5 Berühmte Maler

Wie in vielen anderen Bereichen wurden historisch gesehen Frauen entmutigt, einer Karriere in den Künsten zu folgen. Viele außergewöhnliche Künstler ignorierten jedoch soziale Regeln und beharrten.

Natürlich würden diese Frauen wahrscheinlich ärgerlich sein, in eine Liste weiblicher Maler aufgenommen zu werden und es vorzuziehen, als Künstler aus ihrem Geschlecht geschätzt zu werden. Leider werden diese außergewöhnlichen Künstler, da Frauen in allen Bereichen weiterhin um Gleichheit kämpfen, häufig in Bezug auf ihr Geschlecht erwähnt.

Ohne Kontroversen einzugehen, wollte Kadros dieser weiblichen Note in der Kunstgeschichte Tribut zollen und sich an diese 5 tugendhaften Kunst erinnern.

Nr. 1 Sofonisba Anguissola - 1532 - 1625

Sofonisba Anguissola (geboren um 1532 in Cremona (Italien), starb im November 1625, Palermo), Maler der Late Renaissance. Der Vater, der in einer relativ armen, edlen Familie geboren wurde, stellte sicher, dass sie und ihre Schwestern eine umfassende Ausbildung hatten, die die bildenden Künste aufnahm. Dies beinhaltete das Lernen mit angesehenen lokalen Malern.

Dies legte einen Präzedenzfall für zukünftige Künstlerinnen aus, die bis zu diesem Moment normalerweise nur erfuhr, ob ein Familienmitglied einen Workshop hatte. Anguissolas Talent erregte die Aufmerksamkeit von Miguel Ángel, mit dem er durch den Austausch von Zeichnungen ein informelles Nachhilfe machte. Obwohl er als Künstlerin aufgrund seiner wahrgenommenen Vulgarität als Künstlerin nicht die Anatomie studieren oder die Zeichnung von Models üben durfte, schaffte er es immer noch, eine erfolgreiche Karriere zu machen.

Anguissola erlebte mit neuen Arten von Porträts und etablierte Themen, oft sie und ihre Familie, informell, was sehr ungewöhnlich war. Seine Bilder gaben den Zuschauern eine Vision des aristokratischen täglichen Lebens.

Er wurde bekannt für diesen Stil und erhielt Provisionen aus ganz Italien.

1558 war sie ein etablierter Maler und verließ Italien, nachdem sie eine Einladung von Felipe II, dem König von Spanien, eingeladen hatte, dem spanischen Hof beizutreten. Er diente in Madrid als Maler des Hofes und Ehre von Königin Elizabeth von Valois. Sie gewann die Bewunderung der jungen Königin und verbrachte in den folgenden Jahren viele offizielle Porträts des Gerichts. Während seiner 14 -jährigen Residenz leitete er die künstlerische Entwicklung von Königin Elizabeth und beeinflusste die Kunst der Töchter der Königin. Sobald die junge Königin 1568 starb, beschloss Felipe II, die Ehe von Anguissola zu organisieren.

1571 heiratete er den edlen sizilianischen Fabrizio Moncada Pignatelli, der sein Gemälde unterstützen soll.

In ihrem 100. Geburtstag nahm ihr Mann ihr Grab mit einem Text auf, der diese Hingabe enthält: Sofonisba, meine Frau, die unter den illustren Frauen der Welt registriert ist und die die Bilder des Mannes darstellen. ORAZIO LOMELLINO, traurig über den Verlust seiner großen Liebe Lomellino, Inschrift im Grab von Anguissola. Der Feminismus der zweiten Welle in den 1970er Jahren entdeckte die Bedeutung von Anguissola wieder.

Sein Erfolg öffnete Frauen wie Lavinia Fontana und Artemisia Gentileschi Türen, um die beruflichen Karriere als Künstler zu folgen.
Es ist bekannt, dass seine Bilder den Geist und die Vitalität ihrer Modelle festhalten und nun in Sammlungen auf der ganzen Welt zu finden sind.

