Die 10 berühmtesten abstrakten Gemälde

Im Titel - Erster abstrakter Aquarell Wir finden einen guten Farbschub, wie in den meisten seiner Gemälde zu finden ist, aber die Verwendung von Aquarellen anstelle von Ölen lässt eine sichtbar andere Fersion, die diese Arbeit interessant und ganz einzigartig für seine Produktion im Jahr 1910 macht. Die Arbeit scheint genau zu sein schnell abgeschlossen, was für diese Kunstform typisch ist, da das Mal die Malerei sehr schnell trocknet. Er arbeitet auch ausdrücklich, ohne sich zu viel Präzision zu sorgen, aber konzentriert sich mehr auf die Auswahl der Farben und das Füllen der Leinwand mit verschiedenen Formen und Linien. Es war wirklich abstrakt und dies war etwas, das immer mehr erschien, als er in seiner Karriere vorrückte, als er sich immer mehr von der Realität in der Art und Weise, wie er benutzte, wegbewegte.

Kandinsky spezialisierte sich auf Öle, arbeitete aber von Zeit zu Zeit mit Aquarellen. Ich hätte dieses einfache Mittel gefunden, um zu arbeiten, und etwas, das sich auch gut an die schnellen Studienstücke entsprach, in denen ich das Design für ein zukünftiges Stück verstehen wollte. Er benutzte auch zu anderen Zeiten Lithografien, Xylographen und Ätzen, insbesondere in den frühen Phasen seiner Karriere, als er besonders experimentell war.

In Zusammenarbeit mit Aquarellern konnte Kandinsky dieses Gemälde in nur drei Tagen vervollständigen. Trotz seiner Eile führte Kandinsky mehrere Studien für dieses Kunstwerk durch, bevor er die endgültige Komposition begann. Was sich der Geschwindigkeit angeschlossen hat, die im Titel interpretiert werden kann, war seine Farbauswahl, da Kandinsky genial ausgewählt wurde, von denen er wusste, dass sie seine Gefühle zu dieser Zeit treu darstellen würden. Die Linien und Formen, die ebenfalls gezeichnet und betont wurden und betonten das Chaos und die Dringlichkeit, die dieses Gemälde erlebt haben.

Die Abstraktion wird auch in diesem Kunstwerk durch die losen und vagen Linien deutlich gezeigt, die zu dieser Zeit ein beträchtliches Interesse zwischen der künstlerischen Menge weckten. Es gibt keinen Titel als wichtiger Anstifter der abstrakten Kunstbewegung, da es das erste Mal war, dass etwas entfernt und ohne Einschränkungen als angemessenes Thema innerhalb der Kunstwerke zu dieser Zeit als angemessenes Thema akzeptiert wurde. Kein Titel Es markierte einen entscheidenden Punkt innerhalb der europäischen Kunst, wie z.

Die Zeit zwischen 1910 und 1914 galt als Höhepunkt von Kandinskys Karriere und dem Höhepunkt seiner größten künstlerischen Errungenschaften. Daher existierte es ohne einen Titel als eines der ersten Kunstwerke, die alle Verweise auf erkennbare Formen offensichtlich verwalteten und aus den Grenzen hervorgingen, die sich aus den Konventionen der Darstellung der Malerei westeuropa stellten.

Dieser Begriff der totalen Freiheit nahm in den meisten Werken, die Kandinsky in dieser Zeit geschaffen haben, einen herausragenden Platz ein.

Nr. 2 Erwachsenenalter #7 - Hilma af Klint

Obwohl sie nicht so bekannt ist wie viele männliche Künstler ihrer Zeit, war die schwedische Künstlerin Hilma Af Klint eine abstrakte Pionierkünstlerin, deren radikale Gemälde vor vielen ihrer männlichen Zeitgenossen stehen. Er bat darum, dass sein großes Werk, von dem er während seines Lebens nie ausgestellt wurde, bis zu 20 Jahre nach seinem Tod verborgen blieb. 

Die Sammlung repräsentiert die Lebensphasen, einschließlich Kindheit, Jugend, Reife und Alter. Sie kombinieren botanische Elemente und erkennbare organische Objekte, die sich auf Geburt und Wachstum beziehen.

Der Alter Erwachsene Nr. 7 von Hilma Klint Es ist eine riesige Leinwand, 3 Meter hoch und 2 Meter breit, wurde auf dem Papier, auf dem Studio -Boden und dann auf einer Leinwand steckt.

