Es gibt oft mehr in einem Bild von dem, was es scheint, und viele der berühmtesten Kunstwerke haben versteckte Geheimnisse unter der Oberfläche. Sie können Ihr Lieblingsgemälde immer und immer wieder studieren und trotzdem ein neues kryptisches Symbol oder versteckte Details entdecken. Einige der berühmtesten Künstler der Welt hinterlassen absichtlich geheime Botschaften in ihren Gemälden, und andere haben sogar populäre Verschwörungstheorien erregt, entweder die Autorität zu untergraben, die Öffentlichkeit herauszufordern oder etwas über sich selbst zu enthüllen. Hunderte von Jahren später werden zum ersten Mal viele dieser geheimen Botschaften entdeckt. Kuadros, um diese Geheimnisse für Sie zu enthüllen. Dies sind die berühmten Gemälde, die wir als die rätselhafteste angesehen haben.
Nr. 1 Das letzte Abendmahl - Leonardo da Vinci
Die berühmte Darstellung von Leonardo da Vinci de Jesús und seinen Jüngern im letzten Abendessen stand in den letzten Jahren im Zentrum einiger populärer Theorien, wie im Roman "The Da Vinci Code" von Dan Brown und die Adaption und die Adaption 2003 beschrieben Cinematographic 2006 Buch mit Tom Hanks. Brown schlug vor, dass der Jünger auf das Recht Jesu tatsächlich Maria Magdalena ist, die als Johannes der Apostel getarnt ist. Es deutet auch darauf hin, dass die "V" -Form, die sich zwischen Jesus und "Johannes" bildet, eine Gebärmutterinnen darstellt, was impliziert, dass Jesus und Maria Magdalena zusammen ein Kind hatten. Kunsthistoriker sind jedoch skeptisch. Da Vincis letztes Abendessen ist wichtig für seine ausdrucksstarke Komposition und den Einsatz der Perspektive, die zu dieser Zeit eine Innovation war. Da Vinci stimmte die Figuren und Wände des Raumes aus, die mit Seilen gemalt wurden, die einen Nagel an der Wand strahlen, wo das Original über einem Esszimmer in einem Kloster in Mailand gestrichen wird. Viele schlagen vor, dass Johns Aussehen weiblich ist, einfach weil es so dargestellt wurde. Der Experte Mario Taddei sagte gegenüber ArtNet.com: "Leonardo musste die letzten Abendessen vor ihm kopieren, und John sieht aus wie eine Frau." Aber eine viel überzeugende geheime Botschaft wurde vom italienischen Computertechniker Giovanni Maria Pala entdeckt. Er bestätigt, dass Da Vinci Musicalnotizen innerhalb von "The Last Supper" versteckte, dass beim Lesen von links nach rechts einer 40 -Sekunden -Hymne entspricht, die wie ein Requiem klingt.
Als sich das Kloster Abbot beklagte, dass das Gemälde zu lange dauerte, wurde gesagt, dass der wütende Künstler damit gedroht habe, das Gesicht des Abtes als Modell für den Verräter Judas zu verwenden. Am Ende besuchte Da Vinci die Gefängnisse von Mailand, um das perfekte Bösewicht für Judas zu finden, der von links den fünften Platz liegt. Professionelle Kunsthistoriker sagen, dass es keine Beweise für die Verschwörungstheorien über das letzte Abendessen in "The Code da Vinci" und andere Bücher, die sich mit dem Thema befassen, vorhanden sind. Und sie lehnen die Identifizierung der Figur links von Jesus als Nachfolgerin Maria Magdalena ab, anstatt des Apostels Johannes.
