Septembre, de Gerhard Richter, n’est pas une peinture qu’on contemple ; c’est une peinture qu’on endure. Face à elle, le spectateur ne trouve ni scène claire ni narration explicite, mais une image fragmentée, floue, presque effacée, comme si la mémoire elle-même luttait pour retenir ce qu’elle a vu. Richter, l’un des artistes les plus influents des XXe et XXIe siècles, aborde ici l’un des événements les plus marquants de l’histoire récente : les attentats du 11 septembre 2001. Mais il le fait d’une manière profondément différente de celle attendue. Il n’y a pas de drame direct, pas de spectaculaire, pas de propagande visuelle. Il y a, en revanche, une réflexion silencieuse sur l’impossibilité de représenter l’horreur.
L’œuvre, réalisée en 2005, montre une image diffuse des tours jumelles au moment de l’impact. Cependant, la scène est partiellement recouverte de couches de peinture grise et blanche, appliquées avec le geste caractéristique de Richter : tirées, raclées, presque malmenées. Ce procédé n’est pas purement esthétique. Il est conceptuel. L’artiste ne cherche pas à cacher l’image, mais à la problématiser. Que signifie voir quelque chose d’aussi dévastateur ? Quel droit l’art a-t-il de le représenter ? Et que se passe-t-il lorsque les images ont déjà été reproduites jusqu’à l’épuisement dans les médias ?
Richter, né en Allemagne en 1932, a vécu de près le poids de l’histoire. Il a grandi sous le régime nazi et a plus tard connu la division de l’Allemagne. Son œuvre a toujours été traversée par la mémoire, la politique et la perception. Dans Septembre, ces éléments convergent avec une intensité particulière. La peinture ne prétend pas documenter l’événement, mais questionner le rapport entre image et vérité. C’est une peinture sur la mémoire, mais aussi sur l’oubli.
L’un des aspects les plus dérangeants de cette œuvre est son échelle relativement réduite. Contrairement aux images monumentales généralement associées aux événements historiques, Richter opte pour un format intime. Cela oblige le spectateur à s’approcher, à se confronter à l’image, à entrer dans un espace de contemplation presque inconfortable. Il n’y a pas de distance de sécurité. L’expérience est personnelle, directe, presque silencieuse.
La technique du flou, si caractéristique chez Richter, prend ici une signification particulière. Dans beaucoup de ses œuvres photopicturales, le flou suggère une distance émotionnelle ou temporelle. Mais dans Septembre, ce flou semble plutôt être une résistance. Comme si l’image refusait d’être fixée, comme si l’acte de se souvenir était en soi problématique. Ce geste s’inscrit dans une longue tradition de l’histoire de l’art qui remet en question la représentation de la souffrance, de Goya à Picasso.
Un détail moins connu, mais profondément révélateur, est que Richter a détruit plusieurs versions antérieures de cette peinture avant d’arriver à la version définitive. Ce processus témoigne de la difficulté du sujet, de la responsabilité que l’artiste ressentait en l’abordant. Il ne s’agissait pas simplement de peindre, mais de trouver une manière éthique de le faire. En ce sens, Septembre est aussi une œuvre sur le processus artistique, sur le doute, la correction et la recherche d’une vérité qui ne se présente jamais de manière claire.
D’un point de vue esthétique, l’œuvre combine des éléments de peinture abstraite et figurative, un terrain sur lequel Richter évolue avec maîtrise depuis des décennies. Les tours se distinguent à peine, mais elles sont bien là, émergeant entre des couches de peinture qui semblent à la fois les cacher et les révéler. Cette ambiguïté est essentielle. La peinture n’offre pas de réponses ; elle pose des questions.
Dans le contexte de l’art contemporain, September occupe une place singulière. Ce n’est ni une œuvre de dénonciation directe, ni un document historique, ni une abstraction pure. C’est une méditation visuelle sur la représentation, la mémoire et le traumatisme. Dans un monde saturé d’images, Richter propose une image qui résiste à être consommée. Et c’est dans cette résistance que réside sa puissance.
Pour le collectionneur ou l’amateur d’art, posséder une reproduction à l’huile de cette œuvre ne consiste pas simplement à acquérir une image, mais à intégrer à son espace une réflexion profonde sur notre époque. La texture, les gestes du pinceau, les couches superposées acquièrent une présence physique que la reproduction numérique ne peut transmettre. Chaque trait semble contenir une décision, un doute, une histoire.
Les dimensions originales de September sont de 52 x 72 cm, un format qui renforce son caractère intime et contemplatif. Ce n’est pas une œuvre qui domine l’espace, mais qui invite à une relation plus proche, plus introspective.
Gerhard Richter a déclaré à de multiples reprises qu’il doutait de la capacité de la peinture à représenter la réalité. Et pourtant, il continue de peindre. C’est dans cette contradiction que réside une grande part de sa grandeur. September ne résout pas cette tension ; elle l’incarne. C’est une œuvre qui ne cherche ni à consoler ni à expliquer, mais simplement à être là, comme un écho persistant de quelque chose qui ne peut pas être pleinement compris.
Les 5 œuvres les plus représentatives de Gerhard Richter
1. Betty (1988)
L’une de ses œuvres les plus emblématiques, elle montre sa fille Betty tournant le visage, évitant le regard du spectateur. La perfection presque photographique contraste avec ce geste de refus, créant une tension entre proximité et distance qui définit une grande partie de son œuvre.
2. Abstraktes Bild (1986)
Un exemple magistral de son travail abstrait, où des couches de couleur se superposent et sont raclées pour créer une surface vibrante et complexe. Ici, la peinture devient un champ de bataille entre contrôle et hasard.
3. Onkel Rudi (1965)
Basée sur une photographie de famille, cette œuvre montre son oncle en uniforme nazi. Le traitement flou introduit une distance critique, remettant en question la mémoire et l’histoire personnelle.
4. Ema (Akt auf einer Treppe) (1966)
Inspirée de Duchamp, cette peinture montre sa femme descendant un escalier. La figure, diffuse et éthérée, semble suspendue entre mouvement et immobilité.
5. September (2005)
L’une de ses œuvres les plus retenues et réfléchies, où l’artiste confronte la représentation du traumatisme contemporain avec une honnêteté brutale et une sensibilité exceptionnelle.
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