AF Klint interpretiert das Erwachsenenalter in voller blühender Malerei verschiedene Formen, die in verschiedenen Größen und Farben auf einem lila Hintergrund frei fließen. Das zentralgelbe Symbol ähnelt einer Blume, während Spiralen und biomorphe Formen Wachstums- und Fruchtbarkeitsymbole sind.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Abgeschlossen im Jahr 1922, Senecio -Gemälde Es ist eine Manifestation des Sinns für Humor und der afrikanischen Kultur von Paulus. Einfache Farben und Formen, Paul nutzt mehrere Töne von Orangen, Rot und Gelb, um das Porträt eines alten Mannes zu enthüllen. Die künstlerische Verwendung von Formen vermittelt den falschen Eindruck, dass ein Auge erhöht wird. Die linke Augenbraue wird durch ein Dreieck dargestellt, während die andere durch eine einfache gekrümmte Linie gebildet wird. Das Porträt wird auch als Chef eines senilen Mannes bezeichnet und ahmt absichtlich die Kunstwerke der Kinder durch die Verwendung mehrdeutiger Formen und Formen mit minimalen Gesichtsdetails nach.

Diese Anpassung des menschlichen Gesichts wird durch Farbe in Rechtecken geteilt. Die flachen geometrischen Quadrate werden in einem Kreis gehalten, der ein maskiertes Gesicht darstellt und den mehrfarbigen Anzug eines Harlekins zeigt. Ein Porträt des Senecio -Künstlers des Performer kann als Symbol für die sich verändernde Beziehung zwischen Kunst, Illusion und der Welt des Dramas angesehen werden. Dieses Gemälde demonstriert die Prinzipien von Klees Kunst, in denen die grafischen Elemente von Linien-, Farben- und Raumplänen durch eine Energie aus dem Kopf des Künstlers in Bewegung gebracht werden. In seinen fantasievollen Kritzeln mochte er in seinen eigenen Worten "Nehmen Sie eine Wanderlinie heraus".

Nr. 4 ETAIL BLEUE - Joan Miró

Etoile BLEE Painting Es war der Übergang von Miró zwischen figurativer und abstrakter Kunst.

Dieses Gemälde ist dafür bekannt, eines der wichtigsten Gemälde in Miros Karriere zu sein. Insbesondere das sengende Blau ist in mehreren seiner zukünftigen Werke zu sehen und beeinflusste sogar Maler wie Mark Rothko und Yves Klein.

Etoile BLEUE ist ein großartiges Gemälde, aber es ist ein Gemälde von Fragen mehr als Antworten.

Miró war der große Synthesizer einer Ära vieler verschiedener Ideen, so etwas wie heute, aber die künstlerischen Ideen von damals waren viel komplexer als heute.

Das Gemälde kombiniert fauvistas Farben, kubistische Formen und surreale Absichten in einem Werk, das der Betrachter immer wieder visuell erforschen kann. Unter so vielen Dingen haben Sie viele Fragen, deren Antworten so traumhaft sind wie das Bild.

Wenn die blaue Form in der oberen linken Ecke beobachtet wird. Es ist ein Vogel. Es ist höchstwahrscheinlich, aber welcher Vogel ist nicht klar. Wenn man es eine Weile betrachtet, kann es definitiv sagen, dass es sich um eine dynamische Form handelt, aber es kann leicht argumentieren, dass es nach links oder rechts oder sogar nach unten und auf uns zu uns fliegt.

Das große rote Stück in der unteren Mitte. Ist es ein Fuß? Es wird definitiv als stabil und verankert angesehen, da das blaue Stück dynamisch ist.

Dieses Gemälde ist ein Juwel für Ihre Liebhaber. Auf den ersten Blick wackelt es ein wenig und bewegt sich, aber ein Moment bewegt es sich gegen diese elastische Figur in der unteren rechten Seite.

Miró, ein katalanischer Künstler, der 1893 in Barcelona geboren wurde, nannte seine surreale Traumlandschaft Patture (Étoile BLEUE) von 1927 ein Schlüsselbild mit Symbolen, die er in späteren Jahren wiederholt verwenden würde, und selbst die farbenfrohe blaue Farbe beeinflusste spätere Maler, einschließlich Mark Rothko und Yves. Klein

Nr. 5. Komposition VII - Wassily Kandinsky

Der Gemälde Komposition VII von Wassily Kandinsky wird von vielen Fans abstrakter Kunst als das wichtigste Kunstwerk des 20. Jahrhunderts angesehen, vielleicht sogar das wichtigste abstrakte Gemälde, das jemals geschaffen wurde.

