Las 10 Pinturas Abstractas Más Famosas

En Sin Título - Primera Acuarela Abstracta encontramos una buena ráfaga de color, como se encuentra en la mayoría de sus pinturas, pero el uso de acuarelas en lugar de óleos deja un acabado visiblemente diferente que hace que esta obra de arte sea interesante y bastante única de su producción en 1910. La obra de cerca parece se completó rápidamente, lo cual es típico de esta forma de arte ya que la pintura se seca muy rápido. También trabaja de manera expresiva, sin preocuparse demasiado por la precisión, sino centrándose más en la elección de colores y llenando el lienzo con diferentes formas y líneas. Era realmente abstracto y esto era algo que aparecía cada vez más a medida que avanzaba en su carrera, a medida que se alejaba más y más de la realidad en las formas que usaba.

Kandinsky se especializó en óleos pero trabajó con acuarelas de vez en cuando. Habría encontrado este medio fácil de trabajar y algo que también se adaptaba bien a las piezas de estudio rápidas, donde buscaba comprender el diseño para una pieza futura. También hizo uso de litografías, xilografías y aguafuertes en otras épocas, particularmente en las primeras etapas de su carrera cuando era particularmente experimental.

Trabajando con acuarelas, Kandinsky pudo completar esta pintura en solo tres días. Sin embargo, a pesar de su prisa, Kandinsky realizó varios estudios para esta obra de arte antes de comenzar la composición final. Lo que se sumó a la velocidad que se puede interpretar en Sin título fue su elección de color, ya que Kandinsky escogió ingeniosamente colores que sabía que representarían fielmente sus emociones en ese momento. Las líneas y formas que se dibujaron también se suman y enfatizan el caos y la urgencia que se experimenta al ver esta pintura.

La abstracción también se demuestra claramente dentro de esta obra de arte a través de las líneas sueltas y vagas representadas, lo que despertó un interés considerable entre la multitud artística en ese momento. Sin Título existe como un importante instigador del movimiento de arte abstracto, ya que fue la primera vez que algo remotamente separado y sin restricciones fue aceptado como un tema adecuado dentro de las obras de arte en ese momento. Sin Título marcó un punto definitorio dentro del arte europeo como el alejamiento de las obras de arte tradicionales hacia piezas de arte más abstractas y desinhibidas.

El período entre 1910 y 1914 se consideró el pico de la carrera de Kandinsky y el pináculo de sus mayores logros artísticos. Por lo tanto, Sin título existió como una de las primeras obras de arte que desecharon descaradamente todas las referencias a formas reconocibles y emergieron de las limitaciones que planteaban las convenciones de representación de la pintura de Europa occidental.

Esta noción de libertad total pasó a ocupar un lugar destacado en la mayoría de las obras creadas por Kandinsky durante este período.

No. 2 Edad Adulta # 7 - Hilma AF Klint

Aunque no es tan conocida como muchos de los artistas masculinos de su tiempo, la artista sueca Hilma af Klint fue una artista abstracta pionera cuyas pinturas radicales son anteriores a muchos de sus contemporáneos masculinos. Solicitó que su gran obra, la mayoría de la cual nunca se exhibió durante su vida, permaneciera oculta hasta 20 años después de su muerte. 

La colección representa las etapas de la vida, incluyendo la niñez, la juventud, la madurez y la vejez. Combinan elementos botánicos y objetos orgánicos reconocibles que hacen referencia al nacimiento y al crecimiento.

La Edad Adulta No. 7 de Hilma Klint es un enorme lienzo, de 3 metros de alto y 2 metros de ancho, fue pintado sobre papel, en el piso del estudio, y luego pegado sobre un lienzo.

Af Klint interpreta la edad adulta en plena floración pintando varias formas que fluyen libremente en diferentes tamaños y colores sobre un fondo lila. El símbolo amarillo central se parece a una flor, mientras que las espirales y las formas biomórficas son símbolos de crecimiento y fertilidad.

No. 3 Senecio - Paul Klee

Completada en 1922, la pintura Senecio es una manifestación del sentido del humor y la cultura africana de Paul. Los colores y formas simples, Paul hace uso de varios tonos de naranja, rojo y amarillo para revelar el retrato de un anciano. El uso artístico de las formas da la falsa impresión de que se levanta un ojo. Su ceja izquierda está representada por un triángulo mientras que la otra está formada por una simple línea curva. El retrato también se llama Head of a Man Going Senile e imita intencionalmente las obras de arte de los niños mediante el uso de formas y formas ambiguas con detalles faciales mínimos.

