Um die wahren Wurzeln und die Bedeutung der lyrischen Abstraktion zu entdecken und zu verstehen, wie sie mit ihren Tendenzen in der Kunst interagiert, müssen wir auf die frühen Tage der abstrakten Kunst schauen.

Die lyrische Abstraktion ist ein scheinbar einfacher Begriff, und doch wurde ihr Ursprung und ihre Bedeutung über Generationen hinweg diskutiert. Der amerikanische Kunstsammler Larry Aldrich verwendete den Begriff 1969, um die Natur mehrerer Werke zu definieren, die er kürzlich gesammelt hatte und die seiner Meinung nach auf eine Rückkehr zur persönlichen Ausdrucksweise und zur Experimentation nach dem Minimalismus hinwiesen.

Aber der französische Kunstkritiker Jean José Marchand verwendete Jahrzehnte zuvor, 1947, eine Abwandlung des Begriffs, Abstraction Lyrique, um auf eine aufkommende europäische Tendenz in der Malerei zu verweisen, die dem abstrakten Expressionismus in den USA ähnlich war. Beide Verwendungen des Begriffs bezogen sich auf Kunst, die durch freie, emotionale und persönliche Kompositionen gekennzeichnet war, die von der objektiven Realität losgelöst waren.

Diese Tendenzen lassen sich jedoch noch weiter zurückverfolgen, mindestens bis in das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts in der Arbeit von Wassily Kandinsky.

Die lyrische Abstraktion - erste Schritte

Wassily Kandinsky 1911, Composition No. 4

Obwohl man sagen kann, dass der russische Maler Wassily Kandinsky (1866-1944) ein Pionier der eleganten Kombination von Narration, Form und Farbe war, die die Basis der lyrischen Abstraktion bildet, entstand die Tendenz in einer Ausstellung mit dem Titel "L'Imaginaire", die 1947 in der Galerie du Luxembourg in Paris stattfand und Werke von Hans Hartung, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) und Jean-Paul Riopelle sowie anderen einschloss.

Der aktuelle Begriff "Abstraktion Lyrique" wurde vom französischen Maler und Mitorganisator der Ausstellung Georges Mathieu (1921-2012) geprägt, während sein Kollege, der Kurator Jose-Jean-Marchand, schrieb, dass einige der ausstellten Werke "einen Lyrismus zeigten, der von jeglicher Knechtschaft losgelöst war ...", was bedeutete, dass die Gemälde nicht von dem Gewicht der intellektuellen Theorie abgeleitet oder belastet waren.

Das Lyrische in der lyrischen Abstraktion suchen

In den 1910er Jahren flirteten verschiedene Gruppen von Künstlern mit dem Konzept der lyrischen Abstraktion, jeder aus einer einzigartigen Perspektive. Die kubistischen und futuristischen Künstler arbeiteten mit Bildern aus der realen Welt und modifizierten sie konzeptionell, um abstrakte Ideen auszudrücken. Suprematistische und konstruktivistische Künstler arbeiteten mit erkennbaren Formen in ihrer Kunst, verwendeten diese jedoch auf mehrdeutige oder symbolische Weise oder auf eine Art und Weise, die versuchte, Universalitäten zu vermitteln.

Aber eine andere Gruppe von Künstlern näherte sich der Abstraktion aus einem ganz anderen Blickwinkel als der Rest.

Diese Gruppe, personifiziert durch Wassily Kandinsky, betrachtete die Abstraktion aus der Perspektive, dass sie nicht wussten, welche Bedeutung das, was sie malten, haben könnte. Sie hofften, dass sie durch freies Malen, ohne vorgefasste Vorstellungen von Ästhetik oder der objektiven Welt, etwas Unbekanntes durch ihre Arbeit ausdrücken könnten. Kandinsky verglich seine Gemälde mit musikalischen Kompositionen, die Emotionen auf eine ganz abstrakte Weise kommunizierten. Seine abstrakten Gemälde waren einfallsreich, emotional, expressiv, persönlich, leidenschaftlich und vollständig subjektiv; in anderen Worten, lyrisch.