Diese Arbeit ist eine logische Fortsetzung der Komposition v und Komposition VI . Die drei Gemälde sind mit dem Thema Apokalypse verknüpft. Solche Elemente der Zusammensetzung VI, wie die Flut und die Auferstehung in dieser Arbeit verfolgt werden können. Sein Hauptthema ist das endgültige Urteil, aber es wird nicht als Katastrophe angesehen, sondern als Befreiung der Übergang von der Welt vom Material zum Spirituellen. Daher unterscheidet sich die Zusammensetzung VII von den anderen Werken der Serie für ihre klaren Farben und ihre funkelnden Kontrastlinien.

Kandinsky baute jede seiner Kompositionen so, dass der Betrachter das Bild betreten konnte, als würde man sich in ihr umdrehen. Er machte die untere Kante der Komposition schwerer und drückte sie nach vorne, während der obere Teil für den Betrachter leichter und weiter entfernt bleibt. Einer der Hauptkontraste des Künstlers, blau und gelb dem zentralen Bereich der aktiven Bewegung in und außen.

Kandinsky bereitete viele Monate lang seine Komposition VII vor, aber es dauerte nur vier Tage, um sie zu malen. Der Künstler führte ungefähr 30 Studien dieses Gemäldes durch. Einige von ihnen erinnern sich an Caravaggio oder Leonardo da Vinci mit ihren detaillierten Untersuchungen der Stofffalten, der Blätter der Bäume oder der menschlichen Gliedmaßen. In dieser Serie zeigen einige Werke wiederholt dieselbe gekrümmte Linie, andere zeigen schematisch die grundlegenden strukturellen Elemente der Zusammensetzung und einige enthalten eine detaillierte Ebene der Komposition. Darüber hinaus gibt es ungefähr 15 verschiedene Gemälde, die mit der Zusammensetzung VII zusammenhängen: Dies sind die Ölskizzen oder Bleistift, Aquarelle, Glas und gravierte Gemälde.

Gabrielle Minter, die die Schaffung dieses Gemäldes miterlebte, schrieb am 25. November 1913 in seiner Zeitung, dass die Leinwand für Komposition VII in seinem Haus in Murnau geliefert wurde, und Kandinsky begann in derselben Nacht zu arbeiten. Am nächsten Morgen machte er das erste Foto des Gemäldes und nach dem Mittagessen das zweite. Der Eingang vom 28. November im Diario de Minter sagte, das Gemälde sei abgeschlossen. Am 29. November machte er ein Foto der fertigen Arbeit. Somit wurde die Geburt eines großen Meisterwerks registriert.

Zusammensetzung VII nimmt die Position Nr. 100 auf unserer Liste von Berühmte Gemälde

Nr. 6 Komposition x - Kandinsky

Wassily Kandinsky als einer der ersten Champions des abstrakten Malerei zitiert und war nicht nur ein russischer Maler, sondern auch ein Kunsttheoretiker. Der Einfluss, der in der Kunstwelt und in der Abstraktion ausgelöst und zurückgelassen hat, war seit der Kunstgruppe Phalanx und der neuen Gruppe von Künstlern von da an immens und organisierte während seiner gesamten Jahre als Künstler Ausstellungen für ihre Zeitgenossen. Während seiner gesamten Karriere produzierte er mehr als 600 Werke, mit einem Gemälde von 1913, das 2017 seinen Rekordpreis für eine Auktion von 41,6 Millionen Dollar erreichte. 

Trotz dieser beeindruckenden Bilanz war seine bedeutendste Arbeit möglicherweise Komposition x. Last in seinem Leben in "Kompositionen". Damit versuchte er, seine Forschungen über die Reinheit von Form und Ausdruck durch dieses Werk zu gipfeln. Nachdem die schwarze Farbe in der Praxis bis zu diesem Zeitpunkt in Maßen verwendet wurde, wurde es kritisiert, dass dieses Werk sowohl den Kosmos als auch die Dunkelheit des Omen, die sich am Ende seines Lebens nähern, hervorruft. 

Anfangs wurde die Schaffung der Zusammensetzung X durch die biomorphen Formen des Surrealismus beeinflusst.

Wassily Kandinsky verwendete jedoch später die Kunst, in ihren Gemälden organische Formen zu verwenden. Dies ist ein Stil, den er später in seinen Gemälden verwendet hat.

Der Stil gab seiner Arbeit die Singularität. Es war einfach und fast unmöglich, die von Wassily Kandinsky geschaffenen Gemälde nicht zu erkennen, als sie an Ausstellungen oder anderen Orten gezeigt wurden.

