Beschreibung
Giovanni Bellini und sein Workshop schufen die Klage über den Leib Christi während der hohen Wiedergeburt. Sie haben verschiedene Variationen dieses Problems erstellt, aber diese spezielle Arbeit ist aufgrund der dramatischen Technik der verwendeten Chiaroscuro erheblich. Dies bringt die Malerei in die Zeit mit hoher Renaissance, wobei die Lieblingstechnik von Künstlern in dieser Zeit verwendet wird, einschließlich Leonardo da Vinci. Claroscuro bedeutet buchstäblich klar und dunkel. Der Kontrast zwischen Dunkelheit und Licht ermöglicht einen dramatischeren Effekt und stammt während des Zeitraums der Renaissance.
Es kann gesagt werden, dass die Renaissance -Kunst die Wiedergeburt der alten Traditionen ist. Die Künstler begannen, die Traditionen der klassischen Antike und die neuen Ideen aus künstlerischen Entwicklungen in Nordeuropa zu kombinieren. Ein humanistischer Stil entstand und in die Kunst dieser Zeit integriert. Andere Charakterisierungen des Zeitraums zeigten eine lineare und atmosphärische Perspektive, die Anatomie sowie Gleichgewicht und Symmetrie perfektionierte.
In diesem Gemälde kehrt Giovanni Bellini zu einem Thema zurück, mit dem er während seiner gesamten Arbeit zu zahlreichen Gelegenheiten konfrontiert war: Die Jungfrau und der Apostel, der auf dem Boden sitzt, um den Leib Christi zu erhalten, verließ das Kreuz des Kreuzes. In den zentralen Themen sind mehrere Zahlen angeordnet, die höchstwahrscheinlich mit Hilfe eines von Bellinis Mitarbeitern gemalt wurden. Auf der rechten Seite steht die Figur eines Mönchs, eines Anachronismus in der Geschichte Christi, der zeigt, dass die Malerei eher hingebungsvoll als narrativ und für Meditation bestimmt war.
Es ist eine überfüllte Komposition als die vorherige "Imago pietatis", in der die Isolierung der Figuren zu einem Zwerchfell wird, der den Drama -Betrachter trennt. Hier brechen die prominenten Knie Christi und sein abruptes Laufen abrupt diese ideale Mauer und bringen die heilige Gruppe näher und daher zu einer sofortigeren Kommunikation mit denen, die sich verehren.
Die Technik der monochromatischen Malerei ist besonders interessant, was den Eindruck einer vorbereitenden Studie erweckt und einige Kritiker dazu veranlasst, die Möglichkeit zu berücksichtigen, dass die Malerei unvollendet ist. Tatsächlich war Giovanni Bellini nach dem venezianischen Gelehrten des 16. Jahrhunderts Paolo Pino gewohnt, sorgfältig ausgeführte vorbereitende Studien zu erstellen, zu denen er dann Farbe hinzufügte. Eine alternative Interpretation ist, dass das Werk ein Modell war, das im Workshop als Vorlage für andere Gemälde gelassen wurde.
In Bellinis Gemälde werden die Figuren so bestellt, dass diejenigen, die dem Betrachter am nächsten stehen, auf der linken Seite sind, während diejenigen auf der rechten Seite am weitesten vom Betrachter entfernt sind. Die größte Figur links von Jesus trägt jedoch dazu bei, das Bild auszugleichen, so dass die Figuren, die prominenter sind, auch die größten Figuren sind, die auch die größten sind und kleiner und leicht werden, wenn sie zurück gehen. Folglich ist die Szene mit Christus als Schwerpunkt in der Mitte gut ausbalanciert. Alle Figuren, die Christus umgeben, konzentrieren sich mit seinen Köpfen auf ihn, indem sie zentral in seine Richtung zeigen und dort die Aussicht des Betrachters dort anziehen. Das Zentrum des Kunstwerks ist auch klarer, wo Jesu Körper posiert, während die Kanten allmählich verdunkeln.
In Grisalla gemalt und trotz der entgegengesetzten Meinung einiger Kritiker sollte es als fertige Arbeit angesehen werden.