Die Grundlagen der Kunstgeschichte reichen bis zu Zehntausenden von Jahren zurück, als alte Zivilisationen die verfügbaren Techniken und Mittel nutzen, um kulturell bedeutende Themen darzustellen. Aus diesen frühen Beispielen sind zahlreiche Kunstbewegungen hervorgegangen, von denen jede ihren eigenen Stil und ihre eigenen charakteristischen Merkmale hat, die die politischen und sozialen Einflüsse ihrer Zeit widerspiegeln.
Was bedeutet Fauvismus und worum geht es in der Konzeptkunst? Über Kunst zu sprechen ist eine eigene Disziplin, und wenn du neu in dieser Welt bist, hast du wahrscheinlich viele Fragen, insbesondere zu jeder Bewegung und den verschiedenen Arten von Kunst.
Einflussreiche Kunstgattungen vom Renaissance bis zum Aufkommen des Modernismus haben einen unauslöschlichen Eindruck in der Geschichte hinterlassen.
Wenn wir die Konzepte über die Geschichte und die Bedeutung der Kunstbewegungen klar haben, werden wir ein tieferes Verständnis dafür haben, wie berühmte Künstler wie Van Gogh, Picasso und Warhol die Kunstwelt revolutionierten.
Kuadros hat für dich eine Liste der wichtigsten Bewegungen vorbereitet.
Nr. 1 Italienische Renaissance (1400–1550)
Einige Exponenten: Portale von Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Raphael.
Gegen Ende des 14. Jahrhunderts erklärte eine Gruppe italienischer Denker, dass sie in einer neuen Ära lebten. Die dunkle und barbarische „Mittelalter“ war zu Ende; eine „rinascità“ („Wiedergeburt“) des Wissens, der Literatur, der Kunst und der Kultur begann. Dies war der Beginn der Zeit, die heute als die Renaissance bekannt ist. Über Jahrhunderte hinweg waren sich die Gelehrten einig, dass die italienische Renaissance folgendermaßen stattfand: Zwischen dem 14. und 17. Jahrhundert ersetzte eine moderne Denkweise über die Welt und den Platz des Menschen darin die alten Ideen. Viele der wissenschaftlichen, künstlerischen und kulturellen Errungenschaften dieser Zeit teilen gemeinsame Themen, insbesondere den humanistischen Glauben, dass der Mensch das Zentrum seines eigenen Universums ist.
Italien im 15. Jahrhundert war anders als jeder andere Ort in Europa. Es war in unabhängige Stadtstaaten unterteilt, jede mit eigener Regierung. Florenz, wo die italienische Renaissance begann, war eine unabhängige Republik und ein Handels- und Bankzentrum. Die wohlhabenden Florentiner zeigten ihre Macht, indem sie Künstler und Intellektuelle unterstützten und die Stadt zum kulturellen Zentrum Europas und der Renaissance machten.
Die Renaissance wird in zwei Hauptteile unterteilt:
Während der frühen Renaissance begannen die Künstler, den byzantinischen Stil der religiösen Malerei abzulehnen und strebten danach, Realismus in der Darstellung der menschlichen Form und des Raums zu schaffen. Dieses Ziel begann mit Cimabue und Giotto und erreichte seinen Höhepunkt mit Künstlern wie Andrea Mantegna und Paolo Uccello. Obwohl die Religion im täglichen Leben weiterhin wichtig war, trat auch das mythologische Thema hervor. Viele betrachten Die Geburt der Venus von Botticelli als das erste Tafelbild einer mythologischen Szene.
Der Zeitraum, der als Hochrenaissance bekannt ist, stellt den Höhepunkt der Ziele der frühen Renaissance dar. Zu den bedeutendsten Künstlern gehören Leonardo da Vinci, Raphael, Tizian und Michelangelo. Ihre Gemälde und Fresken gehören zu den bekanntesten Werken der Welt, wie Das letzte Abendmahl, Die Schule von Athen und die Deckenmalereien der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo.
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Nr. 2 Barock (1600–1750)
Einige Exponenten: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Schloss Versailles.
