The Art Deco ist ein beliebter Designstil der 1920 und 1930er Jahrzehnte, die speziell durch elegante geometrische oder stilisierte Formen und durch die Verwendung von männlichen Materialien gekennzeichnet sind.
Die Eigenschaften des Art -Deco -Stils stammten aus Frankreich mitten in und Ende 1910 in den 1930er Jahren.
Die charakteristischen Merkmale von Art -Deco spiegeln die Bewunderung für die Moderne der Maschine und die Designqualitäten wider, die den von der Maschine hergestellten Objekten innewohnt, z. B. relative Einfachheit, Planarität, Symmetrie und unveränderliche Wiederholung von Elementen. Art -Deco -Objekte zeigen oft einfache und saubere Formen, normalerweise mit einem "stilisierten" Erscheinungsbild; Geometrische oder stilisierte Verzierung aus figurativen Formen wie Blumen, Tieren und Sonnenstrahlen; und die Verwendung von menschenhergestellten Substanzen, einschließlich Kunststoffen, Vitaminglas und verstärktem Beton, oft kombiniert mit natürlichen Materialien wie Jade, Silber, Elfenbein und Chrom.
Art Deco - Poster
Zu den prägenden Einflüssen des Art Deco gehören Art Nouveau, Bauhaus, Kubismus und Russen Ballette von Serge Diaghilev. Art -Deco -Praktiker fanden auch Inspiration in den Quellen der Indianer, Ägypter und frühen Klassiker sowie in der Natur.
Art. Beide Stile waren in Europa und den Vereinigten Staaten populär, aber Art, Jugendstil, blühte zwischen 1890 und 1910 auf.
Im Gegenzug erreichte Art -Deco in den späten 1920er und frühen 1930er -Hauptkonsumenten von Blumen, Ranken, Insektenflügeln und anderen empfindlichen natürlichen Objekten. Der Art -Deco hingegen feierte die moderne Maschine und förderte geometrische Linien und elegante Formen.
Sein Hauptunterschied zum Jugendstil ist der Einfluss des Kubismus, der Art -Deco -Design einen fragmentierteren geometrischen Charakter verleiht. Bilder, die auf Pflanzen und gewundenen Kurven basieren, blieben jedoch in einigen Art -Deco -Designs, beispielsweise in der von Clarice Cliff in Großbritannien. Die Art -Deco war in ihren Einflüssen sehr unterschiedlich, inspiriert von der alten ägyptischen Kunst, der aztekischen Kunst und anderen alten zentralamerikanischen Kunst sowie in der Gestaltung moderner Schiffe, Züge und Autos. Es wurde auch von der modernen Architektur und dem Design des Bauhauss und der Architekten wie Le Corbusier und Mies van de Rohe inspiriert.
Art -Deco hat ihren Namen aus der Ausstellung Internationale des Arts Decoraratifs et Industries Modernes abgeleitet, das 1925 in Paris stattfand, wo zum ersten Mal Stil ausgestellt wurde. Das Art -Deco -Design repräsentierte die Moderne in Mode. Zu ihren Produkten gehörten beide Luxusartikel, die individuell als Massenproduzentartikel hergestellt wurden. In jedem Fall war es jedoch beabsichtigt, eine elegante und kartellanierte Eleganz zu schaffen, die Reichtum und Raffinesse symbolisieren würde.
Die Mehrheit der prominenten Schöpfer von Art -Deco -Artikeln, die von Hand oder Limited Edition hergestellt wurden. Dazu gehörten Möbeldesigner Jacques Ruhlmann und Maurice Dufrène; der Architekt Eliel Saarinen; der Goldschmied Jean Puiforcat; der Designer von Schmuck und Kristallen René Lalique; der Modedesigner Erté; Die Künstler-Murmeln Raymond Templier, HG Murphy und Wiwen Nilsson; und der figurative Bildhauer von Chiparus.
Art Deco-Jacques Ruhlmann Möbel
Art Deco del operberes Jean Puiforcat
Frühe Art -Deco
Am Ende des 19. Jahrhunderts in Frankreich erkannten viele Künstler, Architekten und bemerkenswerte Designer, die eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des Nouveau -Stils für Kunst gespielt hatten, an, dass es immer wieder in Mode ist. Am Ende eines Jahrhunderts, in dem die industrielle Revolution festgelegt wurde, wurde das zeitgenössische Leben von dem von einigen Jahrzehnten sehr unterschiedlich. Es war Zeit für etwas Neues, etwas, das "20. Jahrhundert" aus Modernist und gutem Geschmack ausruft.
