Muchas de las obras en la lista a continuación han sido robadas.
Otras destruidas por el hombre o la naturaleza y, de otras simplemente no se sabe exatamente su destino final. Las causas por las que se perdieron estos tesoros son diferentes, pero en todos los casos hay un culpable común: el ser humano.
No.1 El Coloso de Rodas
Una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo, El Coloso de Rodas fue una enorme estatua de bronce del dios del sol, Helios, que se alzaba sobre la ciudad griega de Rodas. La estatua se encontraba junto al puerto de la ciudad desde el año 280 AC, siendo uno de los puertos comerciales más importantes del antiguo Mediterráneo.
Helios era descendiente de los titanes Hyperion y Theia. Un lugar en el que Helios era particularmente adorado era Rodas, la mayor de las islas del Dodecaneso en el este del Mediterráneo. Rodas era una Polis, o ciudad-estado, y generaba mucho dinero producto de su lucrativo control del comercio. No parecía haber una mejor manera de celebrar su status comercial que comisionar una estatua masiva en honor del dios de la ciudad, un movimiento que celebraba la libertad ganada por la isla.
La estatua gigante original medía 33 metros de altura y, según los reportes de la antiguedad, le tomó al escultor Chares de Lindos ,12 años completos para terminarla. Aunque el Coloso seguramente demostró ser una vista increíble para los visitantes del bullicioso puerto de la ciudad, lamentablemente, el gigante Helios apenas permaneció 56 años en pie.
Derribado por un terremoto en 228 o 226 AC, sus piezas rotas llenaron los muelles de Rodas durante un milenio antes de derretirse en chatarra a mediados del siglo VII. Ningún dibujo del Coloso de Rodas sobrevive hasta hoy, pero fuentes antiguas señalan que Helios fue representado de pie con una antorcha sostenida en su mano extendida. Estas descripciones sirvieron más tarde de inspiración para el diseño de la Estatua de la Libertad.
No.2 El Escudo de Medusa - Leonardo da Vinci
El Escudo de Medusa se perdió en el tiempo, pero es uno de esos trabajos misteriosos de Leonardo da Vinci con un alto nivel de espíritu y debate.
Según un relato de 1550 del historiador de arte Giorgio Vasari, la cara fue pintada en un escudo de madera cortado de higueras, como un favor para un amigo campesino suyo que diseñó el escudo. Leonardo en su estilo experimental tomó el escudo y lo calentó con fuego y lo suavizó.
Segun cuenta el relato, cuando su padre, Ser Piero, vino a ver el escudo y llamó a la puerta, Leonardo le dijo que esperara. Tomó la pintura y la ajustó cerca de una ventana con la luz suave que se asomaba. Ser Piero entró y echó un vistazo a la pintura y dio un paso atrás con un grito.
Leonardo entonces dijo: “Este trabajo sirve para el fin para el cual fue hecho; tómalo y llévatelo, ya que este es el efecto que estaba destinado a producir ".
La pintura terminó siendo tan realista que inicialmente asustó al padre de Leonardo, quien lo consideró la obra maestra algo macabro y la vendió en secreto a un grupo de comerciantes florentinos.
El Escudo de Medusa estaba destinado a ser una de esas historias de la juventud de Leonardo, por lo que podría estar en Vinci (en Toscana, donde nació Leonardo), o podría estar en Florencia.
El escudo ha desaparecido hace mucho tiempo, y algunos expertos modernos ahora argumentan que la historia de Vasari puede haber sido poco más que un mito, leyenda urbana de su época.
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No.3 Los Rompedores de Piedra - Gustave Courbet
Realismo y realidad pura en una sola obra.
Si observamos de cerca la pintura de Courbet, Los Rompedores de Piedra, la preocupación del artista por la difícil situación de los pobres era evidente.
Los Rompedores de Piedra, pintados en 1849, representa a dos trabajadores campesinos comunes. Courbet pintó sin ningún sentimiento aparente; en cambio, dejó que la imagen de los dos hombres, uno demasiado joven para trabajos forzados y el otro demasiado viejo, expresara los sentimientos de dificultad y agotamiento que estaba tratando de retratar. Courbet muestra simpatía por los trabajadores y disgusto por la clase alta al pintar a estos hombres con dignidad propia.
Inspirado por una reunión casual con dos trabajadores oprimidos, Courbet rompió deliberadamente con la convención del momento, al capturar a los hombres con detalles arenosos, desde sus músculos tensos hasta su ropa hecha harapos y sucia.
