Expresionismo abstracto es el término que se aplica a las nuevas formas de arte abstracto desarrolladas por pintores estadounidenses como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning en las décadas de 1940 y 1950. A menudo se caracteriza por pinceladas gestuales o marcas, y la impresión de espontaneidad.
Expresionismo abstracto - Los postes Azules de Jackson Pollock
Aunque es la designación aceptada , el expresionismo abstracto no es una descripción precisa del cuerpo de trabajo creado por estos artistas. De hecho, el movimiento comprendía muchos estilos pictóricos diferentes que varían tanto en técnica como en calidad de expresión. A pesar de esta variedad, las pinturas del expresionismo abstracto comparten varias características generales. A menudo usan grados de abstracción; es decir, representan formas poco realistas o, en el extremo, formas no extraídas del mundo visible (no objetivas). Hacen hincapié en la expresión emocional libre, espontánea y personal, y ejercen una considerable libertad de técnica y ejecución para lograr este objetivo, con especial énfasis en la explotación del carácter físico variable de la pintura para evocar cualidades expresivas (por ejemplo, sensualidad, dinamismo , violencia, misterio, lirismo). Muestran un énfasis similar en la aplicación intuitiva y no estudiada de esa pintura en una forma de improvisación psíquica similar al automatismo de los Surrealistas, con una intención similar de expresar la fuerza del inconsciente creativo en el arte. Los artistas a menudo muestran un énfasis similar al abandono de la composición estructurada convencionalmente construida a partir de elementos discretos y segregables y su reemplazo con un solo campo, red u otra imagen unificada e indiferenciada que existe en un espacio no estructurado. Y finalmente, las pinturas llenan grandes lienzos para dar a estos efectos visuales antes mencionados tanto monumentalidad como poder absorbente.
Los expresionistas abstractos tenían su sede principalmente en la ciudad de Nueva York y también se los conoció como la escuela de Nueva York. El nombre evoca su objetivo de hacer arte que, aunque sea abstracto, también sea expresivo o emocional en su efecto. Se inspiraron en la idea surrealista de que el arte debe surgir de la mente inconsciente y en el automatismo del artista Joan Miró.
En la Gran Manazana un pequeño grupo de artistas poco afiliados crearon un cuerpo de trabajo estilísticamente diverso que introdujo nuevas direcciones radicales en el arte y cambió el enfoque del mundo del arte. Sin ser una asociación formal, los artistas conocidos invariablemente como "Expresionistas abstractos" o "La Escuela de Nueva York", compartían algunas suposiciones comunes. Entre otros, artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner, Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Richard Pousette-Dart y Clyfford Still avanzaron con audacia formal en busca de contenido significativo. Rompiendo con las convenciones aceptadas tanto en la técnica como en el tema, los artistas crearon obras de escala monumental que se erigieron como reflejos de sus psiques individuales y, al hacerlo, intentaron acceder a fuentes internas universales. Estos artistas valoraban la espontaneidad y la improvisación, y otorgaban la máxima importancia al proceso.
Expresionismo abstracto - Abstracción de Willem de Kooning
El trabajo de los expresionistas abastractos se resiste a la categorización estilística, pero se puede agrupar en torno a dos inclinaciones básicas: un énfasis en el gesto dinámico y enérgico, en contraste con un enfoque reflexivo y cerebral en campos de color más abiertos. En cualquier caso, las imágenes eran principalmente abstractas.
Los primeros expresionistas abstractos tuvieron dos precursores notables: Arshile Gorky, que pintó sugerentes formas biomórficas utilizando una aplicación de pintura líquida, delicadamente lineal y libre y Hans Hofmann, quien utilizó pinceladas dinámicas y fuertemente texturizadas en obras abstractas pero de composición convencional. Otra influencia importante en el expresionismo abstracto naciente fue la llegada a las costas estadounidenses a fines de la década de 1930 y principios de la de 1940 de una gran cantidad de surrealistas y otros importantes artistas europeos de vanguardia que huían de la Europa dominada por los nazis. Tales artistas estimularon enormemente a los pintores nativos de la ciudad de Nueva York y les dieron una visión más íntima de la vanguardia de la pintura europea. En general, se considera que el movimiento expresionista abstracto comenzó con las pinturas realizadas por Jackson Pollock y Willem de Kooning a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950.
