Beschreibung
Die Jungfrau von der Unbefleckten Empfängnis von El Greco ist eines dieser Gemälde, die zu atmen scheinen, als ob der Stoff über seinen Rahmen hinaus expandieren würde. Man nähert sich ihr in der Erwartung, nur eine Andachtszene zu finden – die aufsteigende Jungfrau, umhüllt von himmlischem Licht – und endet gefangen in einem Strudel aus verlängerten Formen, vibrierenden Farben und einer spirituellen Energie, die einzig der Hand von Domenikos Theotokópoulos gehört. Das Werk, das heute im Museo del Prado zu sehen ist, wurde zwischen 1608 und 1613, in den letzten Jahren des Malers, geschaffen, was bereits einen Teil seiner Intensität erklärt: Es ist El Greco in voller Reife, ohne die Notwendigkeit, mehr als seiner eigenen Sprache zu gefallen.
Beim Betrachten überrascht zunächst die extreme Vertikalität. Die Figur der Jungfrau erhebt sich in einer fast flammenden Bewegung, so typisch für den Künstler, der den menschlichen Körper in ein Vehikel für das Transzendente verwandelt. El Greco beschränkt sich nicht darauf, Maria zu malen: Er transformiert sie. Er verlängert sie, stilisiert sie, lässt sie in einer Geste drehen, die kurz davor zu sein scheint, die Schwerkraft zu brechen. Anstatt sie auf einem stabilen Boden oder einem klassischen Sockel zu platzieren, hält er sie in einem Wirbel von jugendlichen Engeln, deren zarte Gesichter und sanfte Gesten an die Musiker und Cherubim erinnern, die in anderen späten Werken des Malers erscheinen. Es sind leuchtende, kaum körperliche Präsenzen, die mehr wie lebendige Pinselstriche als wie definierte Figuren funktionieren.
Die Farbe ist ein weiteres Rätsel. El Greco verwendet die traditionellen Töne – das Blau für den Mantel, das Weiß und Rosa für das Kleid – bringt sie aber zu einer fast visionären Intensität. Das Blau ist nicht einfach Blau: Es pulsiert, wellt sich, vermischt sich mit grünlichen und silbernen Akzenten, die an einen stürmischen Himmel erinnern. Das Weiß dehnt sich zu den Gelbtönen und Orangen aus, die von der oberen Zone strahlen und den Effekt eines Lichts erzeugen, das nicht von außen kommt, sondern scheinbar aus der Figur selbst geboren wird. Diese expressive Verwendung von Farbe ist nicht zufällig; sie ist einer der Gründe, warum sein Werk Empfindungen vorwegnimmt, die viel moderner sind, sogar dem Expressionismus nahe stehen.
Eines der faszinierendsten Details dieses Gemäldes ist die winzige Landschaft von Toledo, die sich am unteren Rand befindet. Kaum ein Streifen Land, aber ausreichend, um die gesamte himmlische Vision an einem konkreten Ort der Erde zu verankern. Es ist ein Hinweis auf seine adoptierte Stadt, eine Geste, die El Greco mehrfach verwendete, als wollte er daran erinnern, dass die spirituelle Erhebung auch in einem realen, nahen, greifbaren Gebiet stattfindet.
Die Komposition, weit entfernt von Symmetrie, wird durch eine sorgfältig konstruierte Spannung gehalten. Die aufsteigende Bewegung von Maria wird durch die diagonale Dispersion der Engel ausgeglichen; das obere Licht balanciert sich mit dem Schatten der Landschaft. Es ist eine Szene, die gleichzeitig aufsteigt und fällt, die sich spiralförmig ausdehnt und dennoch eine erstaunliche Harmonie bewahrt. Diese Mischung aus Instabilität und Gleichgewicht ist eines der persönlichsten Merkmale des Malers.
Von diesem Werk zu sprechen, bedeutet, von El Greco selbst zu sprechen, einem Künstler, der byzantinische, venezianische und manieristische Einflüsse aufnahm, sie aber in etwas Unwiederholbares verwandelte. Die Jungfrau von der Unbefleckten Empfängnis gehört zu seiner späten Periode, als sein Stil spiritueller, riskanter und freier von jeglicher Norm wurde. Für viele Historiker sind diese letzten Werke die intensivsten seiner Karriere, als ob der Maler beschlossen hätte, dass die Form sich vollständig der Emotion unterwerfen sollte.
Insgesamt sucht das Gemälde nicht, ein Dogma zu erklären oder ein Ereignis zu beschreiben, sondern eine Erfahrung zu evoziieren: das Gefühl, sich zu erheben, in einen Raum einzutreten, wo das Licht wie lebendige Materie fließt. Es ist ein Werk, das dazu einlädt, innezuhalten, zu beobachten, wie jeder Pinselstrich zu vibrieren scheint, wie jede Figur sich zu bewegen scheint, wie jede Farbe aus einem inneren Zustand hervorgeht, mehr als aus einer physischen Palette.
Und vielleicht ist das das Schönste: El Greco malt kein Bild der Unbefleckten; er malt das Gefühl des Unbefleckten.
Originalmaße des Werkes: 348 cm × 174 cm
Künstler: El Greco (Domenikos Theotokopoulos)
Ungefährer Zeitraum: 1608–1613
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