Les fondements de l'histoire de l'art remontent à des dizaines de milliers d'années, lorsque les anciennes civilisations utilisaient les techniques et les moyens disponibles pour représenter des thèmes culturellement significatifs. Depuis ces premiers exemples, de nombreux mouvements artistiques ont émergé, chacun avec des styles et des caractéristiques distinctives qui reflètent les influences politiques et sociales de leur époque.
Que signifie le fauvisme et de quoi s'agit-il dans l'art conceptuel ? Parler d'art est une discipline en soi, et si vous êtes nouveau dans ce monde, vous avez probablement de nombreuses questions, notamment sur chaque mouvement et les différents types d'art.
Les genres d'art influents, du Renaissance à l'émergence du Modernisme, ont laissé une empreinte indélébile dans l'histoire.
En ayant des concepts clairs sur l'histoire et l'importance des mouvements artistiques, nous aurons une compréhension plus profonde de la façon dont des artistes célèbres tels que Van Gogh, Picasso et Warhol ont révolutionné le monde de l'art.
Kuadros a préparé pour vous une liste des mouvements les plus importants.
No.1 Renaissance Italienne (1400–1550)
Quelques représentants : Portes de Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Léonard, Michel-Ange, Raphaël.
Vers la fin du XIVe siècle, un groupe de penseurs italiens a proclamé qu'ils vivaient dans une nouvelle ère. L'obscure et barbare "Moyen Âge" était terminée ; une "rinascità" ("renaissance") de l'apprentissage, de la littérature, de l'art et de la culture commençait. Cela a marqué la naissance de la période désormais connue sous le nom de Renaissance. Pendant des siècles, les érudits ont convenu que la Renaissance italienne s'est produite de cette manière : entre les XIVe et XVIIe siècles, une manière moderne de penser le monde et la place de l'homme en lui a remplacé les vieilles idées. Nombre des réalisations scientifiques, artistiques et culturelles de cette période partagent des thèmes communs, notamment la croyance humaniste que l'homme est le centre de son propre univers.
L'Italie au XVe siècle était différente de tout autre endroit en Europe. Elle était divisée en cités-États indépendantes, chacune ayant son propre gouvernement. Florence, où la Renaissance italienne a commencé, était une république indépendante et un centre bancaire et commercial. Les Florentins riches montraient leur pouvoir en soutenant des artistes et des intellectuels, faisant de la ville le centre culturel de l'Europe et de la Renaissance.
La Renaissance est divisée en deux parties principales :
Durant la Renaissance précoce, les artistes ont commencé à rejeter le style byzantin de la peinture religieuse et s'efforçaient de créer du réalisme dans la représentation de la forme et de l'espace humains. Cet objectif a commencé avec Cimabue et Giotto, atteignant son apogée avec des artistes comme Andrea Mantegna et Paolo Uccello. Bien que la religion restait importante dans la vie quotidienne, le thème mythologique a également fait son chemin. Beaucoup pointent La Naissance de Vénus de Botticelli comme la première peinture sur panneau d'une scène mythologique.
La période connue sous le nom de Haute Renaissance représente l'aboutissement des objectifs de la Renaissance précoce. Les artistes les plus en vue sont Léonard de Vinci, Raphaël, Titien et Michel-Ange. Leurs peintures et fresques sont certaines des œuvres les plus reconnues au monde, telles que La Cène, L'École d'Athènes et les peintures du plafond de la Chapelle Sixtine de Michel-Ange.
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No.2 Baroque (1600–1750)
Quelques représentants : Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palais de Versailles.
Le terme baroque dérive probablement de l'italien "barocco", utilisé au Moyen Âge pour décrire des obstacles logiques. Par la suite, il est devenu synonyme d'idées complexes ou de processus de pensée tortueux. Une autre source possible est le portugais "barroco" (espagnol "barrueco"), qui décrit une perle de forme irrégulière ou imparfaite. Le baroque est un mouvement dans l'art et l'architecture qui s'est développé en Europe du début du XVIIe siècle jusqu'au milieu du XVIIIe siècle. Il met l'accent sur le mouvement dramatique et exagéré et des détails clairs pour produire du drame, de la tension, de l'exubérance et de la grandeur.
