Ein Nachmittag in Amsterdam öffnete ich eine Tür, die wie eine Schulwerkstatt aussah. Dahinter brüllte ein Wandbild mit dicken Strichen, Kreaturen und Buchstaben, als hätten die Farben beschlossen, ohne um Erlaubnis zu bitten, zu sprechen.
Es war die Unterschrift eines Jungen, der noch nicht wusste, dass er zu Appel werden würde, einem der Namen, die das europäische Nachkriegsgeschehen entfachen würden. CoBrA — das Akronym, das Copenhagen, Brüssel und Amsterdam vereint — war keine gewöhnliche Bewegung; es war eine lebenswichtige Verschwörung, um die Spielkraft zurückzugewinnen, als Europa noch nach Kohle und Asche roch.
Während die Kunstwelt darüber debattierte, wie sie ihr Haus mit rationalen Regeln wieder aufbauen könnte, malten sie wie jemand, der mit einem Hammer Fenster öffnet. Und deshalb fühlt sich CoBrA heute, wenn die Malerei wieder zwischen dem Korrekten und dem Berechneten schwankt, seltsam neu an. Viele kommen zu CoBrA von dem feierlichen Weg der Avantgarden. Sie wollen Erklärungen und Manifestos wie die der Bauhaus (ja, wir werden zu ihr zurückkehren: zu ihrer geometrischen Ordnung, ihrer Pädagogik und ihrem Design der modernen Welt) finden, aber hier gibt es nur Lehm, Lachen, Wirtshauslieder und ein ikonografisches Repertoire, das keine Angst vor Katzen, Vögeln, roten Sonnen und Wesen hat, die sich zu erfinden scheinen, während sie gezeichnet werden.
Wenn das Bauhaus ordnete, dann störte CoBrA; wenn der Internationale Stil polierte, kratzten sie; wenn die Kunst der „Vernunft“ eine saubere Zukunft versprach, erinnerte CoBrA daran, dass das Leben eine Mischung ist: Flecken, Stolperer, glückliche Durchstreichungen. In der Geschichte der modernen Kunst ist diese Spannung kein Farbton: sie ist der eigene Puls.
Der Funke entzündete sich 1948 mit einem Bündnis, das heute legendär klingt: Asger Jorn aus Kopenhagen, Constant, Karel Appel und Corneille aus Amsterdam, mit der poetischen und kritischen Rückendeckung von Christian Dotremont in Brüssel, und einem Chor von Stimmen, der Egill Jacobsen, Carl-Henning Pedersen, Else Alfelt, Pierre Alechinsky (1949), Ernest Mancoba, Jacques Doucet und andere Unermüdliche umfasste. Das Etikett „experimentell“ war entscheidend: wichtiger als das Ergebnis war der Weg, die Geste, die Überraschung. Als Kinder lernten sie zu malen; als Erwachsene erinnerten sie sich, wie. Die Kritik beschuldigte sie, Randalierer zu sein und die Museen „zu verschmutzen“, aber für eine erschöpfte Generation öffneten diese Monster und Gelächter eine Tür zur Freude.
Die CoBrA arbeiteten kollektiv, teilten Wände und Papiere, schrieben auf die Leinwände der anderen und wagten es, Stücke auszustellen, die noch feucht waren. Die Farbe hatte keine Hierarchie. Die Linie auch nicht. Ein Tier konnte ein Selbstporträt sein; ein Haus, ein Schrei; eine Sonne, ein Trommel. Das Material — Sand, Kreide, dicke Ölfarbe — war Teil der Erzählung. Was zählte, war das Gefühl, dass Malen nützlich war, um zu leben. Und dieses „nützlich“ — so einfach — ist der Schlüssel zu ihrer Aktualität.