Darüber hinaus wurde in Frankreich die Komposition X erstellt. Es zeigt, dass der Maler einen schwarzen Hintergrund verwendet hat. Der Hauptgrund für die Verwendung des schwarzen Hintergrunds war, dass die Farben im Vordergrund deutlich zu sehen waren.

Nr. 7 Konvergenz - Jackson Pollock

Konvergenz "Ein Schwarz -Weiß -Gemälde, auf das Pollock Grundfarben warf", spiegelt die Krise des Kalten Krieges wider. Es ist eines seiner Meisterwerke und könnte auch das bekannteste Gemälde eines abstrakten Expressionisten sein. 1964 produzierten Springbok Editions ein Puzzle des Malerei, das als "schwierigste Rätsel der Welt" beworben wurde, und Hunderttausende Amerikaner kauften es.

Im Jahr 1951 sagte Pollock: „Es scheint mir, dass der moderne Maler seine Zeit, das Flugzeug, die Atombombe, das Radio in den alten Formen der Renaissance oder eine andere frühere Kultur nicht ausdrücken kann. Jede Ära findet eine eigene Technik. " Pollock fand seine Technik in der Gemälde von Häusern und Tropfen und nutzte sie, um seine eigene Zeit auszudrücken.

Mit einer Größe von 237 x 394 Zentimetern ist die Konvergenz einer der der ehrgeizigste Gemälde von Pollock. Er ist bekannt für seine visuelle Brillanz und erinnert tiefe Gefühle im Betrachter. Obwohl Jacksons Werke auch für Kunstexperten immer noch schwer zu entschlüsseln sind, werden seine Gemälde als Manifestationen der Meinungsfreiheit angesehen. Konvergenz, das in diesem Sinne ein herausragendes Beispiel ist, bleibt eines seiner berühmtesten Meisterwerke.

Nr. 8 Elegor für die spanische Republik -Robert Motherwell

Obwohl Robert Motherwell erst 21 Jahre alt war, als der spanische Bürgerkrieg ausbrach, wirkten sich seine Gräueltaten in den folgenden Jahren sehr aus. Dies führte ihn dazu, eine Reihe von mehr als 200 Gemälden als Reaktion auf ihn zu kreieren. Die in die spanische Republik gewählte Serie dient als Vielzahl des Gedenkens an menschliches Leiden sowie "abstrakte und poetische Symbole für den unaufhaltsamen Zyklus von Leben und Tod".

Über die Elegien erklärte Motherwell: „Nach einer Zeit der Malen entdeckte ich Schwarz als eines meiner Probleme und mit schwarzem, kontrastierendem Weiß, ein Gefühl von Leben und Tod, der für mich ziemlich spanisch ist. Sie sind im Wesentlichen der spanische schwarze Tod im Gegensatz zum Blendung eines Sonnenlichts wie Matisse. “

Seine Elegien stellen eine erweiterte abstrakte Meditation über Leben und Tod dar. In der gesamten Serie werden horizontale weiße Leinwände rhythmisch durch zwei oder drei vertikale Balken geteilt, die frei gezeichnet und in mehreren Intervallen durch ovoide Formen unterbrochen werden. Die Gemälde bestehen normalerweise vollständig aus Schwarz und Weiß, den Farben der Trauer und dem Leuchten, dem Tod und dem Leben. Motherwell kommentierte die Verstrickung dieser Kräfte als Metapher für ihr Verständnis der Erfahrung, am Leben zu sein.

Er entschied sich für die spanische Republik beschreibt einen majestätischen Durchgang des organischen und geometrischen, dem Unfallenden und des Absichtlichen. Wie andere abstrakte Expressionisten wurde Motherwell vom surrealistischen Prinzip des Automatismus angezogen - von Methoden, die zur bewussten Absicht des Künstlers entkommen sind - und sein Schlaganfall hat eine emotionale Belastung, jedoch innerhalb einer allgemeinen Struktur einer bestimmten Schwere. Tatsächlich sah Motherwell die sorgfältigen Anordnungen von Farbe und Form als Herz der abstrakten Kunst, die "von anderen Dingen befreit wird, um sie zu intensivieren, seine Rhythmen, Raumintervalle und Farbstruktur".

Nr. 9 Schwarze Iris - Georgia O'Keeffe

Dieses monumentale Blumengemälde ist eines der ersten Meisterwerke von O'Keeffe. Durch die Vergrößerung der Blütenblätter weit über die Anteile der natürlichen Größe hinaus zwingt es den Betrachter, die kleinen Details zu beobachten, die sonst übersehen könnten. Als die Gemälde dieser Gruppe 1924 zum ersten Mal ausgestellt wurden, war auch Alfred Stieglitz, ihr Ehemann und Kaufmann, von ihrer Kühnheit überrascht.