Les premières manifestations ont eu lieu en Italie dans les dernières décennies du XVIe siècle, tandis que dans des régions comme l'Allemagne et l'Amérique du Sud coloniale, certains accomplissements culminants du baroque ne se sont pas produits avant le XVIIIe siècle.
Les artistes ont ravivé les idéaux de beauté de la Renaissance, insufflant à leurs œuvres, musique et architecture une nouvelle exubérance et ornementation. Ce style, connu sous le nom de baroque, se caractérisait par des techniques innovantes et des détails élaborés, offrant un langage visuel exubérant dans une période relativement modérée pour l'art. Le baroque s'est répandu dans toute l'Europe, soutenu par le Pape à Rome et par des dirigeants catholiques en Italie, France, Espagne et Flandre. Il s'est également diffusé par l'intermédiaire d'ordres religieux à travers des monastères et des couvents.
Le style baroque qui est émergé était à la fois sensuel et spirituel. Un traitement naturaliste a rendu les images religieuses plus accessibles, tandis que des effets dramatiques et illusoires stimulaient la piété et transmettaient la splendeur divine. Les plafonds des églises se dissociaient en scènes peintes qui dirigeaient les sens vers le céleste.
Bien que le sujet et le style puissent varier entre les peintures baroques, la plupart partagent le drame comme élément commun. Dans des œuvres d'artistes tels que Caravaggio et Rembrandt, l'intérêt pour le drame se manifeste dans des contrastes intenses de lumière et d'ombre.
Le grand maître de la région catholique dominée par les Espagnols était le peintre Peter Paul Rubens, dont les compositions dynamiques et les figures vigoureuses sont l'apogée de la peinture baroque. Les élégants portraits d'Anthony van Dyck et les solides œuvres de Jacob Jordaens ont suivi son exemple. L'art aux Pays-Bas était influencé par les goûts réalistes de la classe moyenne, ce qui a permis à des peintres tels que Rembrandt et Frans Hals de rester indépendants du style baroque sur des aspects importants. Cependant, le baroque a eu un impact notable en Angleterre, en particulier dans les églises et les palais conçus par Sir Christopher Wren et Sir John Vanbrugh.
Tout comme les statues de la Renaissance, comme l'emblématique David de Michel-Ange, les sculptures baroques étaient souvent destinées à orner des édifices majestueux et d'autres scènes grandioses, comme des intérieurs d'églises et des jardins royaux.
La dernière floraison du baroque a eu lieu dans le sud de l'Allemagne et en Autriche, où des architectes natifs se sont éloignés des modèles italiens dans les années 1720.
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No.3 Réalisme (1848–1900)
Quelques représentants : Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Le réalisme est la représentation précise, détaillée et sans embellissement de la nature ou de la vie contemporaine. Il rejette l'idéalisation au profit d'une observation rapprochée des apparences externes. En tant que tel, le réalisme a englobé de nombreux courants artistiques dans différentes civilisations. Dans les arts visuels, par exemple, on peut le trouver dans les sculptures grecques hellénistiques qui représentent des boxeurs et des vieilles femmes. Les œuvres de peintres du XVIIe siècle comme Caravaggio, les peintres de genre néerlandais, les Espagnols José de Ribera, Diego Velázquez et Francisco de Zurbarán, et les frères Le Nain en France, ont un style réaliste. Les œuvres de romanciers anglais du XVIIIe siècle comme Daniel Defoe et Henry Fielding peuvent également être qualifiées de réalistes.
Le réalisme est né en France dans les années 1850, après la Révolution de 1848, qui a établi le "droit au travail" dans le pays. Il a introduit l'idée des gens ordinaires, des décors contemporains et des scènes quotidiennes comme thèmes artistiques dignes.