Erlaube mir, es von innen zu erzählen, wie man Reisen erzählt. Auf dem Gaumen von CoBrA bleiben drei Geschmäcker. Der erste: das Lachen mit Zähnen, eine Mischung aus Humor und Wildheit, die man bei Jorn sieht, wenn er sich über den Kult der Perfektion lustig macht. Der zweite: das domestizierte Bestiarium von Appel und Corneille, diese Wesen mit Flügeln, die aus der Ofentür zu kommen scheinen. Der dritte: die Freiheit ohne Erlaubnis von Constant, der bereits von ludischen Städten träumte. Darunter ein gemeinsamer Boden: die Faszination für Kinder- und Volkskunst — und natürlich für nordische Traditionen, für afrikanische Grafiken, für Straßentattoos. Wenn wir dazu eine gemeinsame Ethik hinzufügen ("lieber erlebe ich es als dass ich es richtig mache"), haben wir das Rezept CoBrA. Und doch dauerte CoBrA als Gruppe nicht lange (1948–1951). Warum pulsiert es weiter? Weil es mehr als ein Stil war, es war eine Art, in der Welt zu sein. Jorn fand in der Lache eine Philosophie; Constant stellte New Babylon vor, eine Stadt zum Spielen; Appel brachte den Schrei nach New York; Alechinsky zeichnete Kalligraphien um ein vulkanisches Zentrum; Corneille blieb für immer mit seiner Frau-Vogel und seiner runden Sonne; Pedersen malte Galaxien, als wären sie Höfen; Jacobsen verwandelte Masken in Alphabete; Mancoba installierte eine menschliche, stille und feste Vertikale, die Jahrzehnte überbrückt. Die Liste, wie die Bewegung, ist offen. Was folgt, ist kein Katalog oder Enzyklopädie, sondern ein geführter Spaziergang: zehn Werke, um durch die große Tür einzutreten und mit den Fingern — ja, mit den Fingern — die CoBrA-Energie zu berühren. Wenn es ein Produktblatt in KUADROS für das Werk gibt, verlinke ich es; wenn nicht, vertrauen Sie auf sein Auge und bewahren Sie den Wunsch: In unserer Werkstatt malen wir handgemachte Ölgemälde auf rechtlichen Auftrag von jedem verfügbaren Werk im öffentlichen Bereich oder autorisiert. Manchmal braucht ein Bild Jahrzehnte, um an seine Wand zu gelangen; das Wichtigste ist, dass es den Weg findet.
Das europäische Nachkriegstrauma als malerisches Verlangen: hybride Kreaturen, Treppen und Fenster wie Notausgänge; Rot, Weiß und Blau, die eine Flagge andeuten, sich aber weigern, sich auszurichten. Constant malte dies mit der Dringlichkeit dessen, der gerade ein Tor aufgestoßen hat: Freiheit nicht als Parole, sondern als Praxis. (Tate Modern Sammlung.)
In der Nachkriegszeit gemalt, antizipiert dieses Werk Constants Bruch mit der traditionellen Malerei und seine Wendung zu einer utopischen Vision des Menschen, der von der bürgerlichen Ordnung befreit ist. Es ist wichtig, weil es den Beginn der Ideen markiert, die in die CoBrA-Bewegung und später in das Projekt New Babylon münden, wo Kunst als Werkzeug zur sozialen und kreativen Emanzipation konzipiert wird.
Das Wandgemälde, das Kontroversen auslöste: Köpfe, die Trommeln sind, Augen-Buttons, Münder-Trichter, die dicke Geste der Hände auf dem Holz. Die Kindheit hier ist kein Thema: sie ist Methode. Es wird als offene Frage gemalt, ohne den Zwang des "richtigen" Strichs. Appel erklärte später: "Ich male wie ein Barbar." Willkommen.
Dieses Gemälde verkörpert den radikalen Geist der CoBrA-Bewegung, indem es eine rohe, kindliche und scheinbar primitive Ästhetik annimmt, als bewusste Ablehnung des Akademismus und der Vernunft, die zum Krieg geführt hatte. Es war wichtig, weil es die Figur des Kindes als Symbol für kreative Freiheit, Spontaneität und emotionale Wahrheit bestätigte und eine der erkennbarsten und provokantesten Sprachen der europäischen Nachkriegskunst etablierte.
Kind und Tier verschmolzen in einem einzigen Schlag, als würde Appel sagen: Das Menschliche und das Tierische sind Verwandte. Die Zeichnung drängt die Farbe, die Farbe verschlingt die Zeichnung. CoBrA in reinster Form: die Linie erfindet die Anatomie.
In diesem Werk intensiviert Appel das primitive und expressive Imaginäre von CoBrA, indem er die Kinderfigur mit der Tierfigur verbindet und die Grenze zwischen Instinkt und Bewusstsein verwischt. Es ist wichtig, weil es die Idee der Kreativität als wilde und befreiende Kraft bis zum Äußersten führt und eine bildnerische Sprache festigt, die die kulturellen Normen herausfordert und die rohe Energie als Motor der modernen Nachkriegs Kunst feiert.
Ein Brief, der nicht gelesen wird: man hört ihn. Gesichter, die aus der Dichte auftauchen, Lachen und Grimassen, Kreise wie Riesenräder. Jorn, mit seinem feierlichen Humor, lehrt, dass die Malerei ohne Wortschatz „sagen“ kann. Wenn die lyrische Abstraktion atmet, keucht dieses Bild.
