Die 7 besten hispanischen Künstler

Im Laufe der Kunstgeschichte haben spanischsprachige Künstler eine bedeutende Stellung als Pioniere eingenommen. Ohne Angst vor Risiken integrieren sie oft Symbole und Techniken, die an ihre einheimischen Kulturen erinnern. Darüber hinaus nutzen viele der berühmtesten hispanischen Künstler ihre Kreativität auch als Plattform, um über politische und soziale Unruhen zu diskutieren, um Veränderungen zu bewirken und nationalen Stolz zu inspirieren.

Nr. 1 Diego Velázquez - 1599 – 1660

Diego Velázquez war ein spanischer Maler des 17. Jahrhunderts, der "Las Meninas", möglicherweise sein berühmtestes Gemälde, und viele namhafte Porträts als Mitglied des königlichen Hofes von König Philipp IV. schuf.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez wurde circa am 6. Juni 1599 in Sevilla, Spanien, geboren. Im Alter von 11 Jahren begann er eine sechsjährige Lehre bei dem örtlichen Maler Francisco Pacheco. Die frühen Werke von Velázquez behandelten die traditionellen religiösen Themen, die von seinem Meister favorisiert wurden, doch wurde er auch vom Naturalismus des italienischen Malers Caravaggio beeinflusst. 1617 eröffnete Velázquez nach Abschluss seiner Lehre sein eigenes Atelier. Er wurde berühmt für seine realistischen und komplexen Porträts als Mitglied des Hofes von König Philipp IV., ein Amt, das er fast 40 Jahre lang innehatte. Diego Velázquez hatte eine erfolgreiche Karriere, die ihn zum führenden Künstler des sogenannten Goldenen Zeitalters Spaniens machte.

In seinen letzten Jahren schuf der spanische Meister ein renommiertes Porträt von Papst Innozenz X. und die berühmten "Las Meninas". Er starb am 6. August 1660 in Madrid.

Velázquez wird als einer der großen Meister der westlichen Kunst erinnert. Pablo Picasso und Salvador Dalí gehören zu den Künstlern, die ihn als große Inspiration betrachteten, während der französische Impressionist Édouard Manet den großen Spanier als "den Maler der Maler" beschrieb.

Kaufen Sie eine Reproduktion des Autorretrato - Diego Velázquez im Online-Shop von Kuadros

Nr. 2 Francisco de Goya - 1746 – 1828

Francisco Goya, mit vollem Namen Francisco José de Goya y Lucientes, (geboren am 30. März 1746 in Fuendetodos, Spanien; gestorben am 16. April 1828 in Bordeaux, Frankreich).

Francisco Goya, einer der einflussreichsten Maler des 18. Jahrhunderts, hatte zu Lebzeiten enormen Erfolg. Seine Arbeiten werden oft mit der romantischen Bewegung in Verbindung gebracht und er gilt als einer der letzten großen alten Meister. Eines der berühmtesten Gemälde von Goya, El Tres De Mayo De 1808 En Madrid, ist ein politisch aufgeladenes Meisterwerk, das den spanischen Widerstand während der Besetzung des Landes durch Napoleon ehrt. Dieses innovative Werk setzte einen neuen Maßstab dafür, wie die Schrecken des Krieges in der Kunst dargestellt wurden.

Sein Studium der Werke von Velázquez in der königlichen Sammlung führte zu einer flexibleren und spontanen Maltechnik. Gleichzeitig erzielte Goya seinen ersten populären Erfolg. Er wurde 1780 in die Real Academia de San Fernando gewählt, 1786 zum Maler des Königs ernannt und 1789 Hofmaler. Eine schwere Krankheit im Jahr 1792 ließ Goya dauerhaft taub werden. Er entwickelte einen neuen, kühnen und freizügigen Stil, der nahe an der Karikatur war. In seinen religiösen Fresken verwendete er einen weiten und freien Stil und einen zuvor im religiösen Kunst unübertroffenen Erdrealismus. Goya war von 1795 bis 1797 Direktor der Malerei an der Real Academia und wurde 1799 zum ersten Maler des spanischen Hofes ernannt.