Expresionismo abstracto - Un año el algodoncillo de Arshile Gorky
Expresionismo abstracto - Tal es el camino de las Estrellas de Hans Hofmann
Tipos de Expresionismo Abstracto
A pesar de la diversidad del movimiento expresionista abstracto, se pueden distinguir tres enfoques generales. Una, "la pintura de acción", se caracteriza por un manejo suelto, rápido, dinámico o contundente de la pintura en pinceladas de barrido o tajo y en técnicas parcialmente dictadas por el azar, como gotear o derramar la pintura directamente sobre el lienzo. Jason Pollock practicó por primera vez la pintura de acción derramando pinturas comerciales sobre lienzos en bruto para construir madejas de pintura complejas y enredadas en patrones lineales emocionantes y sugerentes. De Kooning utilizó pinceladas extremadamente vigorosas y expresivas para crear imágenes ricas en colores y texturas. Kline usó trazos negros potentes y amplios sobre un lienzo blanco para crear formas marcadamente monumentales.
El término medio dentro del expresionismo abstracto está representado por varios estilos variados, que van desde las imágenes más líricas y delicadas y las formas fluidas de las pinturas de Guston y Frankenthaler hasta las imágenes casi caligráficas, contundentes y claramente estructuradas de Motherwell y Gottlieb.
El tercer enfoque y el menos emocionalmente expresivo fue el de Rothko, Newman y Reinhardt. Estos pintores utilizaron grandes áreas, o campos, de color plano y pintura fina y diáfana para lograr efectos tranquilos, sutiles, casi meditativos. El pintor de campos de color fue Rothko, la mayoría de cuyas obras consisten en combinaciones a gran escala de áreas rectangulares de colores sólidos y bordes suaves que tienden a brillar y resonar .
Dentro del expresionismo abstracto había dos grandes agrupaciones: los llamados pintores de acción, que atacaban sus lienzos con expresivas pinceladas; y los pintores de campo de color que llenaban sus lienzos con grandes áreas de un solo color.
Los pintores de acción fueron dirigidos por Jackson Pollock y Willem de Kooning, quienes trabajaron de una manera espontánea e improvisada, a menudo usando pinceles grandes para hacer marcas gestuales de barrido. Pollock colocó su lienzo en el suelo y bailó a su alrededor vertiendo pintura de la lata o arrastrándola desde el pincel o un palo. De esta manera, los pintores de acción plasmaron directamente sus impulsos internos en el lienzo.
El segundo grupo incluía a Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still . Estos artistas estaban profundamente interesados en la religión y el mito y crearon composiciones simples con grandes áreas de color destinadas a producir una respuesta contemplativa o meditativa en el espectador. En un ensayo escrito en 1948, Barnett Newmann decía: 'En lugar de hacer catedrales con Cristo, el hombre o la 'vida', las estamos haciendo con nosotros mismos, con nuestros propios sentimientos'. Este enfoque de la pintura se desarrolló alrededor de 1960 en lo que se conoció como pintura de campo de color, caracterizada por artistas que usan grandes áreas de más o menos un solo color plano.
El expresionismo abstracto se desarrolló en el contexto de fuentes e inspiraciones diversas y superpuestas. Muchos de los jóvenes artistas habían comenzado en la década de 1930. La Gran Depresión produjo dos movimientos de arte popular, el regionalismo y el realismo social, ninguno de los cuales satisfizo el deseo de este grupo de artistas de encontrar un contenido rico en significado y con olor a responsabilidad social, pero libre de provincianismo y política explícita. La Gran Depresión también impulsó el desarrollo de programas gubernamentales de ayuda, incluida la Works Progress Administration (WPA), un programa de empleo para estadounidenses desempleados en el que participaron muchos miembros del grupo y que permitió a tantos artistas establecer una carrera.
