A menudo hay más en una imagen de lo que parece, y muchas de las obras de arte más famosas del mundo tienen secretos ocultos debajo de la superficie. Puedes estudiar tu pintura favorita una y otra vez y aún así descubrir un nuevo símbolo críptico o detalles ocultos. Algunos de los artistas más famosos del mundo dejan intencionalmente mensajes secretos en sus pinturas, y algunas incluso han despertado teorías de conspiración populares, ya sea para subvertir la autoridad, desafiar al público o revelar algo sobre sí mismos. Cientos de años después, gracias a los avances tecnológicos, muchos de estos mensajes secretos se están descubriendo por primera vez. Kuadros a querido desvelar esos misterios para ti. Estas son las pinturas famosas que hemos considerado las más enigmáticas.
No.1 La Última Cena - Leonardo Da Vinci
La famosa representación de Leonardo da Vinci de Jesús y sus discípulos en la Última Cena ha estado en el centro de algunas teorías populares en los últimos años, como se describe en la novela de 2003 "El Código Da Vinci" de Dan Brown y la adaptación cinematográfica del libro de 2006 protagonizada por Tom Hanks. Brown propuso que el discípulo a la derecha de Jesús es en realidad María Magdalena disfrazada de Juan el Apóstol. También sugiere que la forma de "V" que se forma entre Jesús y "Juan" representa un útero femenino, lo que implica que Jesús y María Magdalena tuvieron un hijo juntos. Los historiadores del arte, sin embargo, son escépticos. La Última Cena de da Vinci es importante por su composición expresiva y el uso de la perspectiva, que fue una innovación en ese momento. Da Vinci alineó las figuras y las paredes de la habitación pintada con cuerdas que irradian de un clavo en la pared donde está pintado el original, encima de un comedor en un monasterio en Milán. Muchos sugieren que la apariencia de John es femenina simplemente porque así es como fue representado. El experto Mario Taddei dijo a Artnet.com: "Leonardo tuvo que copiar las últimas cenas antes que él, y John parece una mujer". Pero un mensaje secreto mucho más convincente fue descubierto por el técnico informático italiano Giovanni Maria Pala. Afirma que Da Vinci escondió notas musicales dentro de "La última cena" que, cuando se leen de izquierda a derecha, corresponden a un himno de 40 segundos que suena como un réquiem.
Cuando el abad del monasterio se quejó de que la pintura estaba tardando demasiado, se dijo que el enfurecido artista había amenazado con usar la cara del abad como modelo para el traidor Judas. Al final, da Vinci visitó las cárceles de Milán para encontrar el rostro villano perfecto para Judas, que está sentado quinto desde la izquierda. Los historiadores profesionales del arte dicen que no hay evidencia de las teorías de conspiración sobre la Última Cena expuestas en "El Código Da Vinci" y otros libros que abordan el tema; y rechazan la identificación de la figura a la izquierda de Jesús como su seguidora María Magdalena, en lugar del apóstol Juan.
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No.2 La Creación De Adán - Miguel Ángel
"La creación de Adán" es probablemente el más famoso de los nueve paneles bíblicos que Miguel Ángel pintó en el techo de la Capilla Sixtina. ¿Pero sabías que la escena contenía un cerebro humano? El mensaje oculto se encuentra en la tela donde supuestamente se puede distinguir la forma del cerebro. Aparentemente, el artista lo introdujo en su fresco porque en ese momento las autopsias estaban prohibidas por la Iglesia. Resulta que Miguel Ángel era un experto en anatomía humana. A los 17 años, tenía un trabajo un tanto espeluznante diseccionando cadáveres del cementerio de la iglesia. Por lo tanto, algunos creen que le hubiera gustado presentar esta pasión por la anatomía a uno de sus mayores logros, en el techo de la Capilla Sixtina. Según los expertos en neuroanatomía Ian Suk y Rafael Tamargo, el pintor colocó algunas ilustraciones cuidadosamente ocultas de ciertas partes del cuerpo en el techo de la Capilla Sixtina. Y si observa el sudario que rodea a Dios en "La creación de Adán", encontrará que crea una ilustración anatómica del cerebro humano. Suk y Tamargo creen que Miguel Ángel pretendía que el cerebro representara la idea de que Dios estaba dotando a Adán no solo de vida, sino también de conocimiento humano.
Un médico dice que Miguel Ángel estaba muy familiarizado con el cerebro humano y que utilizó su conocimiento de la neuroanatomía para representar simbólicamente el cerebro en su "Creación de Adán". Otras interpretaciones van aún más lejos, esta pintura va en contra de la ideología religiosa y transmite el mensaje de que todo nace del hombre, en lugar de lo contrario. Qué pensamiento tan sacrílego de hecho. Una obra de arte tan famosa, y aún así estamos encontrando secretos ocultos siglos después de su concepción.
