massif. Ils devenaient financièrement stables, beaucoup pour la première fois, ce qui signifie qu'ils avaient l'opportunité de prendre de nouvelles décisions, tant professionnelles que personnelles. Pour De Kooning, cela s'est manifesté par une domestication progressive de son style de vie notoirement sauvage, qui a culminé par un déménagement dans une ferme à East Hampton.
Créativement, De Kooning s'est manifesté pendant une période de 11 ans consacrée à la peinture de paysages abstraits, dont Échange était l'une des premières œuvres.
No.3 Les joueurs de cartes - Paul Cézanne (estimé entre US $ 250 et $ 300 millions)
Les Joueurs de Cartes est une série de peintures impressionnistes du moderniste français Paul Cézanne. L'un de ses projets les plus ambitieux, maintenant considéré comme une contribution importante à l'art moderne. Bien que peintes pendant la période finale de Cézanne, elles représentent certaines des meilleures peintures de genre de l'École Française. Il y a cinq versions dans la série, chacune variant en contenu et en taille : une est dans une collection privée, les autres sont au Musée d'Orsay, à la Galerie Courtauld, à la Fondation Barnes et au Musée métropolitain d'art. La version privée a été achetée en 2011 par la famille royale du Qatar pour un montant estimé entre 250 millions et 300 millions de dollars. Cézanne est célèbre pour ses peintures de nature morte, et les historiens de l'art pensent qu'il a choisi le thème des cartes parce que les personnes jouant au jeu étaient essentiellement une forme de nature morte humaine.
Il a probablement aussi été influencé par les frères Nain (1599-1677) dont les joueurs de cartes (c.1642) étaient dans la collection de son musée d'art local à Aix-en-Provence.
Les deux hommes étudient attentivement leurs cartes, mais aucun mouvement ne semble imminent. Les détails du jeu ont encore reculé et la vie s'est apaisée. Les joueurs de cartes de Cézanne, comme beaucoup de ses figures, occupent un espace entre la peinture de figures et la peinture d'objets. Ils se déplacent entre différents genres.
Dans les années 1890, Cézanne était indépendamment riche ; il pouvait payer confortablement ses modèles pour poser et les travaux résultants étaient faits de pigments produits industriellement, généralement appliqués sur des toiles de taille standard fabriquées commercialement. À peu près au même moment où il a terminé la série, l'artiste a établi une relation avec un marchand de tableaux parisien, Ambroise Vollard, qui est ensuite devenu le premier propriétaire de la célèbre toile. Les livres de comptes commerciaux de Vollard enregistrent qu'il a réalisé un bon profit sur le travail, l'achetant pour 250 francs et, au début des années 1900, le vendant pour 4 500. Cependant, l'attrait durable des Joueurs de Cartes de Cézanne peut être dû à la façon dont les cinq peintures fournissent un contraste distinctif avec le capitalisme moderne qui entourait leur création. Si la vie peut sembler de plus en plus rapide, superficielle et mercenaire, alors peut-être peut-on trouver un certain réconfort ici, dans notre engagement prolongé envers des toiles faites à la main montrant un passe-temps intemporel, enraciné et sociable.
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No.4 Nafea Faa Ipoipo? (Quand te marieras-tu ?) - Paul Gaugain (US $ 300 millions)
Une jeune femme en tenue traditionnelle s'étire vers l'avant sur le sol. Elle se tourne vers l'arrière, et partiellement obscurcie se trouve une figure plus matronale avec une robe de style occidental levant la main dans un geste d'importance. La fleur derrière l'oreille de la fille est un symbole tahitien traditionnel par lequel les jeunes femmes signalent leur disponibilité pour le mariage. Au bas de l'image, il y a une inscription dans la langue : "NAFEA Faa ipoipo", qui se traduit par : "Quand te marieras-tu ?"
En 1891, le père fondateur du primitivisme, Eugene Henri Paul Gauguin, voyagea à Tahiti à la recherche d'un paradis édénique où il pourrait créer un art pur et primitif.
En échappant à la société européenne, à la technologie et aux traditions culturelles, Gauguin espérait capturer des sociétés spirituelles primitives intactes du monde moderne. Mais la réalité polynésienne ne répondit pas aux attentes de Gauguin concernant la vie rurale primitive. Tahiti avait déjà été colonisée au XVIIIe siècle, si bien que lorsqu'il y arriva, il ne put trouver la culture qu'il désirait. Malheureusement, deux tiers de la population native furent tués par des maladies européennes, et la religion indigène fut détruite par des missionnaires catholiques et mormons.
Gauguin s'installa avec succès dans la vie locale et avait pris une jeune fille nommée Teha’amana comme son épouse native. Son mariage fut organisé par la famille de la fille, qui considérait comme un grand privilège que sa fille se marie avec un homme blanc, tandis que pour Gauguin, il s'agissait d'une union informelle selon n'importe quelle norme européenne. Et bien que sa vie tahitienne ne fût pas aussi primitive que Gauguin l'avait anticipé, il y resta vivre. Pendant cette période, il produisit plusieurs de ses "peintures Gauguin" les plus connues de femmes tahitiennes, et il est probable que Teha’amana fut le modèle de nombreuses de ces images.
Nafea Faa Ipoipo (Quand te marieras-tu ?) a récemment été discuté comme l'une des œuvres célèbres les plus chères de l'histoire, se vendant pour presque 300 millions de dollars en 2015, le Musée du Qatar étant l'acheteur. Gauguin (1848-1903) n'était pas un artiste particulièrement populaire de son vivant, et ce n'est qu'après sa mort à l'âge de cinquante-quatre ans que son talent fut entièrement reconnu. Son œuvre se distingue par sa expérimentation audacieuse avec la couleur et le style de synthétiseur.
Le célèbre peintre Gauguin est considéré comme ayant une grande influence sur l'avant-garde française, ainsi que sur des artistes du XXe siècle comme Pablo Picasso, Joan Miró et Henri Matisse.
No.5 Numéro 17A - Jackson Pollock (US $ 200 millions)
Cette œuvre d'art abstrait a été créée en 1948 par le célèbre peintre expressionniste abstrait américain Jason Pollock. Elle a été réalisée avec de la peinture à l'huile sur une toile en fibre de bois. C'est un exemple de la série de peinture par goutte de Pollock, et l'une des pièces plus anciennes de cette série. Le Numéro 17A ne porte aucun titre créatif et est l'un des meilleurs exemples de la forme d'art radicalement exceptionnelle de la peinture par goutte, que Pollock a introduite au monde en 1947. Bien que cette peinture semble se produire par hasard et spontanément, on peut réellement retracer le mouvement précis et le contrôle que Pollock a eu en créant cette pièce. Initialement, ces peintures par goutte de Pollock ont rencontré un grand examen public et étaient en grande partie impopulaires, ayant donc peu de valeur sur le marché de l'art.
Cette forme extrême d'abstraction a divisé les critiques : certains ont loué l'immédiateté de la création, tandis que d'autres se sont moqués des effets aléatoires.
Rappelez-vous les étonnants 500 millions de dollars que Ken Griffin a dépensés pour deux peintures de la collection de David Geffen ? Eh bien, la deuxième peinture, achetée pour 200 millions de dollars, tout aussi impressionnante, était le Numéro 17A.
Cela fait du Numéro 17A la cinquième peinture célèbre la plus chère jamais vendue dans l'histoire. Avant cette vente, la peinture célèbre avait été exposée à l'Institut d'Art de Chicago.
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