Merkmale der lyrischen Abstraktion: Verwirrung der Stile

"Erleuchtete Männer", Taro Okamoto (1955), Nationalmuseum für moderne Kunst, Tokio

Theoretisch war das Art Informel die Hauptbewegung, die zahlreiche Substile und Subgruppen umfasste, wie Forces Nouvelles, CoBrA, Tachisme, Art Brut, Art Non Figuratif und die lyrische Abstraktion. Alle diese Schulen waren abstrakt oder zumindest semi-abstrakt und lehnten sowohl geometrische Abstraktion als auch Naturalismus und figürliche Genres ab. Alle Künstler suchten nach einem neuen und spontanen Malstil, frei von vergangenen Theorien oder gegenwärtigen Konventionen. Trotz alledem waren viele abstrakte Maler der Zeit Mitglieder einer oder mehrerer dieser Subbewegungen, sodass es fast unmöglich ist, die Gemälde, die zu jeder dieser Bewegungen gehören, mit Autorität zu identifizieren.

Nachkriegslyrische Abstraktion

De Stijl, Medium

Die lyrische Abstraktion von Kandinsky kontrastierte mit vielen der anderen Tendenzen der abstrakten Kunst der 1920er und 1930er Jahre. Seine Kunst war nicht spezifisch mit einer Religion verbunden, aber es gab etwas Offensichtliches Spirituelles darin. Andere Künstler, die mit Stilen wie De Stijl, Art Concrete und Surrealismus assoziiert wurden, schufen Kunst, die sekular war und sich gut für eine objektive akademische Interpretation eignete. Kandinsky suchte nach etwas, das niemals vollständig definiert oder erklärt werden konnte. Er brachte offen seine persönliche Verbindung zu den Mysterien des Universums zum Ausdruck. Es war, als hätte er eine Art spirituellen Existenzialismus erfunden.

Der Existenzialismus war eine Philosophie, die nach dem Zweiten Weltkrieg an Bedeutung gewann, als die Menschen versuchten, das zu verstehen, was sie als Sinnlosigkeit des Lebens wahrnahmen. Kritische Denker konnten nicht glauben, dass es eine höhere Macht geben konnte, die die Art von Zerstörung erlaubte, die sie gerade erlebt hatten. Aber anstatt in der offensichtlichen Abwesenheit Gottes nihilistisch zu werden, versuchten die Existenzialisten, sich durch die allgemeine Sinnlosigkeit des Lebens einen Weg zu bahnen und eine persönliche Bedeutung zu finden. Wie der existenzialistische Autor Jean-Paul Sartre in seinem Buch Das Sein und das Nichts von 1943 schrieb: „Der Mensch ist verurteilt, frei zu sein; er ist verantwortlich für alles, was er tut.“ Die Suche nach dem, was im Wesentlichen persönlich ist, war grundlegend für den Existenzialismus und auch für das weit verbreitete Wiederaufleben der lyrischen Abstraktion nach dem Zweiten Weltkrieg.

Andere Namen, die mit der lyrischen Abstraktion verbunden sind

In den 1940er und 1950er Jahren tauchten zahlreiche Bewegungen der abstrakten Kunst auf, die in irgendeiner Form den subjektiven persönlichen Ausdruck als Grundlage für die Bedeutung im Kunstwerk beinhalteten. Abstraktion Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, abstrakter Expressionismus, Color Field art und sogar Konzeptkunst und Performancekunst, alle gehen bis zu einem gewissen Grad auf dieselbe allgemeine existenzielle Suche zurück. Einer der einflussreichsten Kunstkritiker dieser Zeit, Harold Rosenberg, verstand dies, als er schrieb: „Heute muss jeder Künstler sich verpflichten, sich selbst zu erfinden... Die Bedeutung der Kunst in unserer Zeit fließt aus dieser Funktion der Selbstschöpfung.“

Doch als sich die Kultur mit der nächsten Generation veränderte, fielen viele dieser existenziellen Tendenzen in der Kunst in Ungnade. Und einmal mehr nahm ein geometrischer, konkreter und gefühlloser Ansatz zur abstrakten Kunst, personifiziert durch den Minimalismus, ihren Platz ein.