Während der napoleonischen Invasion und dem spanischen Unabhängigkeitskrieg von 1808 bis 1814 war Goya Maler des Hofes von Frankreich. Nach der Wiederherstellung der spanischen Monarchie wurde Goya begnadigt, weil er den Franzosen gedient hatte, doch seine Arbeit fand beim neuen König kein Wohlgefallen. 1816 veröffentlichte er seine Druckgrafiken über Stierkämpfe, genannt Tauromaquia. Von 1819 bis 1824 lebte Goya zurückgezogen in einem Haus am Rande von Madrid. Frei von gerichtlichen Beschränkungen nahm er einen zunehmend persönlichen Stil an. In den Schwarzmalereien, die an den Wänden seines Hauses ausgeführt wurden, drückte Goya seine dunkelsten Visionen aus. Eine ähnliche traumartige Qualität verfolgt die satirischen Disparates, eine Druckgrafikserie auch bekannt als Proverbios. 1824, nach dem Scheitern eines Versuchs, die liberale Regierung wiederherzustellen, ging Goya freiwillig ins Exil nach Frankreich. Er ließ sich in Bordeaux nieder und arbeitete bis zu seinem Tod am 16. April 1828 weiter.

Heute befinden sich viele seiner besten Gemälde im Prado-Museum in Madrid.

Kaufen Sie eine Reproduktion des Autorretrato - Francisco Goya im Online-Shop von Kuadros

Nr. 3 Frida Kahlo - 1907 – 1954

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6. Juli 1907 - Coyoacán, 13. Juli 1954)

Die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo wird für ihre Selbstporträts, Schmerz und Leidenschaft sowie kräftigen und leuchtenden Farben in Erinnerung behalten. Sie wird in Mexiko für ihre Aufmerksamkeit auf die mexikanische und indigene Kultur und von Feministinnen für ihre Darstellung der weiblichen Erfahrung und Form gefeiert.

Mit ihrer zutiefst persönlichen und symbolischen Arbeit ist sie zu einer der bekanntesten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts geworden. Während eines großen Teils ihrer Karriere wurde sie oft einfach als die Frau von Diego Rivera übersehen, doch die Wertschätzung ihrer Gemälde ist seit den 1970er Jahren nur gestiegen. Fierce stolz auf ihre mexikanische Identität integrierte sie oft präkolumbianische Symbole in ihre Gemälde und ist bekannt für ihr buntes mexikanisches Kleid. Kahlo, die im Laufe ihres Lebens gesundheitliche Probleme hatte, die auf einen Busunfall in ihrer Jugend zurückzuführen waren, erlitt multiple Frakturen ihrer Wirbelsäule, Schlüsselbeine und Rippen, ein zertrümmertes Becken, einen gebrochenen Fuß und eine ausgekugelte Schulter. Sie begann, sich stark auf die Malerei zu konzentrieren, während sie sich mit einem Gipsverband am Körper erholte. In ihrem Leben hatte sie 30 Operationen. Die Erfahrung des Lebens ist ein häufiges Thema in den etwa 200 Gemälden, Skizzen und Zeichnungen von Kahlo. Ihr physischer und emotionaler Schmerz wird auf den Leinwänden deutlich sichtbar, ebenso wie ihre turbulente Beziehung zu ihrem Ehemann, dem Künstler Diego Rivera, mit dem sie zweimal verheiratet war. Von ihren 143 Gemälden sind 55 Selbstporträts. Die Verwüstung ihres Körpers durch den Unfall wird in La columna rota detailliert dargestellt. Kahlo zeigt sich fast nackt, die Hälfte durchtrennt, mit ihrer Wirbelsäule als dekorative, zerbrochene Säule dargestellt. Ihre Haut ist mit Nägeln gesprenkelt. Sie ist auch mit einem chirurgischen Gerät ausgestattet.