Die Gesellschaft der dekorativen Künstler Frankreichs
Von diesem Wunsch, in Richtung des neuen Jahrhunderts über die Verabschiedung von Innovation zu ziehen, anstatt von Nostalgie gestoppt zu werden, bildete eine Gruppe französischer künstlerischer Innovativen eine Organisation namens Societé des Artistes Décoralateure (die Gesellschaft der dekorativen Künstler). Die Gruppe bestand aus anerkannten Persönlichkeiten wie dem Jugendstil Eugene Grasset und der Architekten Art Nouveau Hector Guimard sowie aufstrebende dekorative Künstler und Designer wie Pierre Chaareou und Francis Jourdain. Der französische Staat unterstützte und ermutigte diese Richtung künstlerischer Aktivitäten.
Art Deco - die Gesellschaft der dekorativen Künstler
Eines der Hauptziele der neuen Gruppe war es, die hierarchische Struktur der bildenden Künste herauszufordern, die dekorative Künstler zu einem Status, der weniger als die klassischsten Mittel des Malerei und der Skulptur verwandelt war, in Frage stellte. Jourdain wird berühmt zitiert: "Deshalb haben wir beschlossen, die dekorative Kunst zurückzugeben, als Aschenputtel oder armer Verwandter, der mit den Dienern essen durfte, an den wichtigen Ort zu essen durfte, fast überwiegend, den er in der Vergangenheit besetzte, von allen die Zeiten und zu jeder Zeit "der Globusländer".
Der Plan für eine großartige Ausstellung, die eine neue Art von dekorativen Kunst vorstellte, wurde ursprünglich 1914 konzipiert, musste jedoch bis nach dem Ersten Weltkrieg bis 1925 aus mehreren Gründen aufgehängt werden.
Die Ausstellung, die die Art -Deco -Bewegung offiziell auf den Markt brachte
Die französische Regierung, die die Ausstellung zwischen der Esplanade von Les invalides mit einer goldenen Kuppel und den Eingängen der Petit Palais und der Grand Palais auf beiden Seiten des Sena River beherbergte, bemühte sich, den neuen Stil zu zeigen. Mehr als 15.000 Künstler, Architekten und Designer stellten ihre Arbeiten in der Ausstellung aus. Während der sieben Monate der Ausstellung besichtigten mehr als 16 Millionen Menschen die vielen einzelnen Ausstellungen. Diese Ausstellung war der Katalysator für den Beginn der Bewegung.
Art Nouveau und Art -Deco
Art Deco war eine direkte und philosophisch direkte Reaktion auf den Jugendstil -Stil und das breitere kulturelle Phänomen der Moderne. Das Jugendstil wurde während des Ersten Weltkriegs in Mode, da viele Kritiker der Ansicht waren, dass sich die entwickelten Details, empfindliche Designs, oft teure Materialien und Stilproduktionsmethoden nicht an eine moderne, instabile, instabile Welt und immer mehr bearbeiten. Während die Art Nouveau -Bewegung ihre komplizierten und stilisierten Naturformen ableitete und die Tugenden dessen erhöhte, was von Hand gemacht wurde, betonte die Art -Deco -Ästhetik die Aerodynamik und die elegante Geometrie der Maschinenzeit.
Art -Deco und Moderne
Die Ausstellung Internationale versammelte sich nicht nur im Art -Deco -Stil, sondern legte auch handwerkliche Gegenstände in der Nähe von Beispielen für Avant -Gart -Gemälde und Skulpturen in Stilen wie Kubismus, Konstruktivismus, Bauhaus, Stijl und Futurismus. In den 1920er Jahren war Art Deco ein üppiger Kontrapunkt, aber weitgehend konventionell, die am meisten Gehirnästhetik Bauhaus und Stijl. Die drei betonten einen Schwerpunkt auf sauberen und starken Linien als organisierendes Designprinzip. Art -Deco -Praktiker übernahmen technologische Innovation, moderne Materialien und Mechanisierung und versuchten, sie in der allgemeinen Ästhetik des Stils selbst zu betonen. Die Praktizierenden haben sich auch aus anderen modernistischen Bewegungen ausgeliehen und gelernt. Art Deco wurde von Fans berücksichtigt, die über die zukünftigen Perspektiven zeitgenössischer Avant -Gart -Bewegungen auf dem Laufenden waren. Ironischerweise spielten modernistische Malerei und Skulptur eine sekundäre Rolle in der Ausstellung mit den wenigen Ausnahmen des sowjetischen Pavillons und des Esprit -Nouveau -Pavillons von Le Corbusier.