Der Begriff Barock stammt wahrscheinlich vom italienischen "barocco", das im Mittelalter verwendet wurde, um logische Hindernisse zu beschreiben. Später kam es dazu, komplexe Ideen oder verdrehte Denkprozesse zu bedeuten. Eine mögliche andere Quelle ist das portugiesische "barroco" (Spanisch "barrueco"), das eine unregelmäßige oder unvollkommene Perle beschreibt. Der Barock ist eine Kunst- und Architekturbewegung, die in Europa von den frühen 17. Jahrhunderts bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts entwickelt wurde. Sie betont dramatische und übertreibende Bewegung und klare Details, um Drama, Spannung, Üppigkeit und Großartigkeit zu erzeugen.
Die ersten Manifestationen traten in Italien in den letzten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts auf, während in Regionen wie Deutschland und dem kolonialen Südamerika bestimmte Höhepunkte des Barock erst im 18. Jahrhundert auftraten.
Die Künstler beleben die Ideale von Schönheit der Renaissance wieder und durchdringen die Kunstwerke, die Musik und die Architektur mit einer neuen Extravaganz und Ornamentik. Dieser Stil, bekannt als Barock, zeichnete sich durch innovative Techniken und ausgefeilte Details aus und bot eine üppige visuelle Sprache in einem relativ gemäßigten Zeitraum für die Kunst. Der Barock breitete sich in ganz Europa aus und wurde vom Papst in Rom und von katholischen Herrschern in Italien, Frankreich, Spanien und Flandern gefördert. Es wurde noch weiter durch religiöse Orden in Klöstern und Konventen verbreitet.
Der aufkommende barocke Stil war sowohl sinnlich als auch spirituell. Eine naturalistische Behandlung machte religiöse Bilder zugänglicher, während dramatische und illusorische Effekte Mitleid erregten und den göttlichen Glanz übertrugen. Die Decken der Kirchen lösten sich in gemalten Szenen auf, die die Sinne in das Himmelreich lenkten.
Obwohl Thema und Stil zwischen den barocken Gemälden variieren können, teilen die meisten das Drama als gemeinsames Element. In den Werken von Künstlern wie Caravaggio und Rembrandt manifestiert sich das Interesse an Drama in intensiven Kontrasten von Licht und Schatten.
Der große Meister der von den Spaniern regierten katholischen Region war der Maler Peter Paul Rubens, dessen dynamische Kompositionen und kraftvolle Figuren das Inbegriff der barocken Malerei sind. Die eleganten Porträts von Anthony van Dyck und die soliden Werke von Jacob Jordaens folgten seinem Beispiel. Die Kunst in den Niederlanden war von den realistischen Vorlieben der Mittelschicht beeinflusst, sodass Künstler wie Rembrandt und Frans Hals in wichtigen Aspekten unabhängig vom barocken Stil blieben. Dennoch hatte der Barock einen bemerkenswerten Einfluss in England, insbesondere in den Kirchen und Palästen, die von Sir Christopher Wren und Sir John Vanbrugh entworfen wurden.
Ähnlich wie die Statuen der Renaissance, wie der ikonische David von Michelangelo, sollten barocke Skulpturen oft majestätische Gebäude und andere großartige Szenarien schmücken, wie Inneneinrichtungen von Kirchen und königliche Gärten.
Die letzte Blüte des Barocks fand im Süden Deutschlands und in Österreich statt, wo einheimische Architekten in den 1720er Jahren von den italienischen Modellen abwichen.
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Nr. 3 Realismus (1848–1900)
Einige Exponenten: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Der Realismus ist die präzise, detaillierte und ungeschönte Darstellung der Natur oder des zeitgenössischen Lebens. Er lehnt die Idealisierung zugunsten einer genauen Beobachtung der äußeren Erscheinungen ab. Daher hat der Realismus viele künstlerische Strömungen in verschiedenen Zivilisationen umfasst. In den bildenden Künsten kann er beispielsweise in hellenistischen griechischen Skulpturen gesehen werden, die Boxer und alte Frauen darstellen. Werke von Malern des 17. Jahrhunderts wie Caravaggio, niederländischen Genremalern, den Spaniern José de Ribera, Diego Velázquez und Francisco de Zurbarán sowie den Brüdern Le Nain in Frankreich haben einen realistischen Ansatz. Die Werke von englischen Romanautoren des 18. Jahrhunderts wie Daniel Defoe und Henry Fielding können ebenfalls als realistisch bezeichnet werden.
