Tout au long de l'histoire de l'art, les artistes d'espagnol ont forgé une position importante en tant que pionniers. Sans crainte de prendre des risques, ils incorporent souvent des symboles et des techniques dont leurs cultures indigènes se souviennent. Au-delà de cela, bon nombre des artistes hispaniques les plus célèbres utilisent également leur créativité comme plate-forme pour discuter de l'agitation politique et sociale dans le but d'affecter le changement et d'inspirer la fierté nationale.
No.1 Diego Velázquez - 1599 - 1660
Diego Velázquez était un peintre espagnol du 17e siècle qui a produit "Les Ménines", peut-être sa peinture la plus célèbre et de nombreux portraits renommés en tant que membre de la Cour royale du roi Felipe IV.
Diego Rodríguez de Silva et Velázquez sont nés à Séville, en Espagne, vers le 6 juin 1599. À l'âge de 11 ans, un apprentissage de six ans a commencé avec le peintre local Francisco Pacheco. Les premières œuvres de Velázquez étaient des thèmes religieux traditionnels favorisés par son professeur, mais il a également été influencé par le naturalisme du peintre italien Caravaggio. Velázquez a établi sa propre étude après avoir terminé son apprentissage en 1617. Il est devenu célèbre pour ses portraits réalistes et complexes en tant que membre de la cour du roi Felipe IV, un poste qu'il a occupé pendant près de 40 ans. Diego Velázquez a eu une carrière réussie qui a fait de lui le principal artiste de ce qui est connu comme l'âge d'or espagnol.
Au cours de ses dernières années, le professeur d'espagnol a produit un portrait renommé du pape Innocent X et le célèbre "Las Meninas". Il est décédé le 6 août 1660 à Madrid.
Velázquez est connu comme l'un des grands maîtres de l'art occidental. Pablo Picasso et Salvador Dalí sont parmi les artistes qui le considéraient comme une grande influence, tandis que l'empreinte française Édouard Manet a décrit le grand Espagnol comme «le peintre des peintres».
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No.2 Francisco de Goya - 1746 - 1828
Francisco Goya, dans son intégralité Francisco José de Goya et Lucientes, (né le 30 mars 1746, Fuendetodos, Espagne; décédé le 16 avril 1828, Bordeaux, France).
Francisco Goya, l'un des peintres les plus influents du XVIIIe siècle, a eu un énorme succès au cours de sa vie. Son travail est souvent associé au mouvement romantique et est considéré comme l'un des derniers grands anciens professeurs. L'une des peintures les plus célèbres de Goya, 3 mai 1808 à Madrid, c'est un chef-d'œuvre politiquement chargé qui honore la résistance espagnole pendant l'occupation du pays par Napoléon. Cette œuvre innovante a jeté un nouveau précédent de la façon dont les horreurs de la guerre dans l'art étaient représentées.
Son étude des œuvres de Velázquez dans la vraie collection a abouti à une technique de peinture plus flexible et spontanée. En même temps, Goya a obtenu son premier succès populaire. Il a été choisi pour la Royal Academy de San Fernando en 1780, nommé peintre du roi en 1786 et a fait un peintre de la Cour en 1789. Une maladie grave en 1792 a quitté Goya Deaf en permanence. Il a développé un nouveau style audacieux et libre près du dessin animé. Dans ses fresques, il a utilisé un style large et libre et un réalisme terrestre sans précédent dans l'art religieux. Goya a été directeur de la peinture à la Royal Academy de 1795 à 1797 et a été nommé premier peintre de la cour espagnole en 1799.
Pendant l'invasion napoléonienne et la guerre d'Espagnole d'indépendance de 1808 à 1814, Goya était un peintre de la Cour de France. Après la restauration de la monarchie espagnole, Goya a été gracié en servant les Français, mais son travail n'a pas été favorisé par le nouveau roi. En 1816, il publie ses gravures sur les corridies, intitulée Bullfighting. De 1819 à 1824, Goya vivait dans une maison à la périphérie de Madrid. Sans restrictions judiciaires, a adopté un style de plus en plus personnel. Dans les peintures noires, exécutées sur les murs de sa maison, Goya a exprimé ses visions les plus sombres. Une qualité de cauchemar similaire poursuit les bêtises satiriques, une série de gravures également appelées Proverbes. En 1824, après l'échec d'une tentative de restauration du gouvernement libéral, Goya a volontairement exilé en France. Il s'est installé à Bordeaux et a continué à travailler jusqu'à sa mort le 16 avril 1828.