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Nr. 2 Adams Schöpfung - Miguel Ángel
"Adam's Creation" ist wahrscheinlich das berühmteste der neun biblischen Tafeln, die Miguel Ángel auf dem Dach der Sixtinischen Kapelle gemalt hat. Aber wussten Sie, dass die Szene ein menschliches Gehirn enthielt? Die versteckte Botschaft befindet sich im Stoff, in dem die Form des Gehirns unterschieden werden kann. Anscheinend stellte der Künstler ihn in seine Fresko vor, weil die Autopsien zu dieser Zeit von der Kirche verboten waren. Es stellt sich heraus, dass Miguel Ángel ein Experte für menschliche Anatomie war. Im Alter von 17 Jahren hatte er eine etwas gruselige Arbeitsplatzkorpsen des Kirchenfriedhofs. Einige glauben daher, dass er diese Leidenschaft für Anatomie gerne einer seiner größten Errungenschaften auf dem Dach der Sixtinischen Kapelle präsentieren würde. Laut Ian Suk und Rafael Tamargo Ian Suk und Rafael Tamargo legte der Maler einige sorgfältig verborgene Abbildungen bestimmter Körperteile auf dem Dach der Sixtinischen Kapelle. Und wenn Sie das Leichentuch beobachten, das Gott in der "Schöpfung Adams" umgibt, werden Sie feststellen, dass es eine anatomische Illustration des menschlichen Gehirns erzeugt. Suk und Tamargo glauben, dass Miguel Ángel beabsichtigte, dass das Gehirn die Idee darstellt, dass Gott Adam nicht nur das Leben, sondern auch mit menschlichem Wissen gab.
Ein Arzt sagt, dass Miguel Ángel mit dem menschlichen Gehirn sehr vertraut war und sein Wissen über die Neuroanatomie verwendet hat, um das Gehirn symbolisch in seiner "Schaffung von Adam" darzustellen. Andere Interpretationen gehen noch weiter, dieses Gemälde widerspricht der religiösen Ideologie und überträgt die Botschaft, dass alles vom Menschen geboren wird. Was für ein de facto -sakrilegischer Gedanke. So ein berühmtes Kunstwerk, und wir finden nach seiner Konzeption immer noch Geheimnisse, die Jahrhunderte versteckt sind.
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Nr. 3 La Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Das Mona Lisa, das berühmteste Gemälde unter den berühmten Gemälden und das meistbesuchte Werk des Louvre -Museums. Diese rätselhafte Frau hat hier wirklich mehr zu sehen, dass dieses berüchtigte halbe Lächeln. Erstens wird spekuliert, dass es schwanger ist, angesichts der Art und Weise, wie ihre Arme auf den Bauch und den Schleier um die Schultern gelegt werden, die schwangere Frauen während der italienischen Wiedergeburt benutzten. Aber die jüngsten Erkenntnisse sind in ihren Augen. Im Jahr 2011 sagte der italienische Forscher Silvano Vinceti, er habe in ihnen mikroskopisch bemalte Buchstaben und Zahlen gefunden. Er sagte Associated Press, dass das "L" über sein rechtes Auge wahrscheinlich den Namen des Künstlers darstellt. Aber die Bedeutung des Buchstabens "S", den Sie in Ihrem linken Auge sehen, und die Zahl "72" unter der gewölbten Brücke im Hintergrund sind weniger klar. Vinceti glaubt, dass sich die "S" auf eine Frau in der Sforza -Dynastie beziehen könnten, die Mailand regierte, was bedeutet, dass die Frau im Gemälde möglicherweise nicht Lisa Gherardini ist, wie sie seit langem geglaubt. Was "72" betrifft, argumentiert Vinceti, dass dies auf die Bedeutung von Zahlen sowohl im Christentum als auch im Judentum zurückzuführen sein könnte. Zum Beispiel bezieht sich "7" auf die Schaffung der Welt, und die Zahl "2" könnte sich auf die Dualität von Männern und Frauen beziehen.