Il s'est répandu à travers l'Europe, de la Russie d'Alexandre II à la Grande-Bretagne de la reine Victoria, en passant par l'Allemagne de Guillaume Ier, l'Italie du Risorgimento et au-delà. L'année 1855 a été significative dans l'établissement du réalisme en Europe.
Gustave Courbet est considéré comme la figure principale du réalisme. Il a posé les bases du mouvement dans les années 1840, en représentant des paysans et des travailleurs sans les glorifier, les présentant de manière audacieuse et sévère, ce qui a entraîné des controverses.
Le style et le thème de Courbet s'inspiraient du travail de peintres de l'École de Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet et d'autres se sont installés dans le village français de Barbizon dans le but de reproduire fidèlement le caractère local du paysage.
Le réalisme pictural en dehors de la France a été bien représenté au XIXe siècle aux États-Unis. Les puissantes et expressives peintures de Winslow Homer sur des thèmes marins et les œuvres de Thomas Eakins sont des représentations sincères et très observées de la vie contemporaine. Le réalisme a été un courant distinct dans l'art du XXe siècle, résultant du désir des artistes de présenter des visions plus sincères et non idéalisées de la vie quotidienne ou d'utiliser l'art comme véhicule pour la critique sociale et politique.
Les scènes brutales et presque journalistiques de la vie urbaine du groupe connu sous le nom de The Eight (Les Huit) tombent dans cette catégorie. Le mouvement allemand Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité) a travaillé dans un style réaliste pour exprimer le cynisme et la désillusion après la Première Guerre mondiale en Allemagne. Le réalisme socialiste en Union soviétique utilisait des techniques d'idéalisation naturaliste pour créer des portraits de travailleurs et d'ingénieurs intrépides.
De plus, le réalisme a directement inspiré des mouvements d'art contemporain comme le photoréalisme et l'hyperréalisme, démontrant son héritage durable et évolutif.
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No.4 Impressionnisme (1865–1885)
Quelques représentants : Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
L'impressionnisme français est un mouvement important qui s'est développé principalement en France à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Sa caractéristique la plus notable était l'intention d'enregistrer de manière précise et objective la réalité visuelle en termes d'effets transitoires de lumière et de couleur. Les artistes impressionnistes ont montré une nouvelle façon d'observer et de représenter le monde, renonçant à des représentations réalistes au profit d'impressions fugaces de leur environnement, souvent en plein air. En musique, il cherchait à transmettre une idée ou un effet à travers un fondu sonore plutôt qu'une structure formelle stricte.
À la fin des années 1860, l'art de Manet reflétait une nouvelle esthétique qui serait une force directrice dans le travail impressionniste, où l'importance du thème traditionnel était réduite et l'attention se déplaçait vers la manipulation de la couleur, du ton et de la texture.
En 1874, un groupe d'artistes appelé Société Anonyme de Peintres, Sculpteurs, Graveurs, etc., a organisé une exposition à Paris qui a lancé le mouvement appelé Impressionnisme. Ses membres fondateurs comprenaient Claude Monet, Edgar Degas et Camille Pissarro. La peinture de Monet Impression, soleil levant (1872) leur a valu le nom initialement moqueur de "Impressionnistes" par le journaliste Louis Leroy. Les artistes ont rapidement adopté ce nom comme une description de leur intention de transmettre avec précision les "impressions visuelles". Alors que les critiques conservateurs critiquaient leur travail pour son aspect incomplet et esquissé, des écrivains plus progressistes le louaient pour sa description de la vie moderne.
Depuis sa conception, l'impressionnisme a été défini par des caractéristiques telles que des coups de pinceau lâches, des couleurs distinctives, des représentations de thèmes ordinaires, une attention portée à la lumière et des compositions inspirées par la photographie.