Esta adaptación del rostro humano se divide por color en rectángulos. Los cuadrados geométricos planos se mantienen dentro de un círculo que representa una cara enmascarada y muestra el traje multicolor de un arlequín. Un retrato del artista performer Senecio, puede verse como un símbolo de la relación cambiante entre el arte, la ilusión y el mundo del drama. Esta pintura demuestra los principios del arte de Klee, en los que los elementos gráficos de línea, planos de color y espacio son puestos en movimiento por una energía de la mente del artista. En sus garabatos imaginativos, le gustaba, según sus propias palabras, "sacar una línea de paseo".

No. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

La pintura Etoile Bleue fue la transición de Miró entre el arte figurativo y el abstracto.

Esta pintura es conocida por ser una de las pinturas más importantes en la carrera de Miro. En particular, el azul abrasador utilizado se puede ver en varios de sus trabajos futuros e incluso llegó a influir en pintores como Mark Rothko e Yves Klein.

Etoile Bleue es una gran pintura, pero es una pintura de preguntas más que respuestas.

Miró fue el gran sintetizador de una era de muchas ideas diversas, algo así como hoy, pero las ideas artísticas de entonces eran mucho más complejas que las de hoy.

La pintura combina colores fauvistas, formas cubistas e intenciones surrealistas en una obra que el espectador puede explorar visualmente una y otra vez. Es entre tantas cosas que te quedan muchas preguntas cuyas respuestas son tan oníricas como el cuadro.

Si se observa la forma azul en la esquina superior izquierda. Es un pajaro. Lo más probable es que lo sea, pero qué pájaro no está claro. Mirándolo por un tiempo, definitivamente se puede decir que es una forma dinámica, pero fácilmente se puede argumentar que vuela hacia la izquierda o hacia la derecha o incluso hacia abajo y hacia nosotros.

La gran pieza roja en el centro inferior. ¿Es un pie? Definitivamente se ve tan estable y anclado como la pieza azul es dinámica.

Esta pintura es una joya para sus amantes. A primera vista, se tambalea un poco y se mueve, pero un momento, se mueve contra esa figura elástica en la parte inferior derecha.

Miró, un artista catalán nacido en Barcelona en 1893, llamó a su paisaje onírico surrealista Peinture ( Étoile Bleue ) de 1927 una imagen clave, incorporando símbolos que usaría repetidamente en años posteriores, e incluso el color azul abrasador influyó en pintores posteriores, incluidos Mark Rothko e Yves. Klein.

No. 5. Composition VII - Wassily Kandinsky

La pintura Composición VII de Wassily Kandinsky es considerada por muchos aficionados al arte abstracto, como la obra de arte más importante del siglo XX, quizás incluso la pintura abstracta más importante jamás creada.

Esta obra es una continuación lógica de la Composición V y Composición VI . Las tres pinturas están unidas por el tema del Apocalipsis. Tales elementos de la Composición VI como el Diluvio y la Resurrección se pueden rastrear en este trabajo. Su tema principal es el juicio final, pero no es visto como un desastre sino como una liberación, la transición del mundo de lo material a lo espiritual. Por lo tanto, la Composición VII se diferencia de las demás obras de la serie por sus colores claros y sus líneas de contraste centelleantes.

Kandinsky construyó cada una de sus composiciones para que el espectador pudiera entrar en la imagen como si girara dentro de ella. Hizo que el borde inferior de la composición fuera más pesado, empujándolo hacia adelante, mientras que la parte superior permanece más ligera y más distante para el espectador. Uno de los principales contrastes del artista, el azul y el amarillo forman la zona central de movimiento activo hacia adentro y hacia afuera.

Kandinsky pasó muchos meses preparando su Composición VII, pero solo tardó cuatro días en pintarla. El artista realizó unos 30 estudios de esta pintura. Algunos de ellos recuerdan a Caravaggio o Leonardo da Vinci's con sus estudios detallados de los pliegues de la tela, las hojas de los árboles o las extremidades humanas. En esta serie algunas obras presentan repetidamente la misma línea curva, otras muestran esquemáticamente los elementos estructurales básicos de la composición y algunas contienen un plano detallado de la composición. Además hay unos 15 cuadros diferentes que están relacionados con la Composición VII: se trata de los bocetos al óleo oa lápiz, acuarelas, pinturas sobre vidrio y grabados.

Gabrielle Munter, que fue testigo de la creación de esta pintura, escribió en su diario el 25 de noviembre de 1913 que el lienzo para la Composición VII fue entregado en su casa en Murnau, y Kandinsky se puso a trabajar esa misma noche. A la mañana siguiente tomó la primera fotografía del cuadro y después del almuerzo tomó la segunda. La entrada del 28 de noviembre en el diario de Munter decía que el cuadro estaba completo. El 29 de noviembre tomó una foto de la obra terminada. Así quedó registrado el nacimiento de una gran obra maestra.

