Abstrakter Expressionismus ist der Begriff, der auf die neuen Formen abstrakter Kunst angewandt wird, die von amerikanischen Malern wie Jackson Pollock, Mark Rothko und Willem de Kooning in den 1940er und 1950er Jahren entwickelt wurden. Er zeichnet sich oft durch gestische Pinselstriche oder Markierungen und den Eindruck von Spontaneität aus.
Abstrakter Expressionismus - Die blauen Pfosten von Jackson Pollock
Obwohl dies die akzeptierte Bezeichnung ist, ist der abstrakte Expressionismus keine genaue Beschreibung des Schaffens dieser Künstler. Tatsächlich umfasste die Bewegung viele verschiedene Malstile, die sowohl hinsichtlich der Technik als auch der Ausdrucksqualität variieren. Trotz dieser Vielfalt teilen die Bilder des abstrakten Expressionismus mehrere allgemeine Merkmale. Sie verwenden oft Grade der Abstraktion; das heißt, sie stellen unrealistische Formen oder, im Extremfall, Formen dar, die nicht aus der sichtbaren Welt stammen (nicht-objektiv). Sie betonen freien, spontanen und persönlichen emotionalen Ausdruck und üben einen erheblichen Freiraum in Technik und Ausführung aus, um dieses Ziel zu erreichen, mit besonderem Augenmerk auf die Ausnutzung des variablen physischen Charakters der Malerei, um expressive Qualitäten hervorzurufen (z. B. Sinnlichkeit, Dynamik, Gewalt, Geheimnis, Lyrik). Sie zeigen eine ähnliche Betonung auf der intuitiven und nicht studierten Anwendung dieser Malerei in einer Form der psychischen Improvisation, ähnlich dem Automatismus der Surrealisten, mit dem ähnlichen Ziel, die Kraft des kreativen Unbewussten in der Kunst auszudrücken. Die Künstler zeigen oft eine ähnliche Tendenz zur Abkehr von konventionell strukturierten Kompositionen, die aus diskreten und trennbaren Elementen bestehen, und deren Ersatz durch ein einziges Feld, Netz oder ein anderes einheitliches und undifferenziertes Bild, das in einem unstrukturierten Raum existiert. Schließlich füllen die Bilder große Leinwände aus, um den zuvor genannten visuellen Effekten sowohl Monumentalität als auch absorbierende Kraft zu verleihen.
Die abstrakten Expressionisten hatten ihren Sitz hauptsächlich in New York City und wurden auch als die New Yorker Schule bezeichnet. Der Name evoziert ihr Ziel, Kunst zu schaffen, die, obwohl sie abstrakt ist, auch in ihrem Effekt expressiv oder emotional ist. Sie ließen sich von der surrealistischen Idee inspirieren, dass Kunst aus dem unbewussten Geist hervorgehen sollte, und vom Automatismus des Künstlers Joan Miró.
In der Großen Apfelstadt schuf eine kleine Gruppe kaum verbundener Künstler einen stilistisch vielfältigen Werkbestand, der radikal neue Richtungen in der Kunst einführte und den Fokus der Kunstwelt veränderte. Obwohl es sich nicht um eine formelle Vereinigung handelte, teilten die Künstler, die unweigerlich als "abstrakte Expressionisten" oder "die New Yorker Schule" bekannt waren, einige gemeinsame Annahmen. Unter anderem schritten Künstler wie Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner, Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Richard Pousette-Dart und Clyfford Still mit formalem Wagemut voran, um bedeutungsvollen Inhalt zu suchen. Indem sie mit den akzeptierten Konventionen sowohl in der Technik als auch im Thema brachen, schufen die Künstler monumentale Werke, die als Spiegel ihrer individuellen Seelen dienten, und versuchten dabei, auf universelle innere Quellen zuzugreifen. Diese Künstler schätzten Spontaneität und Improvisation und maßen dem Prozess größte Bedeutung bei.
Abstrakter Expressionismus - Abstraktion von Willem de Kooning
Die Arbeiten der abstrakten Expressionisten widersetzen sich der stilistischen Kategorisierung, können jedoch um zwei grundlegende Neigungen gruppiert werden: eine Betonung des dynamischen und energetischen Gestus im Gegensatz zu einem reflektierenden und intellektuellen Ansatz in offenere Farbflächen. In jedem Fall waren die Bilder hauptsächlich abstrakt.