Dieses Werk kombiniert spontane Gesten und intime Symbolik, um die Malerei zu einem Akt emotionaler Kommunikation zu machen, mehr als zu einer formalen Darstellung. Es ist wichtig, weil es die Reife von Jorns Denken nach CoBrA widerspiegelt und die Kunst als freie, persönliche und gefühlvolle Sprache verteidigt, im Gegensatz zur übermäßigen Rationalisierung der modernen Kunst und der zeitgenössischen Gesellschaft.
Ein Zentrum, das brüllt, und darum herum Vignetten wie Randnotizen; Kalligrafie, die nicht den Osten imitiert, sondern seine Musik hört und sie zu einem Fluss macht. Alechinsky zeigt, dass der CoBrA-Geist auf der Seite, am Rand und im arabesken Denken überlebt.
In diesem Werk verwandelt Alechinsky die urbane Karte in ein Feld von Zeichen, Gesten und grafischen Erzählungen kaligrafischer Inspiration. Es ist wichtig, weil es seine reife Sprache festigt, in der Malerei und Zeichnung verschmelzen, und weil es eine neue Art der Darstellung der Stadt einführt, nicht als rationalen Raum, sondern als lebendigen, chaotischen und poetischen Organismus.
Eine Maske ohne Theater: Augen, Schnäbel und Zeichen, die wie Buchstaben eines archaischen Alphabets erscheinen. Jacobsen illustriert keine Masken: er denkt mit ihnen. Plötzlich wird die Malerei zum häuslichen Ritual.
Dieses Werk synthetisiert Jacobsens Interesse an archaischen Formen und totemischen Motiven, reduziert auf eine abstrakte Sprache, die von der expressiven Kraft der Farbe dominiert wird. Es ist wichtig, weil es dazu beiträgt, die europäische Nachkriegsabstraktion aus einer symbolischen und archaischen Dimension neu zu definieren und direkt die Sensibilität der CoBrA-Gruppe und deren Ablehnung rein rationaler Abstraktion zu beeinflussen.
Pedersen schaute gerne in den Himmel, als wäre er ein Hinterhof. Seine gelben Figuren sind Drachen: Sie schweben, trotten, singen. Man versteht, dass das Universum eine Küchenskala haben kann. So ist die Poesie CoBrA: astronomisch und hausgemacht.
Dieses Gemälde präsentiert ein fantastisches Universum, bevölkert von leuchtenden Figuren und symbolischen Erzählungen mit mythischen und kindlichen Wurzeln. Es ist wichtig, weil es die poetischste und traumhafte Seite von CoBrA veranschaulicht und die Malerei als Raum für freie Vorstellungskraft bekräftigt, fernab von Realismus und den formalen Konventionen der modernen Kunst.
Ein Vogel, der Nachrichten bringt, und eine Frau, die Landschaft ist: Corneille erfindet eine intime Geografie, in der Rot und Blau einen Pakt schließen. Die Welt passt für einen Moment in eine Küche mit Fenster und Sonne.
Das Werk evoziert eine primäre und symbolische Welt, in der das Tier als Träger von Leben, Freiheit und Transformation erscheint. Es ist wichtig, weil es die lyrischste und archetypischste Dimension von CoBrA widerspiegelt, indem es Natur, Instinkt und Mythos in eine spontane bildnerische Sprache integriert, die die rationale Logik ablehnt und die Vorstellungskraft als ursprüngliche Kraft der Kunst feiert.
Eine menschliche Vertikale – ein „jemand“ ohne Namen – zittert in der Mitte der Leinwand. Weder Figur noch reines Zeichen: Präsenz. Mancoba bringt CoBrA eine Ethik der Form, die auch Geschichte ist: eine Geste der Würde, die Europa und Afrika, die Werkstatt und die Stadt durchdringt.
Dieses Werk artikuliert eine spirituelle und humanistische Abstraktion, in der die Figur sich in organischen Rhythmen und Spannungen auflöst. Es ist wichtig, weil Mancoba eine ethische und universelle Dimension in den Kontext von CoBrA und der europäischen Abstraktion einführt und Modernität, Identität und menschliche Erfahrung jenseits kultureller oder stilistischer Grenzen verbindet.
Sterne, Flecken, ein Tier, das ein Drache sein könnte. Brands brachte die Kinderwelt in die Dunkelkammer des Ateliers und ließ sie atmen. Seine Lektion: Die spielende Hand ist ein Werkzeug des Denkens.
Dieses Werk spiegelt Brands' frühe Suche nach einer spontanen bildnerischen Sprache wider, beeinflusst von Kinderzeichnungen und primitiver Imaginerie. Es ist wichtig, weil es den Übergang zur Ästhetik von CoBrA markiert, wo die Komposition aufhört, eine formale Übung zu sein, und zu einem direkten, intuitiven und vitalen Ausdruck menschlicher Erfahrung wird.