Aujourd'hui, beaucoup de ses meilleures peintures se trouvent au Musée d'art de Madrid à Madrid.
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N ° 3 Frida Kahlo - 1907 - 1954
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 juillet 1907- Coyoacán, 13 juillet 1954)
L'artiste mexicaine Frida Kahlo se souvient de ses auto-portraits, de la douleur et de la passion et des couleurs vives et audacieuses. Elle est célébrée au Mexique pour son attention à la culture mexicaine et indigène et par des féministes pour sa description de l'expérience et de la forme féminine.
Avec son travail profondément personnel et symbolique, il est devenu l'un des artistes les plus célèbres du XXe siècle. Pendant une grande partie de sa carrière, il l'a souvent ignoré simplement en tant que femme de Diego Rivera, mais l'appréciation de ses peintures n'a augmenté que depuis les années 1970. Ferazly fier de son identité mexicaine, il a souvent incorporé des symboles pré-colombiens dans ses peintures et est connu pour sa robe mexicaine colorée. Kahlo, qui a subi des problèmes de santé tout au long de sa vie en raison d'un accident de bus dans sa jeunesse, a subi de multiples fractures de sa colonne vertébrale, de sa clavicule et de ses côtes, un bassin brisé, un pied cassé et une épaule luxée. Elle a commencé à se concentrer beaucoup sur la peinture tout en se remettant avec un plâtre sur le corps. Dans sa vie, il avait 30 opérations. L'expérience de la vie est un problème courant dans environ 200 peintures, croquis et dessins de Kahlo. Sa douleur physique et émotionnelle est clairement montrée dans les toiles, ainsi que sa relation turbulente avec son mari, la collègue artiste Diego Rivera, avec qui elle s'est mariée deux fois. De ses 143 peintures, 55 sont des auto-portraits. La dévastation de votre corps par l'accident de bus est en détail dans la colonne cassée. Kahlo est représenté presque nue, divisé par moitié, avec sa colonne vertébrale présentée comme une colonne décorative cassée. Votre peau est parsemée de clous. Elle est également équipée d'un dispositif chirurgical.
Largement connue pour ses inclinations marxistes, Frida, avec le marxiste révolutionnaire Che Guevara et une petite bande de figures contemporaines, est devenue un symbole contre-culturel du XXe siècle et a créé un héritage dans la peinture qui continue d'inspirer l'imagination et l'esprit.
Il a vu sa carrière florissante interrompue en raison de sa mort prématurée à l'âge de 47 ans. Son héritage est toujours vivant et reste une icône de nombreux mouvements féministes et politiques.
No.4 Diego Rivera - 1886 - 1957
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera et Barrientos Acosta et Rodríguez, connus sous le nom de Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Mexico, 1957), était un peintre mexicain proéminent. Ses grandes fresques ont aidé à établir le mouvement mural dans l'art mexicain et international.
Mexicaine par naissance, Rivera a passé une bonne partie de sa vie adulte en Europe et aux États-Unis, ainsi que dans son domicile de Mexico. Au début de sa carrière, il s'est aventuré dans le cubisme puis a embrassé le post-l'impressionnisme, mais son style et sa perspective unique sont immédiatement reconnaissables comme les siens. Il a été impliqué dans le monde de la politique en tant que marxiste dévoué et a rejoint le Parti communiste mexicain en 1922. Il a reçu l'exil russe Leon Trotsky et sa femme à la maison à Mexico dans les années 1930. Il a vécu à des temps instables et il a mené une vie turbulente , Diego Rivera, largement connu pour ses inclinations marxistes, ainsi que le marxiste révolutionnaire Che Guevara et une petite bande de figures contemporaines, est devenue un symbole contre-culturel du XXe siècle et a créé un héritage dans l'art qui continue d'inspirer l'imagination et l'esprit inspirants .