Noch überraschender, im Jahr 2015 behauptete ein französischer Wissenschaftler, der reflektierende Lichttechnologie verwendete, ein weiteres Porträt einer Frau unter dem Bild, die wir heute sehen. Der Konsens ist, dass dies der "erste Entwurf" von Da Vinci war und dass er ihn bemalt hat, um sein Meisterwerk zu schaffen.
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Nr. 4 Terrassenkaffee in der Nacht - Vincent van Gogh
Dieses Gemälde von farbenfrohen Ausblicke im Freien ist eine malerische Arbeit, die Vision eines entspannten Zuschauers, der den Charme seiner Umgebung ohne moralische Besorgnis genießt. Denken Sie daran, Van Goghs Stimmung, als er schrieb, dass "die Nacht lebhafter und mehr Farben als der Tag ist". Auf den ersten Blick scheint das Ölgemälde von Vincent Van Gogh von 1888 einfach das zu sein, was der Titel beschreibt: eine malerische Kaffee -Terrasse in einer farbenfrohen französischen Stadt. Aber im Jahr 2015 schlug Van Goghs Experte Jared Baxter die Theorie vor, dass Malerei tatsächlich die Version des Künstlers von "The Last Supper" ist. Eine detaillierte Studie zeigt eine zentrale Figur mit langen Haaren, die von 12 Personen umgeben sind, von denen eine in den Schatten wie Judas zu gleiten scheint. Es gibt auch ein kleines verstecktes Kruzifix im gesamten Gemälde, einschließlich eines auf der zentralen Figur ähnlich wie Jesus.
Eine religiöse Anspielung wäre für Van Gogh nicht zu fehl am Platz. Bevor er seine Aufmerksamkeit auf die Malerei widmete, hatte der berühmte niederländische Künstler gewünscht, "das Evangelium überall zu predigen", und sein Vater, Theodorus van Gogh, war ein Pastor einer niederländischen renovierten Kirche. Zum Zeitpunkt der Arbeit in Cafe Terrace schrieb Van Gogh an seinen Bruder Theo Van Gogh und erklärte, dass er mit direkter Bezugnahme auf das Gemälde ein "enorme Notwendigkeit, das Wort, das Religion" zu sagen muss.
Van Gogh hat nie "Café Terrace nachts" unterschrieben. Er erwähnte jedoch ausdrücklich die Malerei in drei Korrespondenzstücken, daher sind Kunsthistoriker zuversichtlich.
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Nr. 5 Das Porträt von Arnolfini - Jan Van Eyck
Das Bild wird in der National Gallery of London aufgehängt und repräsentiert wahrscheinlich Giovanni di Nicolao Arnolfini und seine Frau Costanza Treanta. Die Identität des Paares wurde nur aus wenigen Möglichkeiten reduziert, aber nur sie lebten die lange Zeit in Hexen, um den Maler genau zu treffen. Der erste Schlüssel zum Malerei ist die Umgebung in einem ziemlich reichhaltigen Zuhause voller schöner Gegenstände und Kleidung. Die Symbole im Gemälde sind unmöglich zu ignorieren, obwohl sie keine einzige Interpretation haben. Die Bedeutung des Bildes ist auch nicht völlig klar. Im Laufe der Jahrhunderte wurde es als Porträt eines neu verheirateten Paares mit Symbolen aus einem Hochzeitsereignis interpretiert, beginnend mit dem offensichtlichen Symbol für die Fruchtbarkeit der schwangeren Position des Konstanzpositions, was, wie es gezeigt hat, nur eine Mode war Laune. Tatsächlich hatte das Paar endlich keine Kinder. Andere Symbole der Fruchtbarkeit sind das Rotbett und der Teppich. Die Schuhe, die auf dem Holzboden lagen, hatten auch Bedeutung als gemeinsame Hochzeitsgeschenke für die Freundin eines Freundes. Orangen symbolisieren Fruchtbarkeit und Liebe, Loyalität des Welpen. Wenn Sie jedoch in der Mitte des Raumes genau auf den Spiegel schauen, werden Sie feststellen, dass zwei Figuren in den Raum eintreten. Es wird allgemein angenommen, dass einer von ihnen selbst Van Eyck selbst sein soll. Er wird auch bemerken, dass es eine lateinische Inschrift in einer Tat gibt, die sehr an der Wand am Spiegel ausgearbeitet wurde, was als "Jan Van Eyck war hier war. 1434".