Ich habe diese Werke in feierlichen Sälen hängen sehen und ich habe schiefe Reproduktionen in Studentenbars gesehen: in beiden Fällen funktionieren sie. Teil des Wunders CoBrA ist ihre Widerstandsfähigkeit gegen den Rahmen. Sie "fragen nicht um Erlaubnis" bei der Kritik und erschöpfen sich nicht in historischen Anekdoten; sie bewahren die Neuheit, weil sie von einem Ort aus gemacht sind, der nicht altert: die Mischung aus Impuls und Bewusstsein. Vielleicht entdeckt man deshalb, wenn man zu ihnen zurückkehrt, kleine Taktiken des Ungehorsams, die auch heute noch nützlich sind. Wie schafft es Constant, dass eine Treppe zu einem Manifest wird? Wie gelingt es Appel, dass ein Knopfauge das Wort ergreift? Wie gelingt es Mancoba, eine Figur im Zentrum zu platzieren, ohne dass es einer Aufdringlichkeit bedarf?
Hier taucht die pädagogische Frage auf — die gleiche, die uns in KUADROS verfolgt, wenn wir an Ölgemälde und Gemälde-Reproduktionen denken: Was bedeutet „Treue“ in Werken, die gegen die Korrektur geboren wurden? Meine Antwort, nachdem ich unsere Künstler gesehen habe, die Schicht um Schicht Pigment auftragen, ist einfach: es bedeutet den Impuls zu respektieren. Es geht nicht darum, die Verdrehung des Strichs zu kopieren, sondern zu verstehen, warum er sich verdrehte. Und dieses „warum“ hört man in den Stille: der unbemalte Rand, der Tropfen, der weiter herunterlief, die unvollkommene Begegnung zwischen zwei Farben, die niemals hätten gemischt werden dürfen… und doch haben sie sich gemischt.
Im Gegensatz zu CoBrA schlägt die Bauhaus — die in so vielen Designstudien beschworen wird — eine andere Musik vor. Ihre ist die Partitur der Ordnung: Raster, Typografie, das berühmte „weniger ist mehr“. Da ist Schönheit und es gibt eine Ethik, die ich bewundere, aber man sollte die Ziele nicht verwechseln: die Bauhaus suchte eine funktionale Welt; CoBrA, eine lebendige Welt. Der eine organisiert; der andere desorganisiert, um Raum zu schaffen. Der eine stellt sich das perfekte Haus vor; der andere lehrt, es wieder zu bewohnen. Für einen Leser, der heute Kunst und Kultur erkundet, ist es nicht optional, beide Wege zu kennen: es ist die sentimentale Bildung des 20. Jahrhunderts und, so wage ich zu sagen, des heutigen.
Wenn Sie Gemälde sammeln — oder davon träumen, zu beginnen —, bietet CoBrA eine Bibliothek voller Möglichkeiten. Ein Großformatgemälde mit wildem Humor? Jorn. Dicke Farben und Fabelwesen? Appel und Corneille. Kalligrafien, die um ein Zentrum atmen? Alechinsky. Masken und Zeichen, die Grammatiken erfinden? Jacobsen. Häusliche Galaxien? Pedersen. Eine Figur, die mit einem Strich in ihrer Menschlichkeit steht? Mancoba. Das niederländische Echo, intim und stellar? Brands. Und wenn Sie eine Öl-Replik von Hand für Ihr Zuhause möchten, fragen Sie uns; in KUADROS arbeiten wir mit Reproduktionen von Gemälden in Museumsqualität, respektieren, was von der Lizenz und der Quelle möglich ist, und bewahren vor allem diese seltene Wahrheit: dass ein Bild an der Wand ein Leben verbessern kann.
CoBrA war kurz, ja, aber ihr Gespräch endete nicht. Von Zeit zu Zeit höre ich jemanden wiederholen, dass die Malerei tot sei; dann erscheint ein Kind mit einem roten Bleistift, ein Poet, der Logogramme in die Ränder zeichnet, ein Hund, der die Sonne von Corneille vom Küchenboden aus betrachtet, und die Malerei beginnt von Neuem. Manchmal muss man studieren; manchmal reicht es, sich zu trauen. CoBrA wählte das Letztere, um dem Ersteren die Hand zu geben. Das ist ihr Erbe. Und ihre Freude.
—Vom Atelier und den Museen, mit der Dankbarkeit von jemandem, der immer noch lernt, mit einem Pinsel zu widersprechen.
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