Art Deco nach der Weltwirtschaftskrise
Der Beginn der zweiten Phase der Art -Deco fiel mit dem Beginn der Weltwirtschaftskrise zusammen. In der Tat könnte Sparmaßnahmen sowohl für pragmatische als auch für konzeptionelle Gründe für diese zweite Entwicklung der Art -Deco eine zentrale Ästhetik sein. Während die Art -Deco -Architektur beispielsweise vertikal mit Wolkenkratzern ausgerichtet war, die zu großen Höhen stiegen, spätere Art -Deco -Gebäude mit ihren Außensachen hauptsächlich ohne Ornamente, elegante Kurven und horizontale Betonung symbolisierten Robustheit, ruhige Würde und Widerstand. Während der schlimmsten Jahre der wirtschaftlichen Katastrophe von 1929 bis 1931 ging die amerikanische Art Deco von den folgenden Trends zu, um sie zu etablieren.
Streamline Modrne
Streamline Modrne wurde zur amerikanischen Fortsetzung der europäischen Art -Deco -Bewegung. Über die schwerwiegenden wirtschaftlichen und philosophischen Einflüsse hinaus die ästhetische Inspiration für den ersten Stromlinienmodrne zu Beginn von -siglo xx.
Art -Deco - Streamline Modrne
Die Künstler und Architekten der neuen Objektivität wurden von derselben Art von nüchternem Pragmatismus inspiriert, die die Verteidiger von Streamline -Modrne dazu zwang, Exzesse, einschließlich der Emotionalität des Expressionismus, zu beseitigen. Die Architekten der neuen Objektivität konzentrierten sich auf die Erzeugung von Strukturen, die als praktisch angesehen werden konnten, wie beispielsweise ein Spiegelbild der realen Anforderungen. Sie zogen es vor, dass sich ihre Entwürfe an die reale Welt anpassen, anstatt andere an eine kleine praktische Ästhetik anzupassen. Zu diesem Zweck waren neue Objektivitätsarchitekten sogar Pioniere in der Präfabrikationstechnologie (half, die Armen Deutschlands schnell und effizient zu unterbringen).
Ich habe keine Ornamente, die moderne Streamline -Architektur hatte saubere Kurven, lange horizontale Linien (einschließlich Fensterbänder), Glasziegel, Fenster im Ochsenstil und zylindrische Formen und manchmal nautisch. Mehr denn je lag der Schwerpunkt auf der Aerodynamik und anderen Ausdrucksformen moderner Technologie. Die teuersten und exotischsten Materialien des Art -Deco wurden durch Beton-, Glas- und Chrom -Hardware in Streamline Modern ersetzt. Die Farbe wurde in Maßen verwendet, da weißliche, Beige- und Erdtöne die lebendigsten Farben der Art -Deco ersetzten. Der Stil wurde zuerst in die Architektur eingeführt und dann auf andere Objekte erweitert, ähnlich dem traditionellen Art -Deco -Stil.
Art -Deco wird rückwirkend benannt
Ursprünglich wurde der Begriff "Art Deco" abwertend von einem berühmten Kritiker, dem modernistischen Architekten Le Corbusier, in Artikeln verwendet, in denen er den Stil für seine Verzierung kritisierte, ein Merkmal, das er in der modernen Architektur als unnötig angesehen hat. Während Stilverteidiger ihn als modernistische und vereinfachte Reaktion auf übermäßige Ornamente anerkannten, insbesondere im Vergleich zu seinem unmittelbaren Vorgänger Art Nouveau, da jede Dekoration für Le Corbusier überflüssig war. Erst Ende der 1960er Jahre, als das Interesse an Stil wiederbelebt wurde, verwendete der britische Historiker und Kritiker Bevis Hillier den Begriff "Art Deco" positiv.