Die frühen abstrakten Expressionisten hatten zwei bemerkenswerte Vorläufer: Arshile Gorky, der suggestive biomorphe Formen mit einer flüssigen, zarten und freien Maltechnik malte, und Hans Hofmann, der dynamische und stark texturierte Pinselstriche in abstrakten, aber konventionellen Kompositionen verwendete. Ein weiterer wichtiger Einfluss auf den aufkommenden abstrakten Expressionismus war die Ankunft einer großen Anzahl von Surrealisten und anderen wichtigen europäischen Avantgarde-Künstlern, die Ende der 1930er und Anfang der 1940er Jahre vor dem von den Nazis beherrschten Europa nach Amerika flohen. Solche Künstler regten die einheimischen Maler New Yorks enorm an und gaben ihnen einen intimeren Einblick in die europäische Malerei der Avantgarde. Im Allgemeinen wird angenommen, dass die Bewegung des abstrakten Expressionismus mit den von Jackson Pollock und Willem de Kooning in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren geschaffenen Gemälden begann.
Abstrakter Expressionismus - Ein Jahr der Baumwollpflanze von Arshile Gorky
Abstrakter Expressionismus - So ist der Weg der Sterne von Hans Hofmann
Arten des Abstrakten Expressionismus
Trotz der Vielfalt der abstrakten Expressionismus-Bewegung können drei allgemeine Ansätze unterschieden werden. Einer, "die Action Painting", zeichnet sich durch einen lockeren, schnellen, dynamischen oder kraftvollen Umgang mit der Farbe in strichförmigen Pinselstrichen oder Techniken teilweise, die durch Zufall diktiert sind, wie das Tropfen oder Ausgießen von Farbe direkt auf die Leinwand, aus. Jason Pollock praktizierte als Erster das Action Painting, indem er kommerzielle Farben auf rohe Leinwände tropfte, um komplexe und verworrene Farbstränge in aufregenden und suggestiven linearen Mustern zu schaffen. De Kooning verwendete extrem kraftvolle und expressive Pinselstriche, um bilderreiche Farben und Texturen zu schaffen. Kline verwendete kräftige, breite schwarze Striche auf einer weißen Leinwand, um markant monumentale Formen zu schaffen.
Das Mittel wird innerhalb des abstrakten Expressionismus durch mehrere abwechslungsreiche Stile dargestellt, die von den lyrischeren und filigranen Bildern und fließenden Formen der Gemälde von Guston und Frankenthaler bis hin zu den fast kalligrafischen, kraftvollen und klar strukturierten Bildern von Motherwell und Gottlieb reichen.
Der dritte Ansatz und der emotional am wenigsten ausdrucksstarke war der von Rothko, Newman und Reinhardt. Diese Maler verwendeten große Flächen oder Felder von flachem Farbe und feiner, durchsichtiger Malerei, um ruhige, subtile, fast meditative Effekte zu erzielen. Der Farbflächen-Maler war Rothko, dessen Werke hauptsächlich aus großflächigen Kombinationen von rechteckigen Flächen solider Farben und weichen Kanten bestehen, die dazu neigen, zu leuchten und zu schwingen.
Innerhalb des abstrakten Expressionismus gab es zwei große Gruppen: die sogenannten Action Painter, die ihre Leinwände mit expressiven Pinselstrichen bearbeiteten; und die Farbflächenmaler, die ihre Leinwände mit großen Flächen einer einzigen Farbe füllten.
Die Action Painter wurden von Jackson Pollock und Willem de Kooning geleitet, die spontaner und improvisierter arbeiteten und oft große Pinsel verwendeten, um gestische Striche zu machen. Pollock stellte seine Leinwand auf den Boden und tanzte um sie herum, indem er Farbe aus der Dose goss oder von einem Pinsel oder Stock abziehend. Auf diese Weise drückten die Action Painter direkt ihre innerlichen Impulse auf die Leinwand aus.
Die zweite Gruppe umfasste Mark Rothko, Barnett Newman und Clyfford Still. Diese Künstler waren tief in Religion und Mythos interessiert und schufen einfache Kompositionen mit großen Farbbereichen, die darauf abzielten, beim Betrachter eine kontemplative oder meditative Antwort hervorzurufen. In einem 1948 geschriebenen Essay sagte Barnett Newman: 'Anstatt Kathedralen mit Christus, dem Menschen oder dem 'Leben' zu errichten, bauen wir sie mit uns selbst, mit unseren eigenen Gefühlen'. Dieser Malansatz entwickelte sich um 1960 zu dem, was als Farbflächenmalerei bekannt ist, die von Künstlern geprägt wurde, die große Flächen von mehr oder weniger einer einzigen flachen Farbe verwenden.