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Nr. 2 Artemisia Gentileschi - 1593 - 1654 oder später

Artemisia Gentilechi (geboren am 8. Juli 1593 in Rom, Päpstliche Staaten (Italien), gestorben 1652/53, Neapel, Königreich von Neapel), italienischer Maler, Tochter von Orazio Gentileschi, der ein großer Erfolger des revolutionären Baroque Painter war Caravaggio

Als Tochter eines vollendeten Malers hatte Artemisia Gentileschi in jungen Jahren Zugang zur Kunstwelt. Zuerst war sie im Workshop ihres Vaters und mischte Gemälde und er unterstützte ihre Karriere, als sie bemerkte, dass sie außergewöhnlich talentiert war. Als bemerkenswerter Maler der italienischen Barockzeit ließ Artemisia Gentileschi ihr Genre nicht ihr Thema aufhalten. Er malte große biblische und mythologische Gemälde mit großem Gewegen sowie seine männlichen Kollegen und war die erste Frau, die in der prestigeträchtigen Akademie der Florenzkunst akzeptiert wurde.

Seine erste bekannte Arbeit ist Susanna und die Alten (1610), eine Arbeit, die seinem Vater lange Zeit erledigt hat. Er malte auch zwei Versionen einer Szene, die bereits von Caravaggio getestet wurde (aber nie von seinem Vater versucht). Judith enthauptet Holofenes (c. 1612–13; c. 1620). Sie wurde von Tassi vergewaltigt und als sie ihr Versprechen, sie zu heiraten, nicht erfüllte, führte ihn Orazio Gentileschi 1612 vor Gericht. Während dieser Veranstaltung musste sie selbst unter Folter erklären.

Sein Vermächtnis wird manchmal von seiner Biographie in den Schatten gestellt, wobei seine blutigen Darstellungen von Judith und Holofernes oft durch die Linse seiner Vergewaltigung interpretiert werden. Sein Talent ist jedoch unbestreitbar und wird weiterhin für seine realistische Darstellung der weiblichen Form, der Tiefe seiner Farben und seiner auffälligen Verwendung von Licht und Schatten anerkannt.

Artemisia ist der berühmteste Maler des 17. Jahrhunderts. Er arbeitete in Rom, Florenz, Venedig, Neapel und London für die höchsten Ebenen der europäischen Gesellschaft, einschließlich des Großherzogs Toskana und Felipe IV von Spanien.

Ab 1630 ließ er sich in Neapel nieder, wo er bis zu seinem Tod eine erfolgreiche Studie leitete. Er besuchte London 1639 kurz, um seinem kranken Vater in der Dachmalerei von La Reinas Haus in Greenwich (jetzt im Marlborough House in London) zu helfen, kehrte aber im folgenden Jahr nach Neapel zurück. Das genaue Datum seines Todes ist unbekannt, aber eine kürzlich entdeckte Dokumentdatensätze, die er im August 1654 noch in Neapel lebte.

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Nr. 3 Judith Leyster - 1609 - 1660

Judith Leyster (getauft am 28. Juli 1609, Haarlem, Neth.-Meeting am 10. Februar 1660, Heemstede in der Nähe von Amsterdam), niederländischer Maler, einer der wenigen Künstlerinnen der Zeit, die zusätzlich aus dem Dunkeln kam, entstanden ein herausragender Charakter während des niederländischen goldenen Zeitalters zu sein. Typisch für niederländische Künstler in dieser Zeit. Er begann zu malen, als er noch sehr jung war, und mit 24 war er Mitglied der Haarlem Painters Guild geworden. Sein Thema umfasste einen Rang, der größer ist als der typische für die niederländischen Maler der Zeit und war einer der ersten, der die Szene des inländischen Genres ausnutzte.