Art Deco in den Vereinigten Staaten
In den Vereinigten Staaten entwickelte sich der Empfang der Art -Deco -Bewegung in einer anderen Flugbahn. Herbert Hoover, die US -Handelsministerin. Zu dieser Zeit entschied er, dass US -Designer und Architekten ihre Arbeiten in der internationalen Ausstellung nicht ausstellen konnten, weil es argumentierte, dass das Land noch einen eindeutig amerikanischen Kunststil der Kunst vorstellen musste, der zufriedenstellend war. " Neu genug. " Als Alternative sandte er eine Delegation nach Frankreich, um die Angebote in der Ausstellung zu bewerten und dann das, was sie sahen, auf einen zeitgenössischen amerikanischen künstlerischen und architektonischen Stil zu wenden. Im Kontingent ästhetischer Abeignung, die von Hoover geschickt wurden, wurden wichtige Figuren des American Institute of Architecture, des Metropolitan Museum of Art und der New York Times einbezogen. Die Mission inspirierte einen fast unmittelbaren Boom künstlerischer Innovationen in den USA.
Bis 1926 tourte eine kleinere Version der französischen Messe namens "eine ausgewählte Sammlung von Objekten aus der internationalen Ausstellung moderner, industrieller und dekorativer Künste". , Boston, Minneapolis. und Philadelphia. Die American World Fairs in Chicago (1933) und New York City (1939) haben die Art Deco -Designs hervorgehoben, während Hollywood die Ästhetik übernahm und sie im ganzen Land glamourös machte. Sogar US -Unternehmen wie General Motors und Ford bauten Pavillons auf der New York World Fair.
Art Deco - World Fair in New York
Zu den bekanntesten Beispielen des amerikanischen Art -Deco -Stils gehören Wolkenkratzer und andere große Gebäude. Tatsächlich wurde die amerikanische Iteration von Art Deco in Gebäudeentwürfen als zickzack modern für seine eckigen und geometrischen Muster als ausgearbeitete architektonische Fassaden bezeichnet. Das amerikanische Art -Deco im Allgemeinen ist jedoch oft weniger dekorativ als sein europäischer Vorgänger. Jenseits von klaren Linien und starken Kurven, kühnen geometrischen Formen, intensiven Farben und manchmal luxuriösen Ornaments ist die US -Version einfacher. Da wichtige Einflüsse wie die neue Objektivität und der internationale Architekturstil sowie die ernsthaften wirtschaftlichen Rückschläge der späten 1920er und frühen 1930er Jahre begannen, die Art -Deco -Ästhetik zu beeinflussen, wurde der Stil viel weniger luxuriös.
Art Deco - Zick Zack modern
Der amerikanische Art -Deco -Stil wurde als Feier des technologischen Fortschritts, einschließlich der Massenproduktion, und einem Glauben entwickelt, der im sozialen Fortschritt wiederhergestellt wurde. Im Wesentlichen könnten diese Erfolge als Reflexion des Nationalstolzes angesehen werden. In den 1930er Jahren im Rahmen der Works Progress Administration (WPA) von Roosevelt waren viele der geschaffenen Werke Art Deco, von kommunalen Strukturen wie Bibliotheken und Schulen bis hin zu öffentlichen Wandgemälden. Die WPA beabsichtigte, die Wirtschaft nach der Kriegswirtschaft durch die Schaffung von Arbeitsplätzen in öffentlichen Arbeiten zu steigern, und versuchte, der Gemeinschaft durch die Schaffung von Arbeitsplätzen zu dienen und US -Werte in Design zu vermitteln. Die Verwendung von amerikanischen Art -Deco brachte eine Ausdruck der Demokratie durch Design. Einige Materialien, die häufig in der Art -Deco -Schöpfung verwendet wurden, waren teuer und waren daher außerhalb der Reichweite des durchschnittlichen Mannes. Die Verwendung neuer oder niedriger Materialien ermöglichte es jedoch, eine breite Palette erschwinglicher Produkte herzustellen, und brachte daher auf neue Weise die Schönheit in die Öffentlichkeit.
Globales Wachstum von Art -Deco
Der Art -Deco -Stil wurde in den weltweiten Hauptstädten gestärkt wie Havanna, Kuba, Mumbai und Yakarta. Havanna hat eine ganze Nachbarschaft im Art -Deco -Stil. Das London Underground Rail System beinhaltet hauptsächlich den Stil. Der Hafen von Shanghai enthält mehr als fünfzig Art -Deco -Strukturen, von denen die meisten vom ungarischen Laszlo Hudec entworfen wurden. Von Kriegsdenkmälern bis zu Krankenhäusern haben auch Städte, die so weit wie Sydney und Melbourne in Australien sind, den phänomenalen Stil aufgenommen.