Tradicionalmente, un artista pasaba la mayor parte del tiempo en las manos, los rostros y los primeros planos. No era el caso de Courbet. Si se observa detenidamente, notará que él intenta ser imparcial, atendiendo a las caras y a la roca por igual, dejando de lado el glamour que la mayoría de los pintores franceses en ese momento agregaban a sus obras. Debido a esto, Courbet se hizo conocido como el líder del movimiento realista.
Si bien la pintura ayudó a lanzar la carrera artística de Courbet, "Los Rompedores de Piedra" finalmente estuvo condenada a convertirse en una de las muchas víctimas culturales de la Segunda Guerra Mundial. En 1945, la pintura fue destruida durante un bombardeo aliado cerca de la ciudad de Dresden, Alemania.
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No.4 El hombre en la encrucijada - Diego Rivera
Diego Rivera pintó muchos murales y frescos populistas, pero su obra más famosa podría ser la que ya no existe. En 1932, el artista Mexicano fue comisionado por John D. Rockefeller para crear un mural destinado a las paredes del Rockefeller Center de Nueva York.
Al artista le fue entregado el tema: "el hombre en la encrucijada mirando con esperanza y visión alta para elegir un nuevo y mejor futuro".
Rockefeller deseaba que la pintura hiciera que la gente se detuviera y pensara. A Rivera se le pagarían $ 21,000 por el trabajo. Fue oficialmente comisionado por Todd-Robertson-Todd Engineering, los agentes de desarrollo del edificio. La comisión completa preveía tres murales. El hombre en la Encrucijada estaría en el centro. Estaría flanqueado por La frontera de la Evolución Ética y La Frontera del Desarrollo Material. La composición central estaba destinada a contrastar el capitalismo y el socialismo. Esta idea compositiva básica fue aprobada por Rockefeller.
El 24 de abril de 1933, el periódico New York World-Telegram publicó un artículo atacando el mural como propaganda anticapitalista. Unos días después, Rivera agregó el retrato de Lenin a la obra. El dirigente apareció en el frente, a la derecha. Allí se ve a Lenin cogido de la mano con un grupo de trabajadores multirracial.
Los soldados y la maquinaria de guerra ocuparon la parte superior izquierda por encima de las mujeres de la sociedad, y se vio una manifestación rusa del Primero de Mayo con banderas rojas a la derecha, encima de Lenin. Para Rivera, esto representaba visiones sociales contrastantes: los "ricos depravados" observados por los desempleados mientras se desata la guerra, mientras una utopía socialista era introducida por Lenin.
De los cientos de personajes en El Hombre en la Encrucijada, Lenin fue el que más debate produjo. Un titular del 24 de abril del New York World-Telegram declaró "Rivera perpetúa escenas de actividad comunista para los muros de RCA, y Rockefeller, Jr. Foots Bill". Diez días después, Nelson Rockefeller, mecenas de Rivera y miembro de una familia famosa y rica, le pidió al artista que eliminara a Lenin. Cuando Rivera se negó, le pagaron al artista su obra por completo y lo despidieron. Los murales fueron cubiertos y luego destruidos, mientras los partidarios de Rivera se unieron para salvar el trabajo.
Preocupado porque Rockefeller destruiría la obra, Rivera le había pedido a una asistente, Lucienne Bloch, que tomara fotografías del mural antes de que fuera destruido. Utilizándolos como referencia, Rivera volvió a pintar el mural, aunque a menor escala, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, donde pasó a llamarse Hombre, Controlador del Universo. La composición era casi idéntica, la principal diferencia es que la figura central se movió ligeramente para alinearse con el mástil de soporte del telescopio cilíndrico sobre él. La nueva versión incluía un retrato de Leon Trotsky junto a Karl Marx y Friedrich Engels a la derecha, y otros, incluido Charles Darwin, a la izquierda y el padre de Nelson Rockefeller, John D. Rockefeller, Jr., un abstemio de toda la vida, bebiendo en un discoteca con una mujer. Sobre sus cabezas el artista dispuso un plato de bacterias de sífilis.
No.5 Retrato de Sir Winston Churchill - Graham Sutherland
En 1954, miembros del Parlamento británico encargaron un retrato del artista Graham Sutherland y lo presentaron a Winston Churchill como un regalo de cumpleaños número 80.
Graham continúa siendo recordado, sobre todo, como el artista cuyo retrato de Sir Winston Churchill ofendió tanto a la venerable figura que lo destruyó.