Il a contribué à forger une identité nationale basée sur la mexicanie. Cette fierté dans l'identité mexicaine est visible dans l'art de Rivera à travers sa palette de couleurs frappante et l'utilisation de formes simplifiées influencées par l'art mayan et aztèque. Alors que certaines de ses meilleures œuvres connues se trouvent à Mexico, Rivera a également peint beaucoup aux États-Unis. Son homme mural au carrefour, a été retiré du Rockefeller Center à New York en raison d'une image de Lénine au travail.
No.5 Pablo Picasso - 1881 - 1973
Pablo Picasso, dans son intégralité Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, également appelé (avant 1901) Pablo Ruiz ou Pablo Ruiz Picasso, (né le 25 octobre, 1881, malaga, espain) Décédé le 8 avril 1973, Mougins, France), peintre, sculpteur, enregistreur, céramiste et déménageur d'expatrié espagnol, l'un des artistes les plus grands et les plus influents du XXe siècle et le créateur (avec Georges Braque) du cubisme.
C'était un enfant prodige qui a d'abord dominé les techniques classiques avant de partir seul pour détruire la façon traditionnelle de créer de l'art. Son travail est impressionnant, car il a produit environ 50 000 œuvres d'art au cours de sa vie entre les peintures, les sculptures, la céramique, les dessins et les gravures.
En tant que l'un des parents du cubisme au début des années 1900, il a évité la réalité dans l'art et visait à représenter le purement abstrait, quelque chose qui n'avait pas été fait de cette façon auparavant. Le corps principal de Picasso est divisé en périodes très différentes, en commençant par la période bleue, puis la période rose, la période d'influence africaine, la période du cubisme et la période de surréalisme et de classicisme.
Parce que l'art de l'art de Picasso de Demoiselles était de nature radicale, pratiquement aucun artiste du siècle ne pouvait échapper à son influence. Picasso a continué à être un innovant au cours de la dernière décennie de sa vie. Cela a conduit à des malentendus et à des critiques à la fois dans sa vie et depuis lors, et ce n'est que dans les années 1980 que ses dernières peintures ont commencé à être appréciées à la fois en elles-mêmes et pour leur profonde influence dans la génération croissante de jeunes peintres. Comme Picasso a pu vendre des œuvres à des prix très élevés des années 1920, il a pu garder la majeure partie de son travail dans sa propre collection.
No.6 Salvador Dali - 1904 - 1989
Salvador Felipe Jacinto Dalí I Domènech, Marques de Dalí de Public (Figueras, 11 mai 1904- Figueras, 23 janvier 1989).
Il est considéré comme l'un des plus grands représentants du surréalisme.
Avec une carrière qui couvrait plus de six décennies, Salvador Dalí est l'un des artistes les plus influents de l'art moderne. Célèbre pour ses peintures surréalistes telles que la persistance de la mémoire, Dalí était également un sculpteur, cinéaste, photographe et illustrateur prolifique. Il a même créé un livre de cuisine basé sur les dîners légendaires que lui et son gala de femme organiseraient.
Dès son plus jeune âge, Salvador Dalí a été encouragé à pratiquer son art et a finalement étudié dans une académie de Madrid. Dans les années 1920, il est allé à Paris et a commencé à interagir avec des artistes tels que Pablo Picasso, René Magritte et Miró, ce qui a conduit à la première phase surréaliste de Dalí.
Fourrure un artiste très imaginatif, avec une tendance au narcissisme et à la mégalomanie, aimait attirer l'attention du public. Ce comportement a irrité ceux qui appréciaient leur art et justifiaient leurs critiques, qui ont rejeté leurs comportements excentriques. Dalí a attribué son amour pour tout ce qui est doré et excessif, sa passion pour le luxe et son amour pour la mode orientale à une lignée arabe autoproclamée, qui a tracé ses racines à l'époque de la domination arabe de la péninsule ibérique.
Alors que la guerre approchait en Europe, en particulier en Espagne, Dalí a fait face à des membres du mouvement surréaliste. Dans un "procès" tenu en 1934, il a été expulsé du groupe.