Die schwarze Iris von Georgia O'Keeffe ist ein Beispiel für eines seiner vielen Werke zum Thema Blumen und insbesondere der Iris, einer Blume, die reich an Symbolik ist. In Black Iris III III war es jedoch nicht, dass O'Keeffes Ziel auf diese Symbolik verweist oder sie hinzufügt, sondern den Betrachter dazu ermutigte, die Blume zu schauen und die unterschiedlichen Arten zu betrachten, wie Menschen sehen. Es wird somit zu einer tiefen Meditation über die Kunst des Schauens, nicht nur für Kunst, sondern auch zum Leben. In diesem Artikel analysiert SingularArt die projizierte Symbolik in O'Keeffe's Gemälde sowie seine eigenen Absichten bei der Erstellung schwarzer Iris III. 

Georgia O'Keeffe machte sich seit vielen Jahren besorgt über das Thema Irismalerei, insbesondere die Black Iris, die schwieriger zu finden war und nur für einige Wochen im Jahr in New York zur Verfügung stand. Iris ist ein Familiensymbol in der westlichen Welt: In der griechischen Mythologie verkörpert die Göttin Iris den Regenbogen und die Verbindung zwischen Himmel und Erde; Im Christentum symbolisiert Iris die Leidenschaft Christi und die Auferstehung sowie das Leiden von Maria. Linda Nochlin, Kunsthistorikerin, verwandelte die Iris von O'Keeffe in ein feministisches Symbol, als sie als "morphologische Metapher" der weiblichen Genitalien beschrieb und "die Einheit des Weiblichen und die natürliche Ordnung" widerspiegelt. Die Beschreibung von Black Iris IIIYs Beschreibung von Schwarz IIIY Die anderen Irisgemälde von O'Keeffe verankerten sie in der Geschichte der Kunst und der Geschichte des Feminismus und der feministischen Kunst.

O'Keeffe lehnte diese Beschreibung jedoch ab und sagte: „Niemand sieht eine Blume wirklich so klein. Wir haben keine Zeit und sehen, dass Zeit, wie ein Freund Zeit hat, Zeit braucht. Wenn ich die Blume genau so malen könnte, wie ich sie sehe, würde niemand sehen, was ich sehe, weil ich sie klein malen würde, da die Blume klein ist. Also sagte ich mir: Ich werde malen, was ich sehe, was die Blume für mich ist, aber ich werde es groß malen und überrascht sein, wenn Sie sich die Zeit nehmen, sie anzusehen, werde ich sogar die besetzten New Yorker die Zeit nehmen um zu sehen, was ich über Blumen sehe. Ich habe dich die Zeit genommen, mir die Zeit zu sehen, was ich gesehen habe, und als du dir die Zeit genommen hast, meine Blume wirklich zu bemerken, stellten Sie alle Ihre eigenen Verbände mit Blumen in meine Blume und schrieben über meine Blume, als ob ich dachte und sehen würde, was Sie denken und sehen . Die Blume, und ich nicht.

Nr. 10 Austausch - William de Kooning

1955 schloss Kooning Willem den Arbeitsaustausch ab. Er hatte sich lange darauf konzentriert, Studien über Zahlen zu überarbeiten, die 1948 begannen. Diese wurden 1953 mit ihrer individuellen Ausstellung verbunden, Gemälde zum Thema Frauen, die zu dieser Zeit in New York City eröffnet wurden. Einige Titel dieser Werke sind Frauen I, Frau III und Women V sowie zwei Frauen mit einer toten Natur.

Bis 1955 hatte er von Kooning aufgehört, menschliche Figuren zu malen und weiterhin abstrakte Darstellungen von Architektur und Gemeinden in New York City zu verwenden.

Kooning Willem verwendete schnelle Gestische auf der Leinwand. Das Bild zeigt eine Frau, die auf einem Stuhl sitzt, aber Frauen erscheinen nur als Masse von Gipfel. Bei der Ernennung seiner Bilder bevorzugte er immer einen Link zu dem Bereich, in dem er lebte. Der Austausch erhielt den Namen der Umgebung, das Zentrum von New York, den Ort, an dem er in dieser Zeit lebte.

Ursprünglich wurde das Gemälde 1955 vom Künstler für 4.000 US -Dollar verkauft.

Es wurde dann im September 2015 von der David Geffen Foundation an Kenneth C. Griffin für 300 Millionen US Millionen Dollar im November 2017.

Kuadros ©, eine berühmte Farbe an Ihrer Wand.