Der abstrakte Expressionismus entwickelte sich im Kontext verschiedener und überlappender Quellen und Inspirationen. Viele der jungen Künstler hatten in den 1930er Jahren begonnen. Die Große Depression brachte zwei Kunstbewegungen, den Regionalismus und den Sozialrealismus, hervor, von denen keine den Wunsch dieser Gruppe von Künstlern nach bedeutungsvollem Inhalt erfüllte, der ein sozial verantwortliches Aroma ausstrahlte, aber frei von Provinzialität und expliziter Politik war. Die Große Depression förderte auch die Entwicklung staatlicher Hilfsprogramme, einschließlich der Works Progress Administration (WPA), eines Beschäftigungsprogramms für arbeitslose Amerikaner, an dem viele Mitglieder der Gruppe teilnahmen und das so vielen Künstlern die Möglichkeit gab, eine Karriere aufzubauen.
Aber es war die Ausstellung und Assimilation des europäischen Modernismus, die die Bühne für die fortschrittlichste amerikanische Kunst bereitete. In New York gab es mehrere Orte, um avantgardistische Kunst aus Europa zu sehen. Das Museum of Modern Art wurde 1929 eröffnet, und dort sahen die Künstler eine schnell wachsende Sammlung, die vom Direktor Alfred H. Barr, Jr. erworben wurde. Sie waren auch innovativen temporären Ausstellungen neuer Arbeiten ausgesetzt, darunter Kubismus und abstrakte Kunst (1936), Fantastische Kunst, Dadaismus, Surrealismus (1936-1937) und Retrospektiven von Matisse, Léger und Picasso, unter anderen.
Ein weiteres Forum, um die fortschrittlichste Kunst zu sehen, war das Albert Gallatin Living Art Museum, das von 1927 bis 1943 an der New York University untergebracht war. Dort sahen die abstrakten Expressionisten die Arbeiten von Mondrian, Gabo, El Lissitzky und anderen. Das Vorläufer des Solomon R. Guggenheim Museums, das Museum of Non-Objective Painting, wurde 1939 eröffnet. Sogar vor diesem Datum wurde seine Sammlung von Kandinsky mehrere Male öffentlich ausgestellt. Die Lehren des europäischen Modernismus wurden auch durch das Lehren verbreitet. Der in die USA emigrierte Deutsche Hans Hofmann (1880–1966) wurde der einflussreichste Professor für moderne Kunst in den Vereinigten Staaten, und sein Einfluss erstreckte sich auf Künstler und Kritiker.
Die Kriegs- und Nachkriegskrise ist entscheidend, um die Anliegen der abstrakten Expressionisten zu verstehen. Diese jungen Künstler, besorgt über die dunkle Seite des Menschen und sich der menschlichen Irrationalität und Vulnerabilität bewusst, wollten ihre Anliegen in einer neuen Kunst mit Bedeutung und Substanz ausdrücken. Die europäischen Surrealisten eröffneten neue Möglichkeiten durch ihre Betonung des Zugangs zum Unbewussten. Ein surrealistisches Mittel, sich vom bewussten Geist zu befreien, war der psychische Automatismus, wobei der automatische Geste und die Improvisation zur Geltung kamen.
Zunächst griffen die abstrakten Expressionisten, auf der Suche nach einem zeitlosen und kraftvollen Thema, auf primitive Mythen und archaische Kunst zurück, um Inspiration zu finden. Rothko, Pollock, Motherwell, Gottlieb, Newman und Baziotes suchten den Ausdruck in antiken oder primitiven Kulturen. Ihre frühen Werke weisen malerische und biomorphe Elemente auf, die in ein persönliches Code transformiert sind. Jungianische Psychologie war ebenfalls überzeugend in ihrem Verweis auf das kollektive Unbewusste. Die Offenheit des Ausdrucks war primär und wurde am besten ohne Vorbedacht erreicht. In einem berühmten Brief an die New York Times (Juni 1943) schrieben Gottlieb und Rothko mit der Hilfe von Newman: 'Für uns ist Kunst ein Abenteuer in einer unbekannten Welt der Vorstellung, die frei von Fantasien ist und vehement dem gesunden Menschenverstand widerspricht. Es gibt so etwas wie ein gutes Gemälde über nichts nicht. Wir behaupten, dass das Thema entscheidend ist.'
