Descripción
Giovanni Bellini y su taller crearon la Lamentación sobre el Cuerpo de Cristo durante el Alto Renacimiento. Produjeron varias variaciones de este tema, pero este trabajo en particular es significativo debido a la dramática técnica de claroscuro que se utiliza. Esto pone a la pintura en el periodo del Alto Renacimiento, usando la técnica favorita por los artistas durante este período de tiempo, incluido Leonardo da Vinci. Literalmente, claroscuro significa claro y oscuro. El contraste entre la oscuridad y la luz permite un efecto más dramático, y se originó durante el período de tiempo del Renacimiento.
Se puede decir que el arte renacentista es el renacimiento de antiguas tradiciones. Los artistas comenzaron a combinar las tradiciones de la antigüedad clásica y las nuevas ideas tomadas de los desarrollos artísticos en el norte de Europa. Un estilo humanista fue emergiendo y se integró en el arte de esta época. Otras caracterizaciones del período de tiempo mostraban una perspectiva lineal y atmosférica, perfeccionando la anatomía y el equilibrio y la simetría.
En esta pintura, Giovanni Bellini vuelve a un tema al que se enfrentó en numerosas ocasiones a lo largo de su obra: la Virgen y el Apóstol Juan sentados en el suelo para sostener el cuerpo de Cristo bajado de la cruz. Varias figuras están dispuestas alrededor de los temas centrales, muy probablemente pintadas con la ayuda de uno de los colaboradores de Bellini. A la derecha está la figura de un monje, un anacronismo en la historia de Cristo que demuestra que la pintura era de naturaleza devocional más que narrativa y destinada a la meditación.
Se trata de una composición más abarrotada que la anterior "imago pietatis", en la que el propio aislamiento de las figuras se convierte en un diafragma que separa al espectador del drama. Aquí las prominentes rodillas de Cristo y su abrupto escorzo rompen bruscamente este muro ideal y acercan al grupo sagrado y, por lo tanto, a una comunicación más inmediata con los que adoran.
La técnica de la pintura monocromática es particularmente interesante, dando la impresión de un estudio preparatorio y provocando que algunos críticos consideren la posibilidad de que la pintura esté inacabada. De hecho, según el erudito veneciano del siglo XVI Paolo Pino, Giovanni Bellini estaba acostumbrado a crear estudios preparatorios cuidadosamente ejecutados a los que luego agregaba color. Una interpretación alternativa es que la obra fue un modelo dejado en el taller como plantilla para otras pinturas.
En la pintura de Bellini, las figuras están ordenadas de modo que las más cercanas al espectador estén en el lado izquierdo, mientras que las de la derecha estén más alejadas del espectador. Sin embargo, la figura más grande a la izquierda de Jesús ayuda a equilibrar la imagen, de modo que en el frente de la escena, las figuras que son más prominentes también son las más grandes, y se vuelven más pequeñas y ligeras a medida que retrocede. En consecuencia, la escena está bien equilibrada con Cristo como el punto focal en el medio. Todas las figuras que rodean a Cristo están enfocadas en él con sus cabezas apuntando centralmente en su dirección, atrayendo los ojos del espectador allí. El centro de la obra de arte también es más claro donde posa el cuerpo de Jesús, mientras que los bordes se oscurecen gradualmente.
Pintada en grisalla y, no obstante la opinión contraria de algunos críticos, debe considerarse como una obra terminada.