Weit bekannt für ihre marxistischen Neigungen ist Frida, zusammen mit dem marxistischen Revolutionär Che Guevara und einer kleinen Gruppe zeitgenössischer Figuren, zu einem symbolischen Gegenkultur des 20. Jahrhunderts geworden und hat ein Erbe in der Malerei geschaffen, das weiterhin die Vorstellungskraft und den Geist inspiriert.
Sie sah ihre blühende Karriere durch ihren vorzeitigen Tod im Alter von 47 Jahren unterbrochen. Ihr Erbe lebt weiter und bleibt ein Symbol für viele feministische und politische Bewegungen.

Nr. 4 Diego Rivera - 1886 – 1957

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, bekannt als Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Mexiko-Stadt, 1957), war ein herausragender mexikanischer Maler. Seine großen Fresken trugen dazu bei, die Wandmalerei in der mexikanischen und internationalen Kunst zu etablieren.
Als geborener Mexikaner verbrachte Rivera einen großen Teil seines erwachsenen Lebens in Europa und den Vereinigten Staaten sowie in seinem Heimatland Mexiko-Stadt. Zu Beginn seiner Karriere tauchte er in den Kubismus ein und umarmte dann den Post-Impressionismus, doch sein einzigartiger Stil und seine Perspektive sind sofort als seine erkennbar. Er war als engagierter Marxist in die Politik involviert und trat 1922 der Kommunistischen Partei Mexikos bei. In den 1930er Jahren empfing er den russischen Exilierten Leon Trotsky und dessen Frau in seinem Haus in Mexiko-Stadt. In unruhigen Zeiten lebte er und führte ein turbulentes Leben; Diego Rivera, weithin bekannt für seine marxistischen Neigungen, wurde zusammen mit dem marxistischen Revolutionär Che Guevara und einer kleinen Gruppe zeitgenössischer Figuren zu einem Symbol der Gegenkultur des 20. Jahrhunderts und schuf ein künstlerisches Erbe, das weiterhin die Vorstellungskraft und den Geist inspiriert.
Er half, eine nationale Identität zu formen, die auf dem Mexikanertum basierte. Dieser Stolz auf die mexikanische Identität zeigt sich in Riveras Kunst durch seine auffällige Farbpalette und die Verwendung vereinfachter Formen, die vom Maya- und Azteken-Kunst beeinflusst sind. Während einige seiner berühmtesten Werke in Mexiko-Stadt zu finden sind, malte Rivera auch ausgiebig in den Vereinigten Staaten. Sein Wandgemälde Hombre en la encrucijada wurde vom Rockefeller Center in New York aufgrund eines Lenin-Bildes in dem Werk entfernt.

Nr. 5 Pablo Picasso - 1881 – 1973

Pablo Picasso, mit vollem Namen Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, auch genannt (vor 1901) Pablo Ruiz oder Pablo Ruiz Picasso, (geboren am 25. Oktober 1881 in Málaga, Spanien; gestorben am 8. April 1973 in Mougins, Frankreich), war ein spanischer Maler, Bildhauer, Grafiker, Keramiker und Szenograf, der im Exil lebte, einer der größten und einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts und der Schöpfer (mit Georges Braque) des Kubismus.
Er war ein Wunderkind, das zuerst die klassischen Techniken beherrschte, bevor er eigenständig die traditionelle Form der Kunstschöpfung zerstörte. Sein Werk ist beeindruckend, da er während seines Lebens rund 50.000 Kunstwerke produzierte, darunter Gemälde, Skulpturen, Keramiken, Zeichnungen und Drucke.
Als einer der Wegbereiter des Kubismus zu Beginn des 20. Jahrhunderts vermied er die Realität in der Kunst und zielte darauf ab, das rein Abstrakte darzustellen, was zuvor nicht in dieser Weise gemacht worden war. Das Hauptwerk von Picasso ist in ziemlich unterschiedliche Perioden unterteilt, beginnend mit der Blauen Periode, gefolgt von der Rosa Periode, der Periode des afrikanischen Einflusses, der Kubismus-Periode und der Surrealismus- und Klassizismus-Periode.
Da die Kunst von Picasso aus der Zeit der Demoiselles radikalen Charakters war, konnte praktisch kein Künstler des 20. Jahrhunderts seinem Einfluss entkommen. Picasso blieb in den letzten zehn Jahren seines Lebens ein Innovator. Dies führte zu Missverständnissen und Kritik sowohl zu seinen Lebzeiten als auch seitdem, und erst in den 1980er Jahren begannen seine letzten Gemälde, sowohl für sich selbst als auch wegen ihres tiefen Einflusses auf die aufkommende Generation junger Maler, geschätzt zu werden. Da Picasso ab den 1920er Jahren Werke zu sehr hohen Preisen verkaufen konnte, konnte er den Großteil seines Werks in seiner eigenen Sammlung behalten.