Art Deco - Laszlo Hudec
Die wichtigsten visuellen Eigenschaften des Art -Deco sind aus der sich wiederholenden Verwendung linearer und geometrischer Formen abgeleitet, die dreieckige Formen, in Zickzack, Trapez und mit Chevron -Muster enthalten. Wie sein Vorgänger Art Nouveau, wenn Objekte wie Blumen, Tiere oder menschliche Figuren dargestellt werden, werden diese sehr stilisiert und vereinfacht, um die allgemeine Ästhetik der Art -Deco zu erhalten. Die Art und der Umfang der Stilisierung und Vereinfachung oder Vereinfachung variieren je nach regionaler Iteration des Stils. Zum Beispiel ist eine Figur wie The Fire Bird (1922) des französischen Designers René Lalique elegant schlank und abgeschwächt, während der Atlas von Lee Lawrie (1937) außerhalb des Rockefeller -Zentrums solide und robust mit einer nachdrücklichen linearen Muskulatur ist, wenn auch beides werden als gute Darstellungen des Deco -Stils angesehen.
Art Deco - Atlas de Lee Lawrie im Rockerfeller -Gebäude
Nach dem Schwerpunkt der Bewegung in der modernen Technologie nutzte die Art -Deco -Deco -Deco moderne Materialien wie Kunststoffe, Baquelita und Edelstahl aus. Aber als ein Hauch von Wohlstand und Verfeinerung erforderlich war, beinhalteten Designer exotischere Materialien wie Elfenbein, Horn und Zebra. Wie bei den Jugendstilen und den Kunsthandwerksbewegungen wurde der Art -Deco -Stil viel weniger auf die Formen der Ausdrucksformen der visuellen Künste angewendet, die traditionell den höchsten Rang haben: Malerei und Skulptur.
Art Deco Design
Der Art -Deco -Stil hat seinen Einfluss auf die Grafik in einer Weise ausgebracht, die den Einfluss des italienischen Futurismus mit seiner Liebe zur Geschwindigkeit und Anbetung der Maschine zeigt. Futuristische Künstler nutzten Linien, um die Bewegung, die als "Speed -Mustaches" bekannt ist, die aus den Rädern von Autos und schnellen Zügen kam. Darüber hinaus verwendeten Art -Deco -Praktiker parallele Linien und konische Formen, die auf Symmetrie und Aerodynamik hinweisen. Die Typografie wurde vom internationalen Einfluss des Art -Deco und den Arten von Bifur, Broadway und Peignots Schriftart beeinflusst.
Art Deco - Fuente Bifur
In Bezug auf Bilder erinnern einfache Formen und große, feste Strichgebiete japanische Holzst gavaven, die für westliche Künstler, insbesondere in Frankreich, nach dem Ende der Isolationspause Edo im Jahr 1868 zu einer wichtigen Einflussquelle geworden waren. Der anschließende Zustrom von Japaner Japans Kunst nach Europa hatte einen großen Einfluss. Insbesondere Künstler, die in der formalen Einfachheit von Holzgravuren ein Modell gefunden haben, um ihre eigenen, unverwechselbar modernen Stile zu schaffen, beginnend mit dem Impressionisten.
Art Deco Möbel
Bis zum Ende der 1920er Jahre bestand das Design von Avant -Gartge -Möbeln in Frankreich hauptsächlich aus Variationen im Jugendstilstil, aber vereinfacht und weniger krummlinig. Im Laufe des Jahrzehnts entwickelte sich Émile-Jacques Ruhlmann zum Hauptmöbeldesigner (Ruhlmann hatte seinen eigenen Pavillon in der Ausstellung von 1925). Obwohl seine Entwürfe hauptsächlich von Stücken des 18. Jahrhunderts inspiriert waren, die im neoklassischen Stil hergestellt wurden, beseitigte er einen Großteil der Ornamentierung, während er exotische Materialien verwendet hat, die von den Designer Art -Nouveau wie Mahagoni, Ebenholz, Palisandro, Elfenbein und Turtle Shell bevorzugt wurden. Natürlich waren ihre Stücke oft zu teuer für jemanden, um sie zu erwerben, außer den reichsten.