Abstrakter Expressionismus - Räder von Adolph Gottlieb
Der Abstrakte Expressionismus in seiner Blüte: die Action Painting
1947 entwickelte Pollock eine radikal neue Technik, indem er verdünnte Farbe auf eine rohe Leinwand goss und tropfte, die auf dem Boden lag (anstatt die traditionellen Malmethoden, bei denen das Pigment mit einem Pinsel auf eine auf einem Gestell ruhende Leinwand aufgetragen wird). Die Bilder waren völlig nicht objektiv. In ihrem Thema (oder dem anscheinenden Mangel daran), Maßstab (enorm) und Technik (ohne Pinsel, ohne Rahmen, ohne Staffelei) beeindruckten die Werke viele Betrachter. De Kooning entwickelte ebenfalls seine eigene Version eines stark gestischen Stils und wechselte zwischen abstrakter Arbeit und kraftvollen ikonischen figürlichen Bildern. Andere Kollegen, darunter Krasner und Kline, waren ebenfalls engagiert, eine Kunst des dynamischen Geste zu schaffen, in der jeder Zentimeter eines Bildes völlig aufgeladen ist. Für die abstrakten Expressionisten beruht die Authentizität oder der Wert eines Werks auf seiner Offenheit und Unmittelbarkeit des Ausdrucks. Ein Bild soll eine Offenbarung der wahren Identität des Künstlers sein. Der Geste, die "Unterschrift" des Künstlers, ist der Beweis für den tatsächlichen Schaffensprozess des Werkes. In Bezug auf diesen Aspekt des Werkes prägte der Kritiker Harold Rosenberg 1952 den Begriff "Action Painting": 'Zu einem bestimmten Zeitpunkt begann die Leinwand für einen amerikanischen Maler nach dem anderen als eine Bühne zu erscheinen, auf der man handeln konnte, anstatt als ein Raum, in dem man reproduzieren, umgestalten, analysieren oder ein reales oder imaginäres Objekt 'ausdrücken' konnte. Was auf die Leinwand kam, war kein Bild, sondern ein Ereignis.'
Abstrakter Expressionismus in seiner Blüte: das Farbfeld
Ein anderer Weg bestand im expressiven Potenzial der Farbe. Rothko, Newman und Still beispielsweise schufen Kunst, die auf vereinfachten, großformatigen Farbdomänen basierte. Der Impuls war im Allgemeinen reflektiv und intellektuell, mit vereinfachten malerischen Mitteln, um eine Art elementaren Einfluss zu erzeugen. Rothko und Newman, unter anderem, sprachen von einem Ziel, das "Sublime" statt des "Schönen" zu erreichen, wobei sie sich an Edmund Burke erinnerten in einem Impuls nach einer großartigen und heroischen Vision statt eines beruhigenden oder tröstlichen Effekts. Newman beschrieb seinen Reduktionismus als ein Mittel, um uns "von den überholten Anhängseln einer veralteten und antiquierten Legende zu befreien... uns von den Hindernissen der Erinnerung, der Assoziation, der Nostalgie, der Legende und des Mythos zu befreien, die die Mittel der Malerei Westeuropas waren".
Für Rothko sollten die weichkantigen Luminous- Rechtecke beim Betrachter eine fast religiöse Erfahrung hervorrufen, die sogar Tränen hervorruft. Wie bei Pollock und den anderen trug der Maßstab zur Bedeutung bei. Zu dieser Zeit waren die Werke großformatig. Und sie waren dazu bestimmt, in relativ nahen Umgebungen betrachtet zu werden, so dass der Betrachter sich praktisch in der Erfahrung gegenüber dem Werk befindet. Rothko sagte: "Ich male groß, um intim zu sein". Die Idee ist mehr auf das Persönliche (authentischer Ausdruck des Individuums) als auf das Grandiose ausgerichtet.
Der Abstrakte Expressionismus: sein Einfluss
Der abstrakte Expressionismus hatte großen Einfluss auf die amerikanische und europäische Kunstszene in den 1950er Jahren. Tatsächlich markierte die Bewegung den Wechsel des kreativen Zentrums der modernen Malerei von Paris nach New York in den Nachkriegsjahrzehnten. Im Verlauf der 1950er Jahre folgten jüngere Anhänger der Bewegung zunehmend dem Vorbild der Farbflächenmaler, und 1960 hatten sich ihre Teilnehmer im Allgemeinen von dem stark geladenen Ausdruck der Action Painter entfernt.
Zu dieser Zeit wurden die Arbeiten weitgehend in Wanderausstellungen und durch Publikationen gesehen. In der Folge des abstrakten Expressionismus wurden die neuen Generationen von Künstlern, sowohl amerikanischen als auch europäischen, tief geprägt von den Fortschritten, die die erste Generation erreicht hatte, und sie schufen ihre eigenen wichtigen Ausdrucksformen, basierend auf denen, die den Weg geebnet hatten.
KUADROS ©, ein berühmtes Gemälde an deiner Wand.