Der wichtigste Teil des Gemäldes, der nicht gezeigt wird, ist die Diskrepanz in den Jahren. Das Gemälde, wie bereits erwähnt, wurde 1434 datiert, während Costanza Thirty 1433 starb. Das Gemälde hätte auch einen anderen Kontext hatten als das, das fertig war. Wie eine Radiographie gezeigt hat, nahm Jan Van Eyck mehrere Änderungen vor, und wenn diese mit einem solchen Auftreten zusammenhängen oder nicht gegen Streit unterliegen.
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Nr. 6 Die Botschafter - Hans Holbein die Jungen
Lange bevor die 3D -Brille oder die Suche nach Ostereiern populär wurden, gelang es Renaissance -Malern, die Stücke aus neuen Blickwinkeln zu betrachten, die mit der Perspektive spielten. Eines der berühmtesten Beispiele für die Technik ist das Doppelporträt von Hans Holbein, dem jungen Mann, den Botschaftern, die eine so reichhaltige Geschichte wie die vielen verborgenen Details in seinen Schlägen haben.
Die Interpretation der Malerei als Allegorie des politischen und religiösen Tumultes des schismatischen Englands von Enrique VIII, in dem das Unglück gefangen ist, wird seit mehr als hundert Jahren allgemein anerkannt.
Das Gemälde präsentiert eine ziemlich beeindruckende Illusion an seiner Basis. Wenn Sie sich das krumme Bild am unteren Rand der Farbe von rechts nach links ansehen, scheint es ein anamorpher Schädel zu sein. Akademiker glauben, dass es eine Erinnerung daran ist, dass der Tod immer gleich um die Ecke steht.
In der oberen linken Ecke, hinter dem grünen und ausgelassenen Vorhang, finden Sie Jesus in einer ikonischen Pose. Einige Kunsthistoriker glauben, dass dieses göttliche Cameo mit dem Memento Mori -Schädel verbunden ist und dass es auf einen Ort jenseits der Mortalität anspielt. Es ist ein Symbol, das darauf hindeutet, dass es mehr als den Tod gibt, dh ein zukünftiges Leben durch Christus. Andere glauben, dass die versteckte Ikone die Aufteilung der Kirche darstellt, dass Enrique VIII seine Landsleute zufügte.
Die Figur auf der linken Seite der Botschafter ist Jean de Dinteville, der französische Botschafter in England. Zum Zeitpunkt dieses Doppelporträts wollte ich 30 Jahre alt. Sein Freund und diplomatischer Partner Georges de Selve auf dem Foto rechts war zu dieser Zeit erst 25 Jahre alt und hatte bereits mehrmals als französischer Botschafter in der Republik Venedig gedient.
Das Eichenölporträt wurde in den Hallen des Hauses Dinteville hängen. Die Nationalgalerie zeigt jedoch seit 1890 Holbeins halluzinierendes Gemälde. Seit mehr als 125 Jahren ist sie eine der wertvollsten Ausstellungen des London Museum.
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Nr. 7 Die Geburt von Venus - Sandro Botticelli
Die Nacktheit in der berühmten Botticelli -Gemälde war bis zum Ende des 15. Jahrhunderts ziemlich innovativ. Aber hier endet nicht die Kühnheit des Künstlers. Einige Kunsthistoriker glauben, dass die Vieira -Hülle, in der Venus die Wellen des Ozeans fährt, tatsächlich weibliche Genitalien symbolisieren und sich so auf die Fruchtbarkeit beziehen, die eine Geburtszene schafft, die die ozeanischen Ursprünge der Venus widerspiegelt und gleichzeitig symbolisch mit menschlicher Geburt verbindet.