Doch nicht alle Künstler verließen die lyrische Tradition. Ende der 1960er Jahre hatte sich das Tide erneut gewendet. Wie Larry Aldrich feststellte, der den Begriff lyrische Abstraktion 1969 wieder aufnahm, „Zu Beginn der vergangenen Saison wurde deutlich, dass es in der Malerei eine Bewegung gab, die sich von dem Geometrischen, Harten und Minimalistischen wegbewegte, hin zu den lyrischeren, sinnlichen Abstraktionen, romantisch in weicheren und lebendigeren Farben... Die Berührung des Künstlers ist bei dieser Art von Malerei immer sichtbar, selbst wenn die Gemälde mit Sprühpistolen, Schwämmen oder anderen Objekten erstellt werden.“

Zeitgenössische lyrische Abstraktion

Jimenez-Balaguer, Detail

Es ist offensichtlich, dass die Tendenzen, die die lyrische Abstraktion definieren, wie es oft bei Kunstbewegungen der Fall ist, der Prägung des Begriffs vorausgingen. In den frühen Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts verkörperten Künstler wie Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee und Wols erstmals die lyrischen Tendenzen in der Abstraktion. Und Jahrzehnte später trugen Künstler wie Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages und Joan Mitchell diese weiter. Dann, Ende der 1960er und 1970er Jahre, revitalisierten und erweiterten Künstler wie Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko und Dutzende andere die Relevanz des Stils.

2015 verstarb eine der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen lyrischen Abstraktion, der spanische Künstler Laurent Jiménez-Balaguer. Doch seine Konzepte, Theorien und Techniken manifestieren sich weiterhin kraftvoll in den Arbeiten von Künstlern wie Margaret Neill, deren instinctiven Kompositionen aus ineinander verwobenen lyrischen Linien den Betrachter zu einer subjektiven Teilnahme am persönlichen Sinn einladen, und von Ellen Priest, deren Arbeiten ihre ästhetische Konversation mit der Jazzmusik lebendig machen. Was all diese Künstler in einem gemeinsamen Band vereint, ist die grundlegende Suche nach der lyrischen Abstraktion: etwas Persönliches, Subjektives und Emotionales auszudrücken und dies auf eine poetische und abstrakte Weise zu tun.

Amerikanische lyrische Abstraktion (1960, 1970)

Helen Frankenthaler, Madame Butterfly

Eine Bewegung, die als lyrische Abstraktion bekannt wurde, entstand in den Vereinigten Staaten während der 1960er und 1970er Jahre, als Antwort auf das Wachstum des Minimalismus und der Konzeptkunst. Zahlreiche Maler begannen, sich von geometrischen, präzisen, kantenscharfen und minimalistischen Stilen wegzubewegen hin zu einem harmonischeren und malerischen Stil, der reiche und sinnliche Farben verwendete. Sie strebten an, die ästhetischen Prinzipien wiederherzustellen, anstatt mit einer spontanen sozialpolitischen Ikonographie fortzufahren. Diese amerikanische Form der lyrischen Abstraktion wird in den Werken von Helen Frankenthaler (geb. 1928) und Jules Olitski (1922-2007) verkörpert, unter anderen. Eine Ausstellung mit dem Titel "Lyrische Abstraktion" fand im Whitney Museum of American Art von Mai bis Juli 1971 statt.

In diesem Zeitraum gab es jedoch mehrere ähnliche Variationen des abstrakten Expressionismus der zweiten Generation (postmalerische Abstraktion). Und obwohl es klare theoretische Unterscheidungen zwischen Color Field Painting, Hard Edge Painting, Color Stain Painting und Lyrical Abstraction gab, sind diese Differenzierungspunkte für das bloße Auge keineswegs offensichtlich.

Gemälde der Bewegung der lyrischen Abstraktion hängen heute in den besten Kunstmuseen der Welt.

Die lyrische Abstraktion - ästhetischer und philosophischer Sinn

Jean Paul Riopelle

Die lyrische Abstraktion war keine spezifische Schule oder Bewegung, sondern eher eine Tendenz innerhalb des Art Informel. Betrachten Sie es als einen ausgewogenen, eleganten (manchmal lebhaften, manchmal beruhigenden) Stil der abstrakten Kunst, der fast immer mit Inhalten aus der natürlichen Welt beladen ist.

Sie wird oft von einer üppigen Farbe umrahmt, ihre harmonische und malerische Schönheit kann im Kontrast zu den harten, gequälten und dissonanten Bildern stehen, die von anderen Gruppen des Art Informel wie Cobra oder kürzlich Neo-Expressionisten produziert werden.

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