Der Realismus entstand in Frankreich in den 1850er Jahren, nach der Revolution von 1848, die das „Recht auf Arbeit“ im Land festlegte. Er führte die Idee ein, dass gewöhnliche Menschen, zeitgenössische Szenarien und Alltagsszenen würdige künstlerische Themen sind.
Er breitete sich in Europa aus, von der Russland unter Alexander II bis zur Großbritannien von Königin Victoria, durch das Deutschland von Wilhelm I, das Italien des Risorgimento und darüber hinaus. Das Jahr 1855 war von Bedeutung für die Etablierung des Realismus in Europa.
Gustave Courbet gilt als die Hauptfigur des Realismus. Er legte in den 1840er Jahren die Grundlagen für die Bewegung, indem er Bauern und Arbeiter darstellte, ohne sie zu verherrlichen, und sie mutig und streng darstellte, was Kontroversen hervorrief.
Der Stil und das Thema von Courbet basierten auf der Arbeit von Malern der Barbizon-Schule. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet und andere ließen sich im französischen Dorf Barbizon nieder, um den örtlichen Charakter der Landschaft treu wiederzugeben.
Der malerische Realismus außerhalb Frankreichs war im 19. Jahrhundert in den Vereinigten Staaten gut vertreten. Die kraftvollen und ausdrucksstarken Seestücke von Winslow Homer und die Werke von Thomas Eakins sind aufrichtige und gut beobachtete Darstellungen des zeitgenössischen Lebens. Der Realismus war eine eigenständige Strömung in der Kunst des 20. Jahrhunderts, die aus dem Bestreben der Künstler entstand, ehrlichere und unverfälschte Darstellungen des Alltagslebens zu zeigen oder Kunst als Vehikel für soziale und politische Kritik zu nutzen.
Die groben und fast journalistischen Szenen des Stadtlebens der Gruppe, die als The Eight (Die Acht) bekannt ist, fallen in diese Kategorie. Die deutsche Bewegung Neue Sachlichkeit arbeitete in einem realistischen Stil, um Zynismus und Enttäuschung nach dem Ersten Weltkrieg in Deutschland auszudrücken. Der sozialistische Realismus in der Sowjetunion verwendete Techniken der naturalistischen Idealisierung, um Porträts von mutigen Arbeitern und Ingenieuren zu schaffen.
Darüber hinaus inspirierte der Realismus direkt zeitgenössische Kunstbewegungen wie den Fotorealismus und den Hyperrealismus, was sein anhaltendes und sich entwickelndes Erbe beweist.
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Nr. 4 Impressionismus (1865–1885)
Einige Exponenten: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Der französische Impressionismus ist eine bedeutende Bewegung, die hauptsächlich in Frankreich Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts entstand. Ihr bemerkenswertestes Merkmal war der Versuch, die visuelle Realität präzise und objektiv in Bezug auf flüchtige Licht- und Farbeffekte festzuhalten. Die impressionistischen Künstler zeigten eine neue Art und Weise, die Welt zu beobachten und darzustellen, indem sie auf realistische Darstellungen zugunsten von flüchtigen Eindrücken ihrer Umgebung, oft im Freien, verzichteten. In der Musik versuchte man, eine Idee oder einen Effekt durch einen Klangverlauf zu vermitteln, anstatt durch eine strikte formale Struktur.
Ende der 1860er Jahre spiegelte die Kunst von Manet eine neue Ästhetik wider, die eine Leitkraft in der impressionistischen Arbeit sein würde, wobei die Bedeutung des traditionellen Themas verringert und die Aufmerksamkeit auf die Manipulation von Farbe, Ton und Textur verlagert wurde.
Im Jahr 1874 organisierte eine Gruppe von Künstlern namens Société Anonyme des Peintres, Sculpteurs, Graveurs usw. eine Ausstellung in Paris, die die Bewegung des Impressionismus ins Leben rief. Zu den Gründungsmitgliedern gehörten Claude Monet, Edgar Degas und Camille Pissarro. Monet's Gemälde Impression, Sonnenaufgang (1872) brachte ihnen ursprünglich den spöttischen Namen „Impressionisten“ durch den Journalisten Louis Leroy ein. Die Künstler nahmen den Namen bald als beschreibend für ihre Absicht an, die „visuellen Eindrücke“ präzise zu vermitteln. Während konservative Kritiker ihre Arbeit aufgrund ihres unvollkommenen und skizzenhaften Aussehens kritisierten, lobten progressivere Schriftsteller ihre Beschreibung des modernen Lebens.