En 1980, Dalí a été contraint de se retirer de la peinture en raison d'un trouble moteur qui a provoqué des tremblements permanents et une faiblesse dans ses mains. Il ne pouvait plus tenir un pinceau, il avait perdu la capacité de s'exprimer dans la façon dont il savait le mieux. Plus de tragédie s'est produite en 1982, lorsque la femme et l'ami bien-aimés de Dalí sont morts. Les deux événements l'ont envoyé à une profonde dépression. Il a déménagé à Pubol, dans un château qui avait acheté et rénové pour le gala, peut-être pour se cacher du public ou, comme certains le spéculent, pour mourir. En 1984, Dalí a été gravement brûlé dans un incendie. En raison de ses blessures, il était confiné à un fauteuil roulant. Des amis, patron et collègues artistes l'ont sauvé du château et l'ont renvoyé à Figueres, le faisant se sentir à l'aise dans le musée de théâtre. En novembre 1988, Dalí est entré dans un hôpital de Figueres avec un cœur qui a échoué. Après une brève convalescence, il est retourné au musée de théâtre. Le 23 janvier 1989, dans la ville de sa naissance, Dalí est décédé d'une insuffisance cardiaque à l'âge de 84 ans. Ses funérailles ont eu lieu au Théâtre-Musée, où il a été enterré dans une crypte.
Avec une personnalité éclectique et excentrique qui a coïncidé avec sa production artistique, il continue de saisir l'imagination du public 30 ans après sa mort.
No.7 Fernando Botero - 1932 -
Fernando Botero (Colombien, né en 1932) est célèbre pour ses scènes peintes et sculptées avec des animaux et des personnages aux proportions gonflées, reflétant la prédilection de l'artiste par satire, dessin animé et commentaires politiques. Né à Medellín, en Colombie, il était le deuxième des trois enfants, son père, un vendeur de rue, est décédé alors que Botero n'avait que quatre ans. Sa mère a dû travailler comme couturière pour garder la famille. Après une saison dans une école de Matadores, Botero a décidé que l'art était sa véritable vocation et en 1948, à 16 ans, il a eu sa première exposition. Trois ans plus tard, après avoir déménagé dans la capitale de la Colombie, Bogotá, a été l'hôte de sa première exposition individuelle.
Dans les années 1950, il s'est rendu dans plusieurs pays européens différents, notamment l'Espagne, l'Italie et la France, pour étudier le travail des enseignants de la Renaissance et du baroque. Il s'est également rendu au Mexique pour se familiariser avec l'actuel avantage mexicain. Botero est devenu célèbre pour le matériel source varié qu'il a utilisé, des images folkloriques colombiennes aux œuvres canoniques de Diego Velázquez, Pablo Picasso et Francisco de Goya.
Dans ses représentations de la vie latino-américaine contemporaine, il dépeint la pauvreté et la violence qui prévalent en Colombie dans des images sombres, ainsi que dans leurs figures gonflées emblématiques, des images satiriques de présidents latino-américains, de premières femmes et de fonctionnaires gouvernementaux. Une rencontre avec Dorothy Miller du Musée d'art moderne au début des années 1960 s'est avérée être un tournant dans sa carrière; Elle a acquis son travail à une époque où l'abstraction était la célèbre langue, puis a montré son travail dans une exposition importante au musée, consolidant sa réputation internationale.
Dans les années 1970, Botero a déménagé à Paris, où il a créé de grandes sculptures de chiffres avec leurs formes gonflées de l'entreprise. Il est toujours attaché aux images de sa ville natale latino-américaine et avec des images ouvertement politiques; Ses œuvres récentes incluent de grandes peintures de prisonniers à Abu Ghraib dans un commentaire direct sur la guerre en Irak. Botero a exposé son travail au Musée d'art moderne de Copenhague, le Mailol Museum de Paris, le Palazzo Bezia à Rome, le Musée du patrimoine de Saint-Pétersbourg et le Musée national de Bogotá. Il vit et travaille actuellement à Paris, Montecarlo et New York.
Botero a maintenant 80 ans et est toujours aussi prolifique. Un créateur passionné, a produit des milliers de peintures et des centaines de sculptures et continuera de captiver avec sa marque personnelle de personnes et d'objets. Comme le dit Botero lui-même, "un artiste n'est jamais complet."
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