Au milieu des années 1885, le groupe impressionniste a commencé à se dissoudre à mesure que chaque peintre poursuivait ses propres intérêts et principes esthétiques. Cependant, ils ont réalisé une révolution dans l'histoire de l'art, fournissant un point de départ technique pour des artistes post-impressionnistes tels que Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh et Georges Seurat, libérant la peinture occidentale des techniques et approches traditionnelles.
Héritage et présence de l'impressionnisme aujourd'hui
Comme point de départ du modernisme, l'impressionnisme a influencé de nombreux mouvements ultérieurs. Les post-impressionnistes ont adopté leurs coups de pinceau lâches ; les expressionnistes abstraits ont trouvé de l'inspiration dans l'approche non conventionnelle de Monet; et de nombreux artistes contemporains continuent à travailler dans un style néo-impressionniste.
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No.5 Postimpressionnisme (1885–1910)
Quelques représentants : Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Le post-impressionnisme est un terme utilisé pour décrire la réaction dans les années 1880 contre l'impressionnisme. Il a été mené par Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh et Georges Seurat. Les post-impressionnistes ont rejeté la préoccupation de l'impressionnisme pour la représentation spontanée et naturaliste de la lumière et de la couleur.
Ces peintres, à l'exception de Van Gogh, étaient français et la plupart ont commencé en tant qu'impressionnistes ; chacun a abandonné le style pour former son propre art hautement personnel.
Tout comme les impressionnistes, ils ont souligné l'artificialité de l'image. Ils croyaient que la couleur pouvait être indépendante de la forme et de la composition en tant que vecteur émotionnel et esthétique de signification. Tant l'impressionnisme que le post-impressionnisme incluent certaines des œuvres d'art moderne les plus célèbres, comme les nénuphars de Monet et La Nuit étoilée de Van Gogh.
Ils ont partagé leur travail avec le public à travers des expositions indépendantes à Paris. En 1910, le critique d'art Roger Fry a inventé le terme "post-impressionnisme" avec son exposition "Manet et les post-impressionnistes". Fry croyait que la beauté de l'art est enracinée dans la perception. "L'art est une expression et un stimulus pour la vie imaginative plutôt qu'une copie de la vie réelle", a-t-il expliqué dans "Un Essai en Esthétique".
Les post-impressionnistes croyaient qu'une œuvre d'art ne devait pas tourner autour du style, du processus ou de l'approche esthétique, mais devait mettre l'accent sur le symbolisme, communiquant des messages depuis l'inconscient de l'artiste.
Ils exposaient souvent ensemble, mais contrairement aux impressionnistes, qui ont commencé comme un groupe uni, ils peignaient principalement seuls. Cézanne peignait isolé à Aix-en-Provence ; Gauguin s'est installé à Tahiti en 1891 ; et Van Gogh peignait à la campagne à Arles. Tant Gauguin que Van Gogh ont rejeté l'objectivité de l'impressionnisme au profit d'une expression spirituelle plus personnelle.
"Couleur ! Quel langage profond et mystérieux, le langage des rêves." - Paul Gauguin
Contrairement aux impressionnistes qui cherchaient à capturer l'effet de la lumière naturelle, les post-impressionnistes ont utilisé une palette de couleurs artificielle pour représenter leurs perceptions du monde. Des tons saturés et des ombres multicolores sont évidents dans leurs peintures, démontrant leur approche innovante.
Le post-impressionnisme s'est éloigné d'une approche naturaliste et s'est dirigé vers des mouvements tels que le cubisme et le fauvisme, qui cherchaient à évoquer des émotions à travers la couleur et la ligne.
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No.6 Fauvisme et Expressionnisme (1900–1935)
Peinture appliquée en épaisseurs, couleurs qui sortent de la page et teintes antinaturelles : le fauvisme et l'expressionnisme sont deux des mouvements qui ont donné vie à ces caractéristiques. Alors, quelle est la différence entre eux, s'ils peuvent être décrits de la même manière ? D'abord, nous allons expliquer le fauvisme et l'expressionnisme chacun à leur manière.