Von seiner Konzeption bis heute wird der Impressionismus durch Merkmale wie lockere Pinselstriche, markante Farben, Darstellungen alltäglicher Themen, einen Fokus auf Licht und fotoinspirierte Kompositionen definiert.
Zur Mitte der 1885er Jahre begann sich die impressionistische Gruppe aufzulösen, während jeder Maler seinen eigenen Interessen und ästhetischen Prinzipien nachging. Dennoch revolutionierten sie die Kunstgeschichte und lieferten einen technischen Ausgangspunkt für postimpressionistische Künstler wie Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh und Georges Seurat und befreiten die westliche Malerei von traditionellen Techniken und Ansätzen.
Erbe und Präsenz des Impressionismus heute
Als Ausgangspunkt des Modernismus beeinflusste der Impressionismus viele spätere Bewegungen. Die Postimpressionisten übernahmen ihren lockeren Pinselstrich; die abstrakten Expressionisten fanden Inspiration in dem unkonventionellen Ansatz von Monet; und viele zeitgenössische Künstler arbeiten weiterhin in einem neoimpressionistischen Stil.
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Nr. 5 Postimpressionismus (1885–1910)
Einige Exponenten: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Der Postimpressionismus ist ein Begriff, der verwendet wird, um die Reaktion in den 1880er Jahren gegen den Impressionismus zu beschreiben. Er wurde von Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Georges Seurat angeführt. Die Postimpressionisten lehnten die Besorgnis des Impressionismus über die spontane und naturalistische Darstellung von Licht und Farbe ab.
Diese Maler, mit Ausnahme von Van Gogh, waren Franzosen und die meisten begannen als Impressionisten; jeder von ihnen verließ den Stil, um seine eigene, stark persönliche Kunst zu schaffen.
Wie die Impressionisten betonten sie die Künstlichkeit des Bildes. Sie glaubten, dass Farbe unabhängig von Form und Komposition als emotionaler und ästhetischer Träger von Bedeutung sein könnte. Sowohl der Impressionismus als auch der Postimpressionismus gehören zu den berühmtesten modernen Kunstwerken, wie die Seerosen von Monet und Die Sternen Nacht von Van Gogh.
Sie teilten ihre Arbeiten mit der Öffentlichkeit durch unabhängige Ausstellungen in Paris. Im Jahr 1910 prägte der Kunstkritiker Roger Fry den Begriff „Postimpressionismus“ mit seiner Ausstellung „Manet und die Postimpressionisten“. Fry glaubte, dass die Schönheit der Kunst in der Wahrnehmung verwurzelt ist. „Kunst ist ein Ausdruck und ein Anreiz für das imaginative Leben, statt eine Kopie des wirklichen Lebens“, erklärte er in „An Essay in Aesthetics“.
Die Postimpressionisten glaubten, dass ein Kunstwerk nicht um Stil, Prozess oder ästhetische Ansätze kreisen sollte, sondern Symbolik betonen sollte, die Botschaften aus dem Unterbewusstsein des Künstlers kommuniziert.
Obwohl sie oft zusammen ausstellten, malten sie, im Gegensatz zu den Impressionisten, die als vereinter Kreis begannen, hauptsächlich allein. Cézanne malte isoliert in Aix-en-Provence; Gauguin ließ sich 1891 in Tahiti nieder; und Van Gogh malte auf dem Land in Arles. Sowohl Gauguin als auch Van Gogh wiesen die Objektivität des Impressionismus zugunsten eines persönlicheren spirituellen Ausdrucks zurück.
„Farbe! Was für eine tiefe und geheimnisvolle Sprache, die Sprache der Träume.“ - Paul Gauguin
Im Gegensatz zu den Impressionisten, die versuchten, den Effekt des natürlichen Lichts einzufangen, verwendeten die Postimpressionisten eine künstliche Farbpalette, um ihre Wahrnehmungen der Welt darzustellen. Gesättigte Farbtöne und mehrfarbige Schatten sind in ihren Gemälden offensichtlich und zeigen ihren innovativen Ansatz.