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No.3 La Mona Lisa - Leonardo Da Vinci
A saber, la Mona Lisa, la pintura más famosa entre las pinturas famosas, la obra más visitada del museo del Louvre. Esta enigmática dama en realidad tiene más para ver aquí que esa infame media sonrisa. En primer lugar, se especula que está embarazada, dada la forma en que se colocan los brazos sobre el vientre y el velo alrededor de los hombros, que las mujeres embarazadas solían usar durante el Renacimiento italiano. Pero los hallazgos más recientes están en sus ojos. En 2011, el investigador italiano Silvano Vinceti afirmó que encontró letras y números pintados microscópicamente en ellos. Le dijo a Associated Press que la "L" sobre su ojo derecho probablemente representa el nombre del artista. Pero el significado de la letra "S" que ve en su ojo izquierdo y el número "72" debajo del puente arqueado en el fondo son menos claros. Vinceti cree que la "S" podría referirse a una mujer en la dinastía Sforza que gobernó Milán, lo que significa que la mujer en la pintura puede no ser Lisa Gherardini, como se cree desde hace mucho tiempo. En cuanto al "72", Vinceti argumenta que podría deberse a la importancia de los números tanto en el cristianismo como en el judaísmo. Por ejemplo, "7" se refiere a la creación del mundo, y el número "2" podría referirse a la dualidad de hombres y mujeres.
Aún más sorprendente, en 2015, un científico francés que utilizaba tecnología de luz reflectante afirmó haber encontrado otro retrato de una mujer debajo de la imagen que vemos hoy. El consenso es que este fue el "primer borrador" de da Vinci, y que lo pintó para crear su obra maestra.
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No.4 Café Terraza Por La Noche - Vincent Van Gogh
Esta pintura de coloridas vistas al aire libre es una obra pintoresca, la visión de un espectador relajado que disfruta del encanto de su entorno sin ninguna preocupación moral. Recuerda el estado de ánimo de Van Gogh cuando escribió que "la noche está más viva y con más colores que el día". A primera vista, la pintura al óleo de Vincent van Gogh de 1888 parece ser simplemente lo que el título describe: una pintoresca terraza de café en una colorida ciudad francesa. Pero, en 2015, el experto de Van Gogh, Jared Baxter, propuso la teoría de que la pintura es en realidad la versión del artista de "La Última Cena". Un estudio detallado muestra una figura central con cabello largo rodeado de 12 individuos, uno de los cuales parece deslizarse en las sombras como Judas. También hay lo que parecen ser pequeños crucifijos ocultos en toda la pintura, incluido uno sobre la figura central similar a Jesús.
Una alusión religiosa no estaría demasiado fuera de lugar para Van Gogh. Antes de dedicar su atención a la pintura, el famoso artista holandés había deseado "predicar el evangelio en todas partes", y su padre, Theodorus van Gogh, era pastor de una iglesia reformada holandesa. En el momento de trabajar en Cafe Terrace at Night, van Gogh le escribió a su hermano, Theo van Gogh, y le explicó que tenía una "tremenda necesidad de, debo decir la palabra, religión", con referencia directa a la pintura.
Van Gogh nunca firmó "Café Terrace at Night". Sin embargo, mencionó específicamente la pintura en tres piezas de correspondencia, por lo que los historiadores del arte confían en que la pintó.
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No.5 El Retrato De Arnolfini - Jan Van Eyck
La imagen está colgada en la Galería Nacional de Londres y probablemente representa a Giovanni di Nicolao Arnolfini y su esposa Costanza Trenta. La identidad de la pareja se redujo de solo unas pocas posibilidades, pero solo ellos vivieron en Brujas el tiempo suficiente para conocer de cerca al pintor. La primera clave para la pintura es el entorno, en un hogar bastante rico, lleno de objetos y ropa hermosa. Los símbolos en la pintura son imposibles de pasar por alto, aunque no son de una sola interpretación. Tampoco el significado de la imagen es completamente claro. A lo largo de los siglos, se ha interpretado como un retrato de una pareja de recién casados, con símbolos extraídos de un evento de boda, comenzando con el obvio símbolo de fertilidad de la posición de embarazada del cuerpo de Constanza, que como se muestra era solo un capricho de la moda. De hecho, la pareja finalmente no tuvo hijos. Otros símbolos de fertilidad son la cama roja y la alfombra. Los zapatos que yacían en el piso de madera también tenían significado como regalos de boda comunes para una novia de un novio. Las naranjas simbolizan la fertilidad y el amor, la lealtad del perrito. Pero si miras detenidamente el espejo en el centro de la habitación, verás que hay dos figuras entrando en la habitación. Se cree ampliamente que uno de ellos está destinado a ser el propio Van Eyck. También notará que hay una inscripción latina en una escritura muy elaborada en la pared sobre el espejo, que se traduce como "Jan van Eyck estuvo aquí. 1434".