Composición VII ocupa el puesto no. 100 en nuestra lista de pinturas famosas

No. 6 Composición X - Kandinsky

Citado como uno de los primeros campeones de la pintura abstracta, Wassily Kandinsky no solo fue un pintor ruso, sino también un teórico del arte. La influencia que instigó y dejó en el mundo del arte y en la abstracción fue inmensa ya que cofundó el grupo de arte Phalanx y The New Group of Artists a partir de entonces, organizando exposiciones para sus contemporáneos a lo largo de sus años como artista. Produjo más de 600 obras a lo largo de su carrera, con una pintura de 1913 que alcanzó su precio récord de subasta de 41,6 millones de dólares en 2017. 

A pesar de este impresionante récord, su trabajo más significativo fue posiblemente Composición X. Último en su serie de toda la vida de 'Composiciones'. Con ella buscó culminar su investigación sobre la pureza de la forma y la expresión a través de este trabajo. Habiendo usado el color negro con moderación en su práctica hasta este punto, se ha criticado que este trabajo evoca tanto el cosmos como la oscuridad del presagio que se acerca al final de su vida. 

Inicialmente, la creación de la Composición X estuvo influenciada por las formas biomórficas del surrealismo.

Sin embargo, Wassily Kandinsky más tarde empleó el arte de usar formas orgánicas en sus pinturas. Este es un estilo que luego usó a lo largo de sus pinturas.

El estilo le dio a su trabajo la singularidad. Era fácil y casi imposible no reconocer las pinturas creadas por Wassily Kandinsky cuando se mostraban en exposiciones o en otros lugares.

Además, la Composición X se creó en Francia. Al ver la pintura de cerca se nota que el pintor utilizó un fondo negro. La razón principal para usar el fondo negro fue para que los colores del primer plano pudieran verse claramente.

No. 7 Convergencia - Jackson Pollock

Convergencia —una pintura en blanco y negro sobre la que Pollock arrojó colores primarios— refleja la crisis de la Guerra Fría. Es una de sus obras maestras, y también podría ser la pintura más conocida de un expresionista abstracto. En 1964, Springbok Editions produjo un rompecabezas de la pintura, que fue promocionado como el "rompecabezas más difícil del mundo", y cientos de miles de estadounidenses lo compraron.

En 1951, Pollock dijo: “Me parece que el pintor moderno no puede expresar su época, el avión, la bomba atómica, la radio, en las viejas formas del Renacimiento o cualquier otra cultura pasada. Cada época encuentra su propia técnica.” Pollock encontró su técnica en la pintura de casas y goteos, y la usó para expresar su propio tiempo.

Con un tamaño de 237 x 394 centímetros, Convergencia es una de las pinturas más ambiciosas de Pollock . Es conocido por su brillantez visual y por evocar emociones profundas en el espectador. Aunque las obras de Jackson siguen siendo difíciles de descifrar incluso para los expertos en arte, sus pinturas se consideran manifestaciones de la libertad de expresión. Convergencia, que es un ejemplo destacado en ese sentido, sigue siendo una de sus obras maestras más célebres.

No. 8 Elegía a la República Española - Robert Motherwell

Aunque Robert Motherwell tenía solo 21 años cuando estalló la Guerra Civil española, sus atrocidades lo afectaron mucho en los años siguientes. Esto lo llevó a crear una serie de más de 200 pinturas en respuesta a él. La serie 'Elegía a la República Española' sirve como una multiplicidad de conmemoraciones del sufrimiento humano, así como "símbolos abstractos y poéticos para el ciclo inexorable de la vida y la muerte".

Acerca de las Elegías , Motherwell declaró que, “Después de un período de pintarlas, descubrí el negro como uno de mis temas, y con el negro, el blanco contrastante, un sentido de la vida y la muerte que para mí es bastante español. Son esencialmente el negro español de la muerte contrastado con el deslumbramiento de una luz del sol como Matisse”.

Sus Elegías constituyen una meditación abstracta extendida sobre la vida y la muerte. A lo largo de la serie, los lienzos blancos horizontales se dividen rítmicamente por dos o tres barras verticales dibujadas libremente y puntuadas en varios intervalos por formas ovoides. Las pinturas suelen estar compuestas completamente de blanco y negro, los colores del luto y el resplandor, la muerte y la vida. Motherwell comentó sobre el enredo de esas fuerzas como una metáfora de su comprensión de la experiencia de estar vivo.