Fauvisme
Quelques représentants : Matisse, Derain, Signac
Le fauvisme a envahi la scène artistique de 1905 à 1910, se caractérisant par des couleurs intenses et des coups de pinceau audacieux. Dans certains cas, les artistes appliquaient de la peinture directement du tube. Les couleurs n'avaient pas à être fidèles à la nature ; elles pouvaient être altérées pour montrer l'émotion. Ils ont choisi des thèmes simples et, à cause de cela, les peintures semblaient presque abstraites. Le critique d'art Louis Vauxcelles a inventé le terme après avoir décrit le travail d'Henri Matisse et d'André Derain comme "les fauves" ou "les bêtes" lors d'une exposition au Salon d'Automne à Paris en 1905. Leur travail était rempli de couleurs antinaturelles et de taches sauvages de peinture sur la toile. Ce serait le début du fauvisme.
Les artistes fauvistes s'intéressaient profondément à la théorie scientifique de la couleur du XIXe siècle. Spécifiquement, avec l'utilisation de couleurs complémentaires, ils comprenaient comment rendre les couleurs plus brillantes et audacieuses en incorporant ces théories.
La peinture de Matisse "Femme au chapeau" a été critiquée pour les couleurs antinaturelles sur le visage de la femme. Paul Signac est célèbre pour son pointillisme et a été le mentor de Matisse. Le pointillisme est une technique où de petits points de couleurs primaires sont placés ensemble ; en s'éloignant, ils se combinent en une seule image. Cela peut être comparé aux pixels sur un écran d'ordinateur.
En plus de Matisse et Derain, d'autres artistes fauvistes notables incluent Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault et Maurice de Vlaminck.
Expressionnisme
Quelques représentants : Munch, Kandinsky, Klee
Le expressionnisme est un terme général pour toute œuvre d'art qui déforme la réalité pour correspondre aux sentiments internes, aux points de vue ou aux idées de l'artiste. En résumé, c'est un art qui exprime des réalités internes dans le monde extérieur. Il y a des caractéristiques distinctives de l'expressionnisme : les couleurs intenses et non naturalistes, la peinture appliquée en grandes quantités créant de la texture sur la toile.
L'expressionnisme venait "d'intérieur", étant un reflet des sentiments de l'artiste plutôt qu'une représentation d'une scène. Deux artistes expressionnistes influents étaient Emil Nolde et Edvard Munch.
En ce qui concerne le sujet, l'art expressionniste tend à être émotionnel et, parfois, même mythique. Étant donné que l'expressionnisme est un terme si large, il est facile de l'attribuer à l'art de n'importe quelle époque, mais il s'applique généralement à l'art du XXe siècle. On dit qu'il a commencé avec le travail de Vincent van Gogh et s'étend à l'art moderne tel que nous le connaissons aujourd'hui.
Les principaux contributeurs au mouvement expressionniste incluent des artistes comme Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner et d'autres.
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Le fauvisme peut être vu comme un sous-ensemble de l'expressionnisme. Ils utilisent des techniques similaires et se classifient par les mêmes caractéristiques ; la différence réelle est la nature spécifique du fauvisme par rapport à la généralité de l'expressionnisme.
Quelque chose qui peut être considéré comme fauviste pourrait également faire partie du domaine de l'expressionnisme, mais pas tout expressionnisme est fauvisme. Le fauvisme est un peu plus sauvage, mais avec un thème plus simpliste.
No.7 Cubisme (1905–1920)
Quelques représentants : Pablo Picasso, Georges Braque
Le cubisme est un style d'arts visuels très influent du XXe siècle, créé principalement par Pablo Picasso et Georges Braque à Paris entre 1907 et 1914. Le style cubiste a mis l'accent sur la surface plate et bidimensionnelle du plan de l'image, rejetant les techniques traditionnelles de perspective, de raccourci, de modelage et de clair-obscur, réfutant les anciennes théories selon lesquelles l'art doit imiter la nature. Les cubistes croyaient que les traditions de l'art occidental étaient épuisées et, pour revitaliser leur travail, se tournaient vers l'énergie expressive de l'art d'autres cultures, en particulier l'art africain.