Der Postimpressionismus entfernte sich von einem naturalistischen Ansatz und wandte sich Bewegungen wie dem Kubismus und dem Fauvismus zu, die versuchten, Emotionen durch Farbe und Linie hervorzurufen.
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Nr. 6 Fauvismus und Expressionismus (1900–1935)
Malerei mit dicken Farben, die von der Leinwand springen, und unnatürlichen Tönen: Der Fauvismus und der Expressionismus sind zwei Bewegungen, die diesen Eigenschaften Leben einhauchten. Was ist also der Unterschied zwischen ihnen, wenn sie sich so beschreiben lassen? Zunächst werden wir den Fauvismus und den Expressionismus separat erläutern.
Fauvismus
Einige Exponenten: Matisse, Derain, Signac
Der Fauvismus übernahm die Kunstszene von 1905 bis 1910 und zeichnete sich durch intensive Farben und kühne Pinselstriche aus. In einigen Fällen trugen die Künstler direkte Farbe aus der Tube auf. Die Farben mussten nicht der Natur treu sein; sie konnten verändert werden, um Emotionen zu zeigen. Sie wählten einfache Themen, und deshalb schienen die Gemälde fast abstrakt zu sein. Der Kunstkritiker Louis Vauxcelles prägte den Begriff, nachdem er die Werke von Henri Matisse und André Derain während einer Ausstellung im Salon d'Automne in Paris im Jahr 1905 als „les fauves“ oder „die Bestien“ beschrieb. Ihr Werk war voller unnatürlicher Farben und wilder Farbkleckse auf der Leinwand. Dies sollte der Beginn des Fauvismus sein.
Die fauvistischen Künstler waren tief an der wissenschaftlichen Farbtheorie des 19. Jahrhunderts interessiert. Insbesondere mit der Verwendung von Komplementärfarben verstanden sie, wie man Farben heller und kühner erscheinen lassen kann, indem sie diese Theorien einbeziehen.
Das Gemälde von Matisse „Frau mit Hut“ wurde aufgrund der unnatürlichen Farben im Gesicht der Frau kritisiert. Paul Signac ist berühmt für sein Pointillismus und war Mentor von Matisse. Pointillismus ist eine Technik, bei der kleine Punkte primärer Farben nebeneinandergesetzt werden; beim Abstand verbinden sie sich zu einem einzigen Bild. Dies kann mit Pixeln auf einem Computerbildschirm verglichen werden.
Neben Matisse und Derain gehören weitere bedeutende fauvistische Künstler zu Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault und Maurice de Vlaminck.
Expressionismus
Einige Exponenten: Munch, Kandinsky, Klee
Der Expressionismus ist ein allgemeiner Begriff für jedes Kunstwerk, das die Realität verzerrt, um mit den inneren Gefühlen, Sichtweisen oder Ideen des Künstlers übereinzustimmen. Kurz gesagt, es ist eine Kunst, die innere Realitäten in der äußeren Welt ausdrückt. Es gibt charakteristische Merkmale des Expressionismus: die intensiven und unnatürlichen Farben, die in großen Mengen aufgetragen werden und Textur auf der Leinwand erzeugen.
Der Expressionismus kam „von innen“, er war ein Spiegelbild der Gefühle des Künstlers statt einer Darstellung einer Szene. Zwei einflussreiche expressionistische Künstler waren Emil Nolde und Edvard Munch.
Was das Thema betrifft, tendiert die expressionistische Kunst dazu, emotional und manchmal sogar mythisch zu sein. Da der Expressionismus ein so weitreichender Begriff ist, kann er leicht der Kunst jeder Epoche zugeordnet werden, wird jedoch im Allgemeinen für die Kunst des 20. Jahrhunderts angewendet. Es wird gesagt, dass er mit den Arbeiten von Vincent van Gogh begann und sich bis zur modernen Kunst ausdehnt, wie wir sie heute kennen.
Zu den Hauptbeiträgen zu der expressionistischen Bewegung gehören Künstler wie Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner und andere.
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Der Fauvismus kann als Teilmenge des Expressionismus angesehen werden. Sie nutzen ähnliche Techniken und werden durch dieselben Merkmale klassifiziert; der wirkliche Unterschied ist die spezifische Natur des Fauvismus im Gegensatz zur Allgemeinheit des Expressionismus.