Sin embargo, la parte más importante de la pintura, que no se muestra, es la discrepancia en los años. La pintura, como se mencionó anteriormente, fue fechada en 1434, mientras que Costanza Trenta murió en 1433. La pintura también podría haber tenido un contexto diferente al que estaba terminada. Como lo ha demostrado una radiografía, Jan van Eyck hizo varios cambios, y si estos estaban relacionados con tal ocurrencia o no está sujeto a disputa.
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No.6 Los Embajadores - Hans Holbein El Joven
Mucho antes de que las gafas 3D o buscar huevos de Pascua se hicieran populares, los pintores renacentistas lograron que su público mirara las piezas desde nuevos ángulos jugando con la perspectiva. Uno de los ejemplos más famosos de la técnica es el doble retrato de Hans Holbein el Joven, Los Embajadores, que posee una historia tan rica como los muchos detalles ocultos en sus pinceladas.
La interpretación de la pintura como una alegoría del tumulto político y religioso de la cismática Inglaterra de Enrique VIII, en la que se encuentran atrapados los desventurados embajadores, ha sido aceptada universalmente durante más de cien años.
La pintura, presenta una ilusión bastante impresionante en su base. Si miras la imagen torcida en la parte inferior de la pintura de derecha a izquierda, parece ser un cráneo anamórfico. Los académicos creen que pretende ser un recordatorio de que la muerte siempre está a la vuelta de la esquina.
En la esquina superior izquierda, detrás de la cortina verde y exuberante, encontrarás a Jesús en una pose icónica. Algunos historiadores del arte creen que este cameo divino está ligado al cráneo memento mori y que alude a un lugar más allá de la mortalidad. Es un símbolo destinado a sugerir que hay más que muerte, es decir, una vida futura a través de Cristo. Otros creen que el icono oculto representa la división de la iglesia que Enrique VIII estaba infligiendo a sus compatriotas.
La figura del lado izquierdo de Los Embajadores es Jean de Dinteville, el embajador francés en Inglaterra. Estaba a punto de cumplir 30 años en el momento de este doble retrato. Su amigo y compañero diplomático Georges de Selve, en la foto a la derecha, tenía solo 25 años en ese momento y ya había servido como embajador francés en la República de Venecia en varias ocasiones.
El retrato al óleo sobre roble fue hecho para colgar en los pasillos de la casa de Dinteville. Sin embargo, la Galería Nacional ha exhibido la pintura alucinante de Holbein desde 1890. Durante más de 125 años, ha sido una de las exhibiciones más preciadas del museo de Londres.
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No.7 El Nacimiento De Venus - Sandro Botticelli
La desnudez en la famosa pintura de Botticelli fue bastante innovadora para finales del siglo XV. Pero eso no es donde termina la audacia del artista. Algunos historiadores del arte creen que la concha de vieira en la que Venus está montando las olas del océano en realidad está destinada a simbolizar los genitales femeninos y aludir así a la fertilidad, lo que crea una escena de nacimiento que refleja los orígenes oceánicos de Venus mientras se conecta simbólicamente con el nacimiento humano.
Venus, diosa del amor, se encuentra recatada en la concha marina, siendo arrastrada a la orilla por Zephyr, dios del viento del oeste. Allí, una de las Horae, diosas de las estaciones, está lista con una capa para vestir a la deidad recién nacida. La cuarta figura que lleva Zephyr está destinada a ser un Aura (ninfas del viento) o Chloris, una ninfa asociada con la primavera y las flores en flor como las que fluyen a través de la imagen.
La inspiración cristiana era dominante en el arte de la Edad Media, por lo que rara vez se describía la desnudez. Sin embargo, el surgimiento del humanismo llevó a un renovado interés en los mitos de la antigua Roma, y con ello una resurrección de desnudos.
Durante este período del Renacimiento temprano, la pintura sobre paneles de madera estaba de moda. Pero la popularidad del lienzo fue en aumento, especialmente en las regiones húmedas donde la madera tendía a deformarse. Como el lienzo era más barato que la madera, su estado percibido era un poco más bajo, por lo que estaba reservado para obras que no estaban destinadas a grandes exhibiciones públicas. La pintura se destaca como la primera obra sobre lienzo en la Toscana.
El nacimiento de Venus estaba destinado a colgar en una habitación. La desnudez de la pieza adquiere un tono más sensual cuando sabes que estaba destinada a colgar sobre una cama matrimonial. Este lugar y su atrevida representación contribuyeron a que El nacimiento de Venus estuviera oculto a la vista del público durante aproximadamente 50 años. La pintura tiene una pieza acompañante. Aunque se completó cuatro años antes que su hermana, La Primavera puede verse como una especie de secuela de El nacimiento de Venus. Mientras que la segunda representa la llegada de Venus a un mundo al borde de la floración, la primera muestra al mundo en flor alrededor de la figura materna ahora vestida. Se dice que el par de pinturas tenía la intención de comunicar cómo "el amor triunfa sobre la brutalidad".