Die Venus, die Göttin der Liebe, ist in der Marina -Hülle zurückhaltend und wird von Zephyr, dem Gott des Westwinds, ans Ufer gezogen. Dort ist eine der Göttinnen der Stationen mit einer Schicht bereit, um die neugeborene Gottheit zu kleiden. Die vierte Figur, die Zephyr trägt, ist eine Aura (Windnymphen) oder Chloris, eine mit Frühling assoziierte Nymphe und Blüten in Blumen wie die, die durch das Bild fließen.
Die christliche Inspiration dominierte in der Kunst des Mittelalters und beschrieb die Nacktheit selten. Die Entstehung des Humanismus führte jedoch zu einem erneuten Interesse an den Mythen des alten Roms und damit zu einer Auferstehung von Akten.
Während dieser Zeit der frühen Wiedergeburt war die Farbe auf Holzpaneele in Mode. Die Popularität der Leinwand nahm jedoch zu, insbesondere in feuchten Regionen, in denen Holz tendierte, um zu verformen. Da die Leinwand billiger war als Holz, war ihr wahrgenommener Zustand etwas niedriger, so dass sie Arbeiten vorbehalten war, die für große öffentliche Ausstellungen nicht bestimmt waren. Das Gemälde sticht als erste Arbeit auf Leinwand in La Toscana auf.
Die Geburt von Venus war dazu bestimmt, in einem Raum zu hängen. Die Nacktheit des Stücks erhält einen sinnlicheren Ton, wenn Sie wissen, dass es dazu bestimmt war, an einem Ehebett zu hängen. Dieser Ort und seine gewagte Vertretung trugen dazu bei, dass die Geburt der Venus ungefähr 50 Jahre vor der Ansicht der Öffentlichkeit verborgen wurde. Die Farbe hat ein begleitendes Stück. Obwohl es vier Jahre vor seiner Schwester abgeschlossen war, war es Frühling Es kann als eine Art Fortsetzung von El Geburt der Venus angesehen werden. Während die zweite die Ankunft der Venus in eine Welt am Rande der Blüte darstellt, zeigt die erste die Welt in Blume um die nun gekleidete mütterliche Figur. Es wird gesagt, dass das Paar Gemälde kommunizieren soll, wie "Liebe über die Brutalität triumphiert".
Botticelli bat darum, am Fuße seiner Venus begraben zu werden. Nicht malen, ja. Ich wollte für seine irdische Inspiration, Simonetta Cattaneo de Vespucci, für immer liegen. Simonetta als die schönste Frau in Florenz sowie die schönste Frau in der Renaissance genannt, war die Muse, die mehrere Werke in Botticellis inspirierte, einschließlich der Geburt von Venus und Frühling. Als er 1510 starb, wurde Botticelli in der Nähe dieses verheirateten Adligen begraben, für den er spekuliert wird, dass er eine unerwiderte Liebe beherbergte.
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Nr. 8 Self -Portrait - Rembrandt
Rembrandt malte, zeichnete und zeichnete so viele Self -Portraits in seinem Leben auf, dass sich verändert, dass sich ihr Aussehen verändert, um ihre Stimmung zu bewerten, indem sie ein Bild mit einem anderen verglichen. Eine solche biografische Lektüre wird durch die Art und Weise gefördert, wie der Künstler den Betrachter direkt konfrontiert. Rembrandt malte diesen Selbst -Portrait 1659, nachdem er trotz so langjähriger Erfolgsjahre einen finanziellen Versagen erlitten hatte. Sein geräumiges Haus in der Sint-Anthonisbreestraat und in anderen Besitztümern war im Vorjahr versteigert worden, um ihre Gläubiger zufrieden zu stellen. In dieser späten Arbeit scheinen die versunkenen Augen, die in denen des Betrachters stecken, innere Stärke und Würde auszudrücken. Das Interpretieren von Gemälden auf der Grundlage der Biographie eines Künstlers ist jedoch gefährlich, insbesondere bei einem Künstler, dessen Leben so gut wie Rembrandt idealisiert wurde. Das Licht, das den Kopf so effektiv beleuchtet, betont auch die linke Schulter von Rembrandt und in geringerem Maße seine Hände zusammen.