Etwas, das als fauvistisch angesehen werden kann, könnte auch Teil des Feldes des Expressionismus sein, aber nicht jeder Expressionismus ist Fauvismus. Der Fauvismus ist ein wenig wilder, hat aber ein simpeleres Thema.
Nr. 7 Kubismus (1905–1920)
Einige Exponenten: Pablo Picasso, Georges Braque
Der Kubismus ist ein äußerst einflussreicher Stil der Bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts, der hauptsächlich von Pablo Picasso und Georges Braque in Paris zwischen 1907 und 1914 geschaffen wurde. Der kubistische Stil betonte die flache und zweidimensionale Oberfläche des Bildraums und wies traditionelle Techniken von Perspektive, Verkürzung, Modellierung und Hell-Dunkel zurück, indem er die alten Theorien widerlegte, dass Kunst die Natur imitieren sollte. Die Kubisten glaubten, dass die Traditionen der westlichen Kunst erschöpft waren und zogen, um ihre Arbeit zu revitalisieren, die expressive Energie der Kunst anderer Kulturen, insbesondere afrikanischer Kunst, heran.
Der Kubismus hat seinen Namen von den Kommentaren des Kritikers Louis Vauxcelles, der die Arbeiten von Braque im Jahr 1908 abfällig als aus Kuben bestehend beschrieb. In Braques Gemälden erwecken die Volumen der Häuser, die zylindrischen Formen der Bäume und das Farbschema Erinnerungen an die Landschaften von Paul Cézanne, der die Kubisten in ihrer ersten Entwicklungsphase (bis 1909) tief inspirierte. Dennoch war es Les Demoiselles d'Avignon, das 1907 von Picasso gemalt wurde und den neuen Stil voraussehende; in diesem Werk werden die Formen von fünf weiblichen Aktfiguren zu kantigen und zerbrochenen Gestalten.
Der Kubismus entwickelte sich in zwei klaren Phasen: den analytischen Kubismus und den synthetischen Kubismus. Der analytische Kubismus (1908–1912) ist strenger und zeichnet sich durch eine Kombination von Ebenen und Linien in gedämpften Farbtönen aus. Der synthetische Kubismus (1912–1914) ist durch einfachere Formen und lebendigere Farben, einschließlich der Kombination realer Elemente wie Zeitungen, gekennzeichnet. Die direkte Einbeziehung realer Objekte in die Kunst war der Beginn einer der wichtigsten Ideen der modernen Kunst.
Obwohl Picasso und Braque die Schöpfer dieses neuen visuellen Sprachs sind, wurde er von vielen anderen Malern, darunter Fernand Léger, Robert und Sonia Delaunay, Juan Gris und anderen angenommen und entwickelt. Der Kubismus beeinflusste auch die Skulptur und Architektur des 20. Jahrhunderts tief.
Die formalen Befreiungskonzepte, die durch den Kubismus initiiert wurden, hatten weitreichende Folgen für Bewegungen wie Dada und Surrealismus sowie für Künstler, die weltweit nach Abstraktion strebten.
Nr. 8 Dada und Surrealismus (1917–1950)
Dada
Einige Exponenten: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada war eine europäische avantgardistische Kunstbewegung mit Zentren in Zürich und New York. Sie entstand als direkte Reaktion auf das Gemetzel, die Propaganda und den Wahnsinn des Ersten Weltkriegs. Unabhängige Gruppen, die durch gemeinsame Ideen verbunden waren, entstanden in Berlin, Paris und anderen Orten. Sie teilten keinen einheitlichen Stil, sondern waren durch ihre Ablehnung des Idealismus und der veralteten kunst- und intellektuellen Konventionen verbunden.
Der Name „Dada“, zufällig aus einem Wörterbuch im Jahr 1916 extrahiert, bedeutet „Schaukelpferd“ auf Französisch oder „Ja ja“ auf Rumänisch und Russisch. Aber als Name einer Bewegung bedeutet es wirklich nichts. Müde von der Kultur, die die Schlacht des Ersten Weltkriegs hervorgebracht hatte, forderten die Dadaisten alle Konventionen heraus und feierten das Zufällige und das Absurde.
Die Wurzeln des Dada liegen in der vor dem Krieg stehenden Avantgarde. Der Begriff „Anti-Kunst“, der dem Dada vorausging, wurde von Marcel Duchamp um 1913 geprägt, um Werke zu charakterisieren