Leyster spezialisiert auf Geschlechtsbilder, stilles Leben und Porträts. Die Details hinter ihrem künstlerischen Training sind nicht klar.
Später leitete er einen erfolgreichen Workshop mit mehreren männlichen Auszubildenden und war durch die entspannte und informelle Natur seiner Porträts bekannt.

Möglicherweise hat er im Frans Hals Store gearbeitet oder laut dem Dichter Samuel Ampzing Zeit mit dem Porträtist Franszonon de Grebber verbracht. Der Einfluss von Hals ist jedoch klar. Ich interessierte mich auch für den dunklen Stil der Utrecht -Schule. Sie stellte leichte Quellen in ihren Gemälden ein. Die meisten seiner datierten Werke wurden zwischen 1629 und 1635 gemalt. 1636 heiratete er den Geschlechtsmaler Janiense Molenaer und zog nach Amsterdam.

Obwohl er während seines Lebens recht erfolgreich war, litt sein Ruf nach seinem Tod aufgrund unglücklicher Umstände. Seine gesamte Arbeit wurde als Arbeit für seine zeitgenössischen Frans Hals oder für seinen Ehemann verabschiedet. In vielen Fällen war sein Unternehmen von Sammlern gedeckt, die aufgrund des hohen Arbeitsmarktwerts von Frans Hals Gewinne erzielen wollten. Erst am Ende des 19. Jahrhunderts wurden diese Fehler entdeckt, und Akademiker begannen, die Fähigkeit von Leyster als Künstler erneut zu schätzen.

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Nr. 4 Elisabeth Vigée Le Brun - 1755 - 1842

Elisabeth Vigée-Lebrun, in seiner Gesamtheit Marie-Louise-Elisabeth Vigée-Lebrun, LeBrun auch LeBrun oder Le Brun (geboren am 16. April 1755, Paris, Frankreich, starb am 30. März 1842, Paris), französischer Maler, einer von den erfolgreichsten weiblichen Künstlern (ungewöhnlich für ihre Zeit), besonders bemerkenswert für ihre Porträts von Frauen.

Als Maler -Tochter erhielt sie frühe Anweisungen von ihrem Vater und malt professionell Porträts als Teenager. Seine großartige berufliche Gelegenheit kam, als sie zum Porträtist von María Antonieta ernannt wurde. Die beiden Frauen wurden Freunde, und in den folgenden Jahren malte Vigée-Lebrun mehr als 20 Porträts von María Antonieta in einer Vielzahl von Posen und Kostümen. Er malte auch eine große Menge von Selbstporträgen im Stil mehrerer Künstler, deren Arbeit er bewunderte. 1783 wurde Vigée-Lebrun aufgrund ihrer Freundschaft mit der Königin in der Royal Academy widerstrebend akzeptiert.

Als die Revolution 1789 ausbrach, verließ er Frankreich und lebte 12 Jahre lang im Ausland, reiste nach Rom, Neapel, Wien, Berlin, St. Petersburg und Moskau, malt Porträts und spielte eine Führungsrolle in der Gesellschaft. 1801 kehrte er nach Paris zurück, aber er mochte das Pariser soziales Leben unter Napoleon nicht, er ging bald nach London, wo er Porträts des Hofes und Lord Byron malte. Später ging er in die Schweiz (und malte ein Porträt von Mme von Staël) und dann wieder (um 1810) nach Paris, wo er bis zu seinem Tod weiter malt. Vigée-Lebrun war eine Frau mit viel Einfallsreichtum und Charme, und ihre Memoiren, Souvenirs de Ma Vie, liefern eine animierte Geschichte ihres Lebens. Es war einer der flüssigsten flüssigen Porträtisten, und seine Bilder falls sich durch seine Frische, seinen Charme und seine Empfindlichkeit der Präsentation ab. Während seiner Karriere malte er nach eigenem Bericht 900 Gemälde, darunter etwa 600 Porträts und etwa 200 Landschaften.