Pero fue la exposición y la asimilación del modernismo europeo lo que preparó el escenario para el arte estadounidense más avanzado. Había varios lugares en Nueva York para ver arte de vanguardia de Europa. El Museo de Arte Moderno abrió sus puertas en 1929, y allí los artistas vieron una colección en rápido crecimiento adquirida por el director Alfred H. Barr, Jr. También estuvieron expuestos a innovadoras exhibiciones temporales de nuevos trabajos, incluidos Cubismo y el Arte Abstracto (1936), Fantastic Arte, dadaísmo, surrealismo (1936-1937) y retrospectivas de Matisse, Léger y Picasso, entre otros.
Otro foro para ver el arte más avanzado fue el Museo de Arte Vivo de Albert Gallatin, que estuvo alojado en la Universidad de Nueva York desde 1927 hasta 1943. Allí los expresionistas abstractos vieron el trabajo de Mondrian, Gabo, El Lissitzky y otros. El precursor del Museo Solomon R. Guggenheim, el Museo de Pintura No Objetiva, abrió sus puertas en 1939. Incluso antes de esa fecha, su colección de Kandinsky se había exhibido públicamente varias veces. Las lecciones del modernismo europeo también se difundieron a través de la enseñanza. El expatriado alemán Hans Hofmann (1880–1966) se convirtió en el profesor de arte moderno más influyente de los Estados Unidos, y su impacto llegó tanto a artistas como a críticos.
La crisis de la guerra y sus secuelas son claves para comprender las inquietudes de los expresionistas abstractos. Estos jóvenes artistas, preocupados por el lado oscuro del hombre y ansiosamente conscientes de la irracionalidad y la vulnerabilidad humanas, querían expresar sus preocupaciones en un nuevo arte de significado y sustancia. Los surrealistas europeos abrieron nuevas posibilidades con su énfasis en tocar el inconsciente. Un recurso surrealista para liberarse de la mente consciente fue el automatismo psíquico, en el que el gesto automático y la improvisación ganan rienda suelta.
Al principio, los expresionistas abstractos, en busca de un tema atemporal y poderoso, recurrieron al mito primitivo y al arte arcaico en busca de inspiración. Rothko, Pollock, Motherwell, Gottlieb, Newman y Baziotes buscaron expresión en culturas antiguas o primitivas. Sus primeras obras presentan elementos pictográficos y biomórficos transformados en código personal. La psicología junguiana también fue convincente en su afirmación del inconsciente colectivo. La franqueza de expresión era primordial, y se lograba mejor sin premeditación. En una famosa carta al New York Times (junio de 1943), Gottlieb y Rothko, con la ayuda de Newman, escribieron: “Para nosotros, el arte es una aventura en un mundo desconocido de la imaginación que está libre de fantasías y se opone violentamente al sentido común. No existe tal cosa como una buena pintura sobre nada. Afirmamos que el tema es crítico”.