Si bien afirmó ser honrado por el gesto, Churchill no era fanático de la interpretación realista de Sutherland, que pensó que lo capturó en una pose poco halagadora. De hecho, el primer ministro detestaba tanto el retrato que consideró no asistir a la ceremonia de presentación, e incluso le escribió a Sutherland una carta expresando personalmente su decepción.
No era que el retrato fuera deliberadamente de estilo "moderno", o incluso mal ejecutado. Más bien, fue un retrato francamente honesto y directo de un hombre que, después de todo, tenía poco más de 80 años, estaba frágil y físicamente exhausto. Sin embargo, el retrato también fue un estudio comprensivo que logró transmitir la gravedad de ei modelo, al tiempo que revelaba su vulnerabilidad. Sin embargo, esta realidad chocó espectacularmente con la imagen que a Churchill le gustaba proyectar de sí mismo a la sociedad británica, el del hombre de acción, el líder sin pretensiones e indomable en tiempos de guerra.
Dada la audaz franqueza y honestidad de la imagen, la reacción de Churchill era quizás inevitable.
Churchill y su esposa rechazaron todas las solicitudes para exhibir públicamente la pintura, y el trabajo efectivamente desapareció de la vista del público durante varios años. Tras la muerte del líder en 1977, finalmente se reveló que Lady Churchill había destrozado y quemado personalmente el odiado retrato menos de un año después de su presentación.
En retrospectiva, toda la "controversia del retrato de Churchill" demostró ser una espada de doble filo para Sutherland. Por un lado, era un testimonio de la potencia de su retrato. Pero por otro lado, la pintura le trajo una gran cantidad de notoriedad no deseada e injustificada, especialmente en la prensa popular. Esto fue particularmente irritante para Sutherland, porque era un artista serio que estaba profundamente comprometido con su profesión.
No.6 Los Budas de Bamiyan
Imagen de los Budas de Bamiyan antes de su destrucción.
Construidos en algún momento del siglo VI, este legendario par de Budas de piedra estuvo durante 1.500 años antes de ser víctima de una purga cultural por parte de los talibanes. Las tallas de 41 y 53 metros de altura fueron originalmente creadas directamente de un acantilado de piedra arenisca, y sirvieron como el monumento más espectacular de Bamiyan durante un tiempo en que la ciudad floreció como un centro comercial de la Ruta de la Seda.
Antes de su destrucción, se podían ver dos esculturas monumentales de Buda talladas en el acantilado frente al valle. La más grande de las dos figuras, se encontraba ubicada en el extremo occidental. La historiadora del arte Susan Huntington ha argumentado que representaba al Buda Vairochana. La más pequeña de las dos estatuas monumentales, ubicadas al este, representaba al Buda Shakyamuni.
Al igual que muchos de los grandes monumentos antiguos del mundo, se sabe poco sobre quién encargó a los buddhas a los escultores que los tallaron. Sin embargo, su propia existencia apunta a la importancia de la fe budista y el valle de Bamiyan durante este período.
La destrucción en Bamiyan es el ataque más espectacular contra el patrimonio histórico y cultural de Afganistán. También su destrucción es única por la movilización mundial que despertó, aunque, por desgracia, no es el único daño infligido a los restos arqueológicos de ese país.
Mientras resistieron más de una docena de siglos, varios ataques de emperadores musulmanes e incluso una invasión de Genghis Kahn, los Budas finalmente fueron destruidos en marzo de 2001, cuando los talibanes y sus aliados en Al Qaeda dieron una orden condenando las imágenes "idólatras".
Ignorando los llamamientos generalizados de la comunidad internacional, los grupos dispararon contra las estatuas con armas antiaéreas antes de hacerlas explotar con dinamita.
Si bien la destrucción de los Budas se condenó como un crimen contra la cultura, se descubrieron una serie de dibujos y textos de cuevas anteriormente escondidos entre los escombros, y en 2008 los arqueólogos desenterraron una tercera estatua de Buda, previamente no descubierta, cerca de las ruinas, lo que se tornó una especie de venganza de la cultura contra el terror.
No.7 Natividad con San Francisco y San Lorenzo - Caravaggio
La Natividad con San Francisco y San Lorenzo es el único trabajo conocido asociado con la breve estadía de Caravaggio en Palermo y es mucho más tradicional que la Adoración de Messina, no solo porque el Niño Jesús está solo en el suelo mientras que la Virgen se sienta en un asiento bajo, pero igualmente debido a las poses más convencionales y las apariencias bien vestidas de las figuras circundantes.