Seine Bilder schließen die Lücke zwischen dem Theaterstil Rococó und der nüchternsten neoklassischen Zeit. Sie genoss den kontinuierlichen Erfolg in ihrer Karriere, selbst im Exil nach der französischen Revolution, da sie eine Lieblingsmaler der Aristokratie in ganz Europa war. Die Teilnehmer genossen ihre Fähigkeit, sie zu beruhigen, was zu Porträts führte, die lebendig waren und die Steifheit fehlten. Die natürliche und entspannte Form seiner Porträts wurde zu einer Zeit als revolutionär angesehen, als das Porträt häufig formale Darstellungen der Hochschichten erforderte.

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Nr. 5 Frida Kahlo - 1907 - 1954

Dies ist vielleicht der berühmteste Fememine -Maler von allen.

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6. Juli 1907- Coyoacán, 13. Juli 1954)

Die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo ist für ihre Selbstporträts, ihren Schmerz und ihre Leidenschaft sowie ihre hellen und mutigen Farben in Erinnerung geblieben. Sie wird in Mexiko für ihre Aufmerksamkeit für die mexikanische und indigene Kultur und von Feministinnen für ihre Beschreibung der Erfahrung und der weiblichen Form gefeiert.

Mit seinem zutiefst persönlichen und symbolischen Werk ist er einer der bekanntesten Künstler des 20. Jahrhunderts geworden. Während eines Großteils seiner Karriere ignorierte er es oft einfach als Diego Riveras Frau, aber die Wertschätzung seiner Bilder ist erst seit den 1970er Jahren gewachsen. Ferazly stolz auf seine mexikanische Identität. Er hat oft vorkolumbianische Symbole in seine Gemälde eingebaut und ist bekannt für sein farbenfrohes mexikanisches Kleid. Kahlo, der in seinem Leben aufgrund eines Busunfalls in seiner Jugend gesundheitliche Probleme hatte, erlitt mehrere Frakturen seiner Wirbelsäule, des Schlüsselbeins und seiner Rippen, eines zerbrochenen Beckens, eines gebrochenen Fußes und einer verrenkten Schulter.

Sie begann sich viel auf das Malen zu konzentrieren, während sie sich mit einem Gips am Körper erholte. In seinem Leben hatte er 30 Operationen. Die Erfahrung des Lebens ist ein häufiges Thema in den ungefähr 200 Gemälden, Skizzen und Zeichnungen von Kahlo. Sein körperlicher und emotionaler Schmerz zeigt sich deutlich in den Leinwänden sowie in ihrer turbulenten Beziehung zu ihrem Ehemann, der Künstlerin Diego Rivera, mit der sie zweimal heiratete. Von seinen 143 Gemälden sind 55 Self -Portraits. Die Zerstörung Ihres Körpers durch den Busunfall ist in der zerbrochenen Spalte in großem Detail. Kahlo ist fast nackt, geteilt durch die Hälfte, wobei seine Wirbelsäule als gebrochene dekorative Säule dargestellt wird. Ihre Haut ist mit Nägeln übersät. Sie ist auch mit einem chirurgischen Gerät ausgestattet.

Frida ist allgemein bekannt für seine marxistischen Neigungen und ist zusammen mit dem revolutionären marxistischen Che Guevara und einer kleinen Gruppe zeitgenössischer Figuren zu einem kontrakulturellen Symbol des 20. Jahrhunderts geworden und hat ein Vermächtnis in dem Gemälde geschaffen, das weiterhin Vorstellungskraft und Geist inspiriert.
Er sah, wie seine blühende Karriere aufgrund seines vorzeitigen Todes im Alter von 47 Jahren unterbrochen wurde. Sein Vermächtnis lebt noch und bleibt eine Ikone vieler feministischer und politischer Bewegungen.

Kuadros ©, eine berühmte Farbe an Ihrer Wand.