Im Gegensatz zu den luxuriösen Designs von Ruhlmann, die unter den Styles Art -Jugendstil und Art -Deco zu Pferd zu sein schienen, war Jules Leleu der definitiv Art Deco -Möbeldesigner in Frankreich. Er war ein traditioneller Designer, bis der neue Jugendstil dem neuen Stil ersetzt war und für das Design des großen Esszimmers des Elysium -Palastes in Paris und den luxuriösen Kabinen auf dem ersten Klassendeck des eleganten Normandie -Dampfschiffes bekannt war.
Art Deco - Jules Leleu Möbel
Im Gegensatz zu Leleu und Ruhlmann war Le Corbusier ein Verteidiger einer sehr kleinen Version und ohne Ornamente des Art -Deco -Stils und schuf oft angemessene Möbel für die strengen Innenräume ihrer eigenen architektonischen Strukturen. Seine Absicht war es, Prototypen zu entwerfen, insbesondere Stühle, die durch Mass produziert werden konnten und daher für einen Verstärkermarkt erschwinglich waren
Durcheinander. Es sollte auch angemerkt werden, dass das Innenarchitektur von Donald Deskey vom berühmten Ort des Interesses in New York City, der City Music Hall, ein hervorragendes Beispiel für das Design amerikanischer Art -Deco -Möbel ist, das in seiner ursprünglichen Form in der immer noch intakt bleibt gegenwärtig.
Art Deco - Le Corbusier Möbel
Art Deco Architecture
Die Art -Deco -Architektur zeichnet sich durch harte Kantendesigns aus, die oft reichlich geschmückt sind und durch glänzende Metalldetails akzentuiert werden. Viele dieser Gebäude haben einen vertikalen Schwerpunkt, der aufgebaut ist, um Aufmerksamkeit zu erregen. Rechteckige Formen, häufig in Blöcken, sind geometrisch angeordnet, wobei Nadeln auf dem Dach und/oder gekrümmte Zierelemente hinzugefügt werden, um einen aerodynamischen Effekt zu erzielen. New York Skyscrapers und Miamis pastellfarbene Gebäude gehören zu den berühmtesten amerikanischen Beispielen, obwohl der Stil weltweit in verschiedenen Strukturen implementiert wurde.
In den Vereinigten Staaten half die Arbeitsverwaltung der Arbeiten der Architecture Art Deco bei der Verallgemeinerung. Interessanterweise wird die Verschmelzung von Klassiker Art-Deco und Beaux-Arts, die in vielen öffentlichen Werken der Depression zu sehen sind, als PWA-Modrne oder moderne Depression bezeichnet.
Art Deco Pwa moderne - Moderne Depression
Nachfolgende Entwicklungen: Nach Art Deco
Art Deco in den Jahren des Zweiten Weltkriegs in Europa und Nordamerika wurde mit der Sparsamkeit der Kriegszeit, die den Stil immer auffälliger und dekadenter machte. Die Metalle erholten sich, um sie für den Bau von Rüstungen zu verwenden, anstatt Gebäude oder Innenräume zu dekorieren. Die Möbel wurden nicht mehr als Statusobjekte betrachtet. Andere technologische Fortschritte ermöglichten eine billigere Produktion grundlegender Verbrauchsartikel, wodurch die Notwendigkeit und Popularität von Art -Deco -Designern beseitigt wurde.
Eine Bewegung, die in vielerlei Hinsicht versuchte, mit der Vergangenheit zu brechen, ist nun zu einem Klassiker geworden, der höchste Nostalgie erzeugt und mit Liebe in Erinnerung bleibt. Seit den 1960er Jahren hat es ein konstantes und kontinuierliches Interesse am Stil. Sie können Art -Deco -Echos im modernen Design der Mitte des Jahrhunderts sehen, das die aerodynamische Ästhetik der Deco durchführt und die saubere Einfachheit des Bauhauss bewertet. Deco hat auch dazu beigetragen, die Memphis Group zu inspirieren, eine Design- und Architekturbewegung, die sich in den 1980er Jahren auf Mailand konzentrierte. Memphis basierte auch auf Pop -Art und Kitsch als Quellen für ihre farbenfrohen und bewusst postmodernen Designs.
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