Im Jahr 2001 gaben der britische Künstler David Hockney und der amerikanische Physiker Charles Falco bekannt, dass sie Anzeichen dafür gefunden hatten, dass Rembrandt und andere alte Lehrer weitgehend von der Verwendung gekrümmter Linsen und Spiegel abhängig waren, um ihre wirklichen Szenen und Porträts zu erstellen. Und im August 2016 veröffentlichten zwei Forscher in Großbritannien, Künstlerin Francis O'Neil und Physik, Sofia Palazzo Corner Porträts. . Forscher sehen viele Details in Rembrandt Self -Portraits, die ihre Theorie unterstützen, einschließlich starker Licht im Zentrum von Porträts und der relativen Dunkelheit an den Kanten, die auch in Reflexionen von gekrümmten Spiegeln zu sehen ist.
Künstler verwenden ständig neue Pigmente und Öle, um lebendigere, helle und interessante Farben zu produzieren. Rembrandt van Rijn war nicht anders. Der alte niederländische Lehrer hatte Technik, Kreativität und gründliche Arbeit für ihn. Er hatte auch Chemie. Eine neue Analyse seiner Arbeiten zeigt, dass er in einigen seiner Gemälde eine seltene Verbindung verwendete: ein Blei -Carbonat -Mineral namens Plumbonacrita, PB5 (CO3) 3rd (OH). Wenn Sie die Komposition der Künstlerpalette kennen, können Naturschützer herausfinden, wie sie ihre Kunstwerke im Laufe der Zeit besser bewahren können.
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Nr. 9 Bacchus - Caravaggio
Caravaggios Bacchus -Gemälde enthält den gesamten Spree, der mit der mythologischen Libertin verbunden ist, die unter seiner Oberfläche sprudelt. Es ist dieses Gefühl von Sturm unter Ruhe, das es zu einem so mächtigen Kunstwerk macht. Baco, der Gott des Weins, wird normalerweise betrunken gezeigt; Caravaggios Bacchus ist ruhig und autonom. Es wird oft gesehen, wie ein Triumphauto von Tigern, Leoparden oder Ziegen liegt; In der Version von Caravaggio steht die Bacchic -Prozession kurz vor oder ist vorbei. Oder vielleicht hat dieser BACCH völlig andere Pläne.
Das erste Mal, dass in diesem Werk 1922 etwas Hidden entdeckt wurde, räumte ein Kunst Restaurant die Leinwand dieses Werks von 1595 auf. Als die Ansammlung von Schmutz seit Jahrhunderten verschwindet, wurde ein verstecktes Porträt sichtbar. Im Glasweinkrug in der unteren linken Ecke sitzt ein winziger Caravaggio in der kleinen Reflexion des Lichts auf der Oberfläche des Weins.
Heute, fast ein Jahrhundert später, verwirren die Forscher ihn. Es scheint nicht zu versteckt zu sein, aber dank der modernen Technologie, die als Reflectography bezeichnet wird, konnten Kunstexperten im Jahr 2009 feststellen, dass das Bild eines Mannes im Krug des Weins in der unteren links wirklich verborgen ist. Und es kann der gleiche Da Caravaggio sein. "Caravaggio hat eine Person vertikal gemalt, mit einem ausgedehnten Arm in Richtung einer Leinwand in einer Staffelei. Es scheint ein Porträt von sich selbst zu sein", sagte Experte Mina Gregori im Telegraph.
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