Le cubisme tire son nom des commentaires du critique Louis Vauxcelles, qui a décrit de manière péjorative le travail de Braque en 1908 comme composé de cubes. Dans la peinture de Braque, les volumes des maisons, les formes cylindriques des arbres et l'échelle des couleurs rappellent les paysages de Paul Cézanne, qui a profondément inspiré les cubistes dans leur première étape de développement (jusqu'en 1909). Cependant, c'est Les Demoiselles d'Avignon, peint par Picasso en 1907, qui a annoncé le nouveau style ; dans ce travail, les formes de cinq nus féminins deviennent des figures anguleuses et fracturées.
Le cubisme s'est développé en deux phases distinctes : le cubisme analytique et le cubisme synthétique. Le cubisme analytique (1908–1912) est plus austère et se caractérise par une combinaison de plans et de lignes dans des tons atténués. Le cubisme synthétique (1912–1914) se caractérise par des formes plus simples et des couleurs plus brillantes, y compris des éléments réels combinés, comme des journaux. L'inclusion d'objets réels directement dans l'art a marqué le début de l'une des idées les plus importantes de l'art moderne.
Bien qu'on attribue à Picasso et Braque la création de ce nouveau langage visuel, il a été adopté et développé par de nombreux peintres, y compris Fernand Léger, Robert et Sonia Delaunay, Juan Gris et d'autres. Le cubisme a également profondément influencé la sculpture et l'architecture du XXe siècle.
Les concepts formels libérateurs initiés par le cubisme ont eu des conséquences de grande portée pour des mouvements tels que le Dada et le surréalisme, ainsi que pour des artistes qui poursuivaient l'abstraction à travers le monde.
No.8 Dada et Surréalisme (1917–1950)
Dada
Quelques représentants : Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada était un mouvement artistique d'avant-garde européenne, avec des centres à Zurich et New York. Il a surgi en réaction directe au massacre, à la propagande et à la folie de la Première Guerre mondiale. Des groupes indépendants liés par des idées communes ont émergé à Berlin, Paris et ailleurs. Ils ne partageaient pas un style universel, mais étaient connectés par leur rejet de l'idéalisme et des conventions artistiques et intellectuelles obsolètes.
Le nom "Dada", extrait au hasard d'un dictionnaire en 1916, signifie "cheval à bascule" en français ou "oui oui" en roumain et en russe. Mais en tant que nom d'un mouvement, il ne signifie vraiment rien. Fatigués de la culture qui avait produit la boucherie de la Première Guerre mondiale, les dadaïstes ont défié toutes les conventions, célébrant le hasard et l'absurde.
Les racines de Dada se trouvent dans l'avant-garde d'avant-guerre. Le terme "anti-art", précurseur de Dada, a été inventé par Marcel Duchamp vers 1913 pour caractériser des œuvres qui défient les restrictions acceptées de l'art.
Le mouvement Dada a inclus des réunions publiques, des démonstrations et des publications de revues d'art et de littérature. L'art, la politique et la culture étaient des thèmes fréquemment discutés dans une variété de médias.
Surréalisme
Quelques représentants : Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Le surréalisme était l'un des mouvements les plus importants et subversifs du XXe siècle. Il est né dans les années 1920 et a fourni une alternative radicale aux qualités rationnelles et formelles du cubisme. C'était un mouvement littéraire, philosophique et artistique qui explorait le fonctionnement de l'esprit, défendant l'irrationnel, le poétique et le révolutionnaire.
Contrairement à Dada, dont il émergeait de nombreuses manières, il mettait l'accent sur le rejet positif des traditions antérieures. André Breton, leader d'un nouveau groupe de poètes et d'artistes à Paris, a défini le surréalisme dans son "Manifeste surréaliste" (1924) comme : "Automatisme psychique pur, par lequel il se propose d'exprimer... le fonctionnement réel de la pensée".