Expresionismo abstracto - Rodas de Adolph Gottlieb
El Expresionismo abstracto en su apogeo: la pintura de acción
En 1947, Pollock desarrolló una técnica radicalmente nueva, vertiendo y goteando pintura diluida sobre un lienzo en bruto colocado en el suelo (en lugar de los métodos tradicionales de pintura en los que el pigmento se aplica con brocha sobre un lienzo estirado colocado sobre un caballete). Las pinturas eran completamente no objetivas. En su tema (o aparente falta de uno), escala (enorme) y técnica (sin pincel, sin bastidores, sin caballete), las obras impactaron a muchos espectadores. De Kooning también estaba desarrollando su propia versión de un estilo gestual muy cargado, alternando entre el trabajo abstracto y las poderosas imágenes figurativas icónicas. Otros colegas, incluidos Krasner y Kline, estaban igualmente comprometidos con la creación de un arte de gesto dinámico en el que cada centímetro de una imagen está completamente cargado. Para los expresionistas abstractos, la autenticidad o el valor de una obra radica en su franqueza e inmediatez de expresión. Una pintura está destinada a ser una revelación de la auténtica identidad del artista. El gesto, la “firma” del artista, es evidencia del proceso real de creación de la obra. Es en referencia a este aspecto de la obra que el crítico Harold Rosenberg acuñó el término “pintura de acción” en 1952: “En cierto momento, el lienzo comenzó a aparecer a un pintor estadounidense tras otro como un escenario en el que actuar, en lugar de como un espacio en el que reproducir, rediseñar, analizar o 'expresar' un objeto, real o imaginario. Lo que iba a ir en el lienzo no era un cuadro sino un evento”. ” es evidencia del proceso real de creación de la obra. Es en referencia a este aspecto de la obra que el crítico Harold Rosenberg acuñó el término “pintura de acción” en 1952: “En cierto momento, el lienzo comenzó a aparecer a un pintor estadounidense tras otro como un escenario en el que actuar, en lugar de como un espacio en el que reproducir, rediseñar, analizar o 'expresar' un objeto, real o imaginario. Lo que iba a ir en el lienzo no era un cuadro sino un evento”. ” es evidencia del proceso real de creación de la obra. Es en referencia a este aspecto de la obra que el crítico Harold Rosenberg acuñó el término “pintura de acción” en 1952: “En cierto momento, el lienzo comenzó a aparecer a un pintor estadounidense tras otro como un escenario en el que actuar, en lugar de como un espacio en el que reproducir, rediseñar, analizar o 'expresar' un objeto, real o imaginario. Lo que iba a ir en el lienzo no era un cuadro sino un evento”.
Expresionismo abstracto en su apogeo: el campo de color
Otro camino residía en el potencial expresivo del color. Rothko, Newman y Still, por ejemplo, crearon arte basado en campos simplificados, de gran formato y dominados por el color. El impulso fue, en general, reflexivo y cerebral, con medios pictóricos simplificados para crear una especie de impacto elemental. Rothko y Newman, entre otros, hablaron de un objetivo para lograr lo "sublime" en lugar de lo "hermoso", recordando a Edmund Burke en un impulso por la visión grandiosa y heroica en oposición a un efecto calmante o reconfortante. Newman describió su reduccionismo como un medio para “liberarnos de los accesorios obsoletos de una leyenda pasada de moda y anticuada… liberarnos de los impedimentos de la memoria, la asociación, la nostalgia, la leyenda y el mito que han sido los dispositivos de la pintura de Europa occidental”.
Para Rothko, los rectángulos de bordes suaves de color luminiscente deberían provocar en los espectadores una experiencia casi religiosa, incluso provocando lágrimas. Al igual que con Pollock y los demás, la escala contribuyó al significado. Para la época, las obras eran de gran escala. Y estaban destinados a ser vistos en entornos relativamente cercanos, de modo que el espectador se visualizara prácticamente envuelto en la experiencia de enfrentarse a la obra. Rothko dijo: "Pinto en grande para ser íntimo". La noción es hacia lo personal (expresión auténtica del individuo) más que hacia lo grandioso. de modo que el espectador quedó virtualmente envuelto en la experiencia de enfrentarse a la obra.
El Expresionismo Abstracto: su impacto
El expresionismo abstracto tuvo un gran impacto en la escena artística estadounidense y europea durante la década de 1950. De hecho, el movimiento marcó el cambio del centro creativo de la pintura moderna de París a la ciudad de Nueva York en las décadas de la posguerra. En el transcurso de la década de 1950, los seguidores más jóvenes del movimiento siguieron cada vez más el ejemplo de los pintores de campo de color y, en 1960, sus participantes en general se habían alejado de la expresividad altamente cargada de los pintores de acción.
En este tiempo los trabajos se vieron ampliamente en exposiciones itinerantes ya través de publicaciones. A raíz del expresionismo abstracto, las nuevas generaciones de artistas, tanto estadounidenses como europeos, quedaron profundamente marcadas por los avances logrados por la primera generación y crearon sus propias expresiones importantes basadas en a quienes forjaron el camino.
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