El manejo de la pintura también es mucho más preciso y acabado que en muchas de las últimas fotografías de Caravaggio. Sin embargo, su humildad recién adquirida no se perdió por completo, y la figura campesina de San José a la derecha, con su sombrero de ala ancha y sus manos morenas, parece haber sido un prototipo para muchas de las figuras similares de las composiciones realistas populares en los dos siglos siguientes.
La imagen fue, según Bellori, pintada para el Oratorio de la Compagnia di San Lorenzo.
Desde su robo en 1969, el belén de Caravaggio ha sido considerado como una de las pinturas robadas más notorias en la historia del mundo del arte. La obra maestra no se ha visto desde que fue levantada de una capilla en Palermo, Italia, aunque la evidencia indica que la mafia siciliana pudo haber jugado un papel en el atraco.
Las esperanzas de resolver uno de los peores crímenes artísticos de la historia se han reavivado después de que los investigadores italianos anunciaron que habían recibido nueva información.
En 1996, un informante de la mafia testificó que él y varios otros hombres habían robado la pintura a un comprador privado, solo para destruirla accidentalmente mientras cortaban el lienzo de su marco. Más de una década más tarde, otro ex mafioso afirmó que la pintura había sido escondida en un granero para su custodia, pero que las ratas y los cerdos la dañaron irreparablemente antes de quemarla. El destino de la natividad en última instancia sigue siendo un misterio, pero si todavía existe, la pintura ahora valdría al menos 40 millones de dólares.
El alcalde de Palermo, Leoluca Orlando, quien ayudó a transformar la capital siciliana de una fortaleza de la mafia a una capital europea de la cultura, dijo que el robo de la pintura había asestado un golpe a la ciudad en un momento cuando era dominado por mafiosos y padrinos. "Hoy esta ciudad ha cambiado y está exigiendo que le devuelvan todo lo que la mafia le quitó".
"Incluso recuperar una pequeña parte de ella se consideraría una victoria", concluyó.
No.8 La Sala de Ámbar
Creada por el escultor Andreas Schlüter y el maestro artesano de ámbar Gottfried Wolfram, esta impresionante cámara tomó la forma de 16 metros cuadrados.
La habitación estaba cubierta de paneles dorados ornamentados que brillaban con oro y ámbar: brillantes piedras preciosas y gemas de savia de árboles fosilizados con un rico color amarillo-rojo. El ámbar estaba respaldado con coberturas de oro, espejos cortados y encajados en hermosos diseños, era deslumbrante a la vista. La sala se construyó por primera vez en 1701 y en 1716 el Rey de Prusia, entonces Federico Guillermo I, se la regaló a Pedro el Grande para ayudar a cimentar una alianza entre Prusia y Rusia. A menudo llamada la "Octava maravilla del mundo", la ornamentada cámara se consideraba una obra maestra del arte barroco y valdría más de 140 millones en dólares al día de hoy.
El destino de la habitación que una vez simbolizó la paz se volvió todo menos pacífico: los nazis desmontaron la cámara y, luego se la llevaron a Königsberg, Alemania, donde desapareció cerca del final de la Segunda Guerra Mundia. La mayoría de los historiadores creen que fue destruida en un bombardeo aliado de 1944, pero también hay evidencia que sugiere que la habitación fue empacada y retirada de la ciudad. A partir de ahí, sugieren algunas teorías, podría haber sido cargada en un barco que se hundió en el Mar Báltico o simplemente escondida en una bóveda o búnker.
La última teoría afirma que los soviéticos sabían que la Sala de Ámbar había sido destruida por sus propias tropas en su propia invasión de Königsberg.
La historia de la nueva Sala de Ámbar, al menos, es segura. Se hizo todo lo posible para crear una reproducción lo más perfecta posible, incluso hasta el punto de definir 350 tonos diferentes de ámbar. La reconstrucción comenzó en 1979 en Tsarskoye Selo y se completó 25 años después, con un costo de 11 millones de dolares
Dedicada por el presidente ruso Vladimir Putin y el entonces canciller alemán Gerhard Schröder, la nueva sala marcó el aniversario 300 de San Petersburgo en una ceremonia unificadora que hizo eco del sentimiento pacífico que evocaba el cuarto original.
La réplica de la sala permanece expuesta al público en la Reserva del Museo Estatal Tsarskoye Selo, a las afueras de San Petersburgo.
Aún así, los cazadores de tesoros insisten en que una habitación dorada fabulosa todavía espera a ser encontrada en las profundidades de una oscura y misteriosa cueva.
KUADROS ©, una pintura famosa en tu pared.