Botticelli pidió ser enterrado a los pies de su Venus. No la pintura, eso sí. Quería mentir eternamente por su inspiración terrenal, Simonetta Cattaneo de VespuccI. Llamada la mujer más bella de Florencia, así como la mujer más hermosa del Renacimiento, Simonetta fue la musa que inspiró varias de las obras de Botticelli, incluyendo El nacimiento de Venus y La Primavera. Cuando murió en 1510, Botticelli fue enterrado cerca de esta noble casada, por quien se especula que albergaba un amor no correspondido.
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No.8 Autorretrato - Rembrandt
Rembrandt pintó, dibujó y grabó tantos autorretratos en su vida que los cambios en su apariencia nos invitan a evaluar su estado de ánimo comparando una imagen con otra. Tal lectura biográfica es alentada por la forma en que el artista confronta al espectador directamente. Rembrandt pintó este autorretrato en 1659, después de haber sufrido un fracaso financiero a pesar de tantos años de éxito. Su espaciosa casa en el Sint-Anthonisbreestraat y otras posesiones habían sido subastadas el año anterior para satisfacer a sus acreedores. En este trabajo tardío, los ojos hundidos que se clavan en los del espectador parecen expresar fuerza y dignidad internas. Sin embargo, interpretar pinturas sobre la base de la biografía de un artista es peligroso, particularmente con un artista cuya vida ha sido idealizada en la medida en que lo ha hecho Rembrandt. La luz que ilumina tan eficazmente la cabeza también acentúa el hombro izquierdo de Rembrandt y, en menor medida, sus manos juntas, ampliamente ejecutadas.
En 2001, el artista británico David Hockney y el físico estadounidense Charles Falco anunciaron que habían encontrado indicios de que Rembrandt y otros Viejos Maestros dependían en gran medida del uso de lentes y espejos curvos para crear sus escenas y retratos reales. Y en agosto de 2016, dos investigadores en el Reino Unido, el artista Francis O'Neil y la física Sofia Palazzo Corner, publicaron un estudio en el Journal of Optics que explicaba cómo Rembrandt podría haber usado combinaciones de espejos curvos y lentes para crear sus famosos autorretratos. . Los investigadores ven muchos detalles en los autorretratos de Rembrandt que respaldan su teoría, incluida la fuerte luz en el centro de los retratos y la relativa oscuridad en los bordes, que también se ve en reflejos proyectados por espejos curvos.
Los artistas usan constantemente nuevos pigmentos y aceites para producir colores más vibrantes, luminosos e interesantes. Rembrandt van Rijn no fue diferente. El viejo maestro holandés tenía técnica, creatividad y trabajo minucioso para él. También tenía química. Un nuevo análisis de sus obras muestra que usó un compuesto raro en algunas de sus pinturas: un mineral de carbonato de plomo llamado plumbonacrita, Pb5 (CO3) 3O (OH). Conocer la composición de la paleta del artista ayudará a los conservacionistas a descubrir cómo preservar mejor sus obras de arte a lo largo del tiempo.
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No.9 Baco - Caravaggio
La pintura de Baco de Caravaggio contiene todas las juergas asociadas con el libertino mitológico que burbujea debajo de su superficie. Es esta sensación de tormenta bajo la calma lo que la convierte en una obra de arte tan potente. Baco, el dios del vino, generalmente se muestra borracho; El Baco de Caravaggio es sereno y autónomo. A menudo se lo ve montando un carro triunfal tirado por tigres, leopardos o cabras; en la versión de Caravaggio, la procesión Báquica está por comenzar o ha terminado. O tal vez este Baco tiene planes completamente diferentes.
La primera vez que se descubrió algo oculto en este trabajo fue en 1922, un restaurador de arte estaba limpiando el lienzo de esta obra de 1595. Al desaparecer la acumulación de suciedad durante siglos, se hizo visible un retrato oculto. En la jarra de vino de cristal en la esquina inferior izquierda, un Caravaggio diminuto se sienta en el pequeño reflejo de luz en la superficie del vino.
Hoy, casi un siglo después, los investigadores lo confriman. No parece estar demasiado oculto, pero gracias a la tecnología moderna llamada reflectografía, los expertos en arte en 2009 pudieron descubrir que la imagen de un hombre está realmente oculta en la jarra de vino en la parte inferior izquierda. Y puede ser el mismo Da Caravaggio. "Caravaggio pintó a una persona en posición vertical, con un brazo extendido hacia un lienzo en un caballete. Parece ser un retrato de sí mismo mientras pintaba", dijo la experta Mina Gregori a The Telegraph.
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