Nr. 6 Salvador Dali - 1904 – 1989

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,​ Marquis von Dalí von Púbol (Figueras, 11. Mai 1904 - Figueras, 23. Januar 1989).
Er gilt als einer der größten Vertreter des Surrealismus.
Mit einer Karriere, die mehr als sechs Jahrzehnte umspannt, ist Salvador Dalí einer der einflussreichsten Künstler der modernen Kunst. Berühmt für seine surrealistischen Gemälde wie Die Beständigkeit der Erinnerung, war Dalí auch ein prolifischer Bildhauer, Filmemacher, Fotograf und Illustrator. Er schuf sogar ein Kochbuch, das auf den legendären Abendessen beruhte, die er und seine Frau Gala veranstalteten.
Von klein auf wurde Salvador Dalí ermutigt, seine Kunst zu praktizieren, und schließlich studierte er an einer Akademie in Madrid. In den 1920er Jahren ging er nach Paris und begann, mit Künstlern wie Pablo Picasso, René Magritte und Miró zu interagieren, was zur ersten surrealistischen Phase von Dalí führte.
Er war ein sehr einfallsreicher Künstler, der zu Narzissmus und Megalomanie neigte und es liebte, die öffentliche Aufmerksamkeit zu erregen. Dieses Verhalten irritierte diejenigen, die seine Kunst schätzten, und rechtfertigte seine Kritiker, die sein exzentrisches Verhalten ablehnten. Dalí führte seine Liebe zu allem Goldenen und Übertriebenem, seine Leidenschaft für Luxus und seine Liebe zur orientalischen Mode auf eine selbsternannte arabische Abstammung zurück, die seine Wurzeln bis in die Zeit der arabischen Herrschaft auf der Iberischen Halbinsel zurückverfolgte.
Als der Krieg in Europa näher rückte, insbesondere in Spanien, geriet Dalí in Konflikt mit Mitgliedern der surrealistischen Bewegung. In einem 1934 durchgeführten "Prozess" wurde er aus der Gruppe ausgeschlossen.
1980 war Dalí gezwungen, sich von der Malerei zurückzuziehen, da eine motorische Störung ihm dauerhaftes Zittern und Schwäche in den Händen verursachte. Er konnte keinen Pinsel mehr halten und hatte die Fähigkeit verloren, sich auf die Weise auszudrücken, die er am besten kannte. Nach weiteren Tragödien, die 1982 eintrafen, als seine geliebte Frau und Freundin Gala starb, stürzten ihn diese beiden Ereignisse in eine tiefe Depression. Er zog nach Pubol, in ein Schloss, das er für Gala gekauft und umgebaut hatte, möglicherweise um sich vor der Öffentlichkeit zu verstecken oder, wie manche spekulieren, um zu sterben. 1984 wurde Dalí bei einem Brand schwer verbrannt. Aufgrund seiner Verletzungen war er auf einen Rollstuhl angewiesen. Freunde, Förderer und künstlerische Kollegen retteten ihn aus dem Schloss und brachten ihn nach Figueras, wo er sich im Teatro-Museo wohl fühlte. Im November 1988 wurde Dalí mit einem versagenden Herzen ins Krankenhaus in Figueras eingeliefert. Nach einer kurzen Genesung kehrte er ins Teatro-Museo zurück. Am 23. Januar 1989, in der Stadt seiner Geburt, starb Dalí im Alter von 84 Jahren an Herzinsuffizienz. Sein Begräbnis fand im Teatro-Museo statt, wo er in einer Gruft beigesetzt wurde.
Mit einer eklektischen und exzentrischen Persönlichkeit, die mit seiner künstlerischen Produktion übereinstimmte, fängt er weiterhin die Vorstellungskraft des Publikums 30 Jahre nach seinem Tod ein.