On peut distinguer plusieurs fils dans la manifestation visuelle du surréalisme. Des artistes comme Max Ernst et André Masson favorisaient l'automatisme, où le contrôle conscient est supprimé et le subconscient prend le contrôle. En revanche, Salvador Dalí et René Magritte ont poursuivi un sens hallucinant de surréalité où les scènes représentées n'ont aucun sens réel. Une troisième variation était la juxtaposition d'éléments non liés, établissant une réalité en dehors des limites normales.
Le surréalisme est né à Paris, mais son influence s'est étendue à travers des revues et des expositions internationales. Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, le centre d'activité surréaliste s'est déplacé à New York. Bien qu'en tant que mouvement, il ait perdu de la cohérence après la guerre, il a conservé une influence puissante sur l'art contemporain.
No.9 Expressionnisme Abstrait (1940–1950)
Quelques représentants : Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
Le "expressionnisme abstrait" était un mouvement qui s'est développé à New York dans les années 1940 et 1950. Bien que le terme ne soit pas idéal, il englobait des artistes qui remplissaient leurs toiles de champs de couleur et de formes abstraites, ainsi que ceux qui attaquaient leurs toiles avec un expressionnisme gestuel vigoureux. Tous étaient engagés envers l'art comme expression du soi, né d'émotions profondes et de thèmes universels.
Le mouvement comprenait de nombreux styles picturaux différents. Certains artistes, comme Jackson Pollock et Willem de Kooning, se caractérisaient par une approche lâche et dynamique de la peinture. D'autres, comme Mark Rothko, utilisaient de grandes zones de couleur plate pour atteindre des effets subtils et méditatifs.
Bien que le mouvement ait été principalement représenté comme appartenant à des artistes masculins, plusieurs artistes expressionnistes abstraites féminines importantes ont émergé pendant cette période.
No.10 Pop Art (1960)
Quelques représentants : Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Le pop art a commencé avec des artistes de New York comme Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist et Claes Oldenburg, qui se sont inspirés d'images populaires et ont fait partie d'un phénomène international. C'était une révolte contre les approches dominantes de l'art et de la culture et les opinions traditionnelles sur ce que l'art devrait être. Les jeunes artistes étaient convaincus que ce qu'on leur enseignait à l'école d'art et ce qu'ils voyaient dans les musées n'avait rien à voir avec leur vie.
En 1957, l'artiste pop Richard Hamilton a énuméré les caractéristiques de l'art pop dans une lettre : "L'art pop est : populaire, transitoire, jetable, à bas prix, produit en masse, jeune, ingénieux, sexy, lugubre, glamour, gros business".
Le pop a amené l'art vers de nouveaux domaines thématiques et a développé de nouvelles façons de le présenter, et peut être considéré comme l'une des premières manifestations du postmodernisme.
No.11 Postmodernisme (1970–)
Quelques représentants : Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
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Le terme "art postmoderniste" se réfère à une large catégorie d'art contemporain créé depuis environ 1970. La caractéristique distinctive est son rejet de l'esthétique sur laquelle reposait son prédécesseur, l'"art moderne". Un des valeurs rejetées est l'idée que l'"art" est quelque chose de "spécial" qui devrait être séparé du goût populaire.
Anti-autoritaire par nature, le postmodernisme a refusé de reconnaître l'autorité de tout style ou définition de ce que devrait être l'art. Il a renversé la distinction entre la haute culture et la culture populaire, entre l'art et la vie quotidienne. Il a introduit une nouvelle ère de liberté et le sentiment que "tout est permis".
Souvent en mélangeant différents styles et médiums, l'art postmoderniste peut également emprunter ou commenter ironiquement des styles du passé. Les postmodernes considèrent leur position théorique comme inclusive et démocratique.
Dans les années 1980 et 1990, le postmodernisme est devenu la philosophie non officielle du mouvement de la "politique d'identité".
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