Description
Giovanni Bellini et son atelier ont créé la Déploration sur le Christ mort au cours de la Haute Renaissance. Ils ont réalisé plusieurs variations sur ce thème, mais cette œuvre en particulier se distingue par la technique dramatique du clair-obscur qui y est employée. Cela situe le tableau dans la période de la Haute Renaissance, où les artistes privilégiaient cette technique, notamment Léonard de Vinci. Littéralement, le clair-obscur signifie clair et obscur. Le contraste entre l’obscurité et la lumière crée un effet plus dramatique. Cette technique est apparue à la Renaissance.
On peut dire que l’art de la Renaissance est une renaissance des traditions anciennes. Les artistes ont commencé à combiner les traditions de l’Antiquité classique et les idées nouvelles issues des développements artistiques en Europe du Nord. Un style humaniste a émergé et s’est intégré à l’art de cette époque. Parmi les autres caractéristiques de cette période figurent la perspective linéaire et atmosphérique, ainsi que le perfectionnement de l’anatomie, de l’équilibre et de la symétrie.
Dans ce tableau, Giovanni Bellini revient à un thème qu’il a abordé à de nombreuses reprises au cours de sa carrière : la Vierge et l’apôtre Jean assis à terre pour soutenir le corps du Christ descendu de la croix. Plusieurs figures sont disposées autour des personnages centraux ; elles ont très probablement été peintes avec l’aide de l’un des collaborateurs de Bellini. À droite se trouve un moine, anachronisme dans l’histoire du Christ qui montre que le tableau était de nature dévotionnelle plutôt que narrative et qu’il était destiné à la méditation.
Il s’agit d’une composition plus dense que la précédente « imago pietatis », dans laquelle l’isolement même des figures devient un écran séparant le spectateur du drame. Ici, les genoux proéminents du Christ et son raccourci abrupt brisent brutalement ce mur idéal et rapprochent le groupe sacré du spectateur, favorisant ainsi une communication plus immédiate avec ceux qui l’adorent.
La technique de la peinture monochrome est particulièrement intéressante : elle donne l’impression d’une étude préparatoire et amène certains critiques à envisager que la peinture soit inachevée. En effet, selon le savant vénitien du XVIe siècle Paolo Pino, Giovanni Bellini avait l’habitude de réaliser des études préparatoires soigneusement exécutées, auxquelles il ajoutait ensuite de la couleur. Selon une autre interprétation, l’œuvre serait un modèle laissé dans l’atelier pour servir de patron à d’autres peintures.
Dans la peinture de Bellini, les figures sont disposées de telle sorte que les plus proches du spectateur se trouvent du côté gauche, tandis que celles de droite en sont plus éloignées. Cependant, la figure la plus grande, à gauche de Jésus, contribue à équilibrer l’image : au premier plan de la scène, les figures les plus imposantes sont aussi les plus grandes, puis elles deviennent plus petites et plus légères à mesure que le regard s’éloigne. La scène est ainsi bien équilibrée, le Christ constituant le point focal au centre. Toutes les figures qui entourent le Christ sont tournées vers lui, la tête orientée dans sa direction, guidant le regard du spectateur vers lui. Le centre de l’œuvre est également plus clair, à l’endroit où repose le corps de Jésus, tandis que les bords s’assombrissent progressivement.
Peinte en grisaille, elle doit néanmoins être considérée comme une œuvre achevée, malgré l’avis contraire de certains critiques.