Nr. 7 Fernando Botero - 1932 –

Fernando Botero (Kolumbianer, geboren 1932) ist berühmt für seine gemalten und skulptierten Szenen mit Tieren und Figuren mit übertriebenen Proportionen, was die Vorliebe des Künstlers für Satire, Karikatur und politische Kommentare widerspiegelt. Geboren in Medellín, Kolumbien, war er das zweite von drei Kindern; sein Vater, ein Straßenverkäufer, starb, als Botero erst vier Jahre alt war. Seine Mutter musste als Schneiderin arbeiten, um die Familie zu ernähren. Nach einer Zeit in einer Stierkampf-Akademie entschied Botero, dass die Kunst seine wahre Berufung war, und hatte 1948, im Alter von 16 Jahren, seine erste Ausstellung. Drei Jahre später, nachdem er in die Hauptstadt Kolumbiens, Bogotá, gezogen war, veranstaltete er seine erste Einzelausstellung.
In den 1950er Jahren reiste er in mehrere verschiedene europäische Länder, darunter Spanien, Italien und Frankreich, um die Werke von Meistern der Renaissance und des Barock zu studieren. Er reiste auch nach Mexiko, um sich mit der zeitgenössischen mexikanischen Avantgarde vertraut zu machen. Botero wurde bekannt durch das vielfältige Quellenmaterial, das er verwendete, von kolumbianischen Folklorebildern bis hin zu kanonischen Werken von Diego Velázquez, Pablo Picasso und Francisco de Goya.
In seinen Darstellungen des zeitgenössischen lateinamerikanischen Lebens zeigt er die Armut und Gewalt, die in Kolumbien vorherrschen, in düsteren Bildern sowie in seinen ikonischen übertriebenen Figuren, satirischen Darstellungen lateinamerikanischer Präsidenten, Erster Damen und Regierungsbeamten. Ein Treffen mit Dorothy Miller vom Museum of Modern Art Anfang der 1960er Jahre stellte sich als Wendepunkt in seiner Karriere heraus; sie erwarb seine Arbeiten zu einer Zeit, als die Abstraktion die führende Sprache war, und stellte dann seine Arbeiten in einer wichtigen Ausstellung im Museum aus, was seinen internationalen Ruf festigte.
In den 1970er Jahren zog Botero nach Paris, wo er große Skulpturen von Figuren mit seinen charakteristischen übertriebenen Formen schuf. Er bleibt den Bildern seiner lateinamerikanischen Heimatstadt und offenen politischen Bildern verpflichtet; Seine jüngsten Arbeiten umfassen große Gemälde von Gefangenen in Abu Ghraib als direkte Anspielung auf den Irakkrieg. Botero hat seine Werke im Museum für moderne Kunst in Kopenhagen, im Musée Maillol in Paris, im Palazzo Benezia in Rom, im Ermitage-Museum in St. Petersburg und im Nationalmuseum in Bogotá ausgestellt. Er lebt und arbeitet derzeit in Paris, Monte Carlo und New York.
Botero ist jetzt 80 Jahre alt und so produktiv wie eh und je. Als eifriger Schöpfer hat er Tausende von Gemälden und Hunderte von Skulpturen produziert und wird weiterhin mit seiner persönlichen Note von Menschen und Objekten fesseln. Wie Botero selbst sagt: "Ein Künstler ist nie vollendet."

KUADROS ©, ein berühmtes Gemälde an deiner Wand.