Elegía a la República española describe un majestuoso pasaje de lo orgánico y lo geométrico, lo accidental y lo deliberado. Como otros expresionistas abstractos, Motherwell se sintió atraído por el principio surrealista del automatismo —de métodos que escapaban a la intención consciente del artista— y su pincelada tiene una carga emotiva, pero dentro de una estructura general de cierta severidad. De hecho, Motherwell vio los arreglos cuidadosos de color y forma como el corazón del arte abstracto, que, dijo, "se despoja de otras cosas para intensificarlo, sus ritmos, intervalos espaciales y estructura de color".

No. 9 Iris Negro – Georgia O'Keeffe

Esta monumental pintura de flores es una de las primeras obras maestras de O'Keeffe. Al agrandar los pétalos mucho más allá de las proporciones del tamaño natural, obliga al espectador a observar los pequeños detalles que de otro modo podrían pasarse por alto. Cuando las pinturas de este grupo se exhibieron por primera vez en 1924, incluso Alfred Stieglitz, su esposo y comerciante, se sorprendió por su audacia.

El Iris Negro de Georgia O'Keeffe es un ejemplo de uno de sus muchos trabajos sobre el tema de las flores y en particular el iris, una flor rica en simbolismo. Sin embargo, en Black Iris III , el objetivo de O'Keeffe no era hacer referencia a este simbolismo ni añadirlo, sino más bien animar al espectador a mirar y ver la flor y considerar las diferentes formas en que la gente ve. Se convierte así en una profunda meditación sobre el arte de mirar, no sólo al arte sino a la vida. En este artículo, Singulart analiza el simbolismo proyectado en la pintura de O'Keeffe, así como sus propias intenciones al crear Black Iris III. 

Georgia O'Keeffe estuvo preocupada por el tema de la pintura de iris durante muchos años, en particular el iris negro, que era más difícil de encontrar y solo estaba disponible durante unas pocas semanas al año en Nueva York. El iris es un símbolo familiar en el mundo occidental: en la mitología griega, la diosa Iris personifica el arco iris y la conexión entre el cielo y la tierra; en el cristianismo el iris simboliza la pasión de Cristo y la resurrección, así como el sufrimiento de María. Por su parte, Linda Nochlin, historiadora del arte, convirtió los iris de O'Keeffe en un símbolo feminista al describirlos como una “metáfora morfológica” de los genitales femeninos, reflejando “la unidad de lo femenino y el orden natural”. Descripción de Nochlin de Black Iris IIIy las otras pinturas de iris de O'Keeffe las anclaron en la historia del arte y la historia del feminismo y el arte feminista.

Sin embargo, O'Keeffe rechazó esta descripción, afirmando que: “Nadie ve una flor, de verdad, es tan pequeña. No tenemos tiempo, y ver toma tiempo como tener un amigo toma tiempo. Si pudiera pintar la flor exactamente como la veo, nadie vería lo que yo veo porque la pintaría pequeña como la flor es pequeña. Así que me dije: pintaré lo que veo, lo que la flor es para mí, pero la pintaré en grande y se sorprenderán al tomarse el tiempo para mirarla, haré que incluso los neoyorquinos ocupados se tomen el tiempo para mira lo que yo veo de flores. Hice que te tomaras el tiempo para mirar lo que vi y cuando te tomaste el tiempo para realmente notar mi flor, pusiste todas tus propias asociaciones con flores en mi flor y escribiste sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas y ves. la flor, y yo no.

No. 10 Intercambio - William de Kooning

En 1955, Willem de Kooning completó la obra Intercambio. Se había centrado mucho tiempo en reelaborar estudios de figuras que involucraban mujeres que comenzó en 1948. Estos estaban asociados con su exposición individual en 1953, pinturas sobre el tema de la mujer, que se inauguró en la ciudad de Nueva York en ese momento. Algunos títulos de estas obras incluyen Mujer I , Mujer III y Mujer V, así como Dos mujeres con naturaleza muerta .

Para 1955, de Kooning había dejado de pintar figuras humanas y continuaba utilizando representaciones abstractas de la arquitectura y las comunidades de la ciudad de Nueva York.

Willem de Kooning utilizó marcas gestuales rápidas en el lienzo. La imagen muestra a una mujer sentada en una silla, pero las mujeres solo aparecen como una masa de pico. A la hora de nombrar sus cuadros, siempre prefirió un enlace a la zona donde vivía. El Intercambio obtuvo el nombre de los alrededores, el centro de Nueva York, el lugar donde vivió durante ese tiempo.

Originalmente la pintura fue vendida por el artista en 1955 por $ 4.000.

Luego fue vendida por la Fundación David Geffen a Kenneth C. Griffin por $ 300 millones de dólares en septiembre del 2015, ubicándola en el segundo lugar en la lista de pinturas más caras, solo superada por Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, que se vendió por 450.3 millones de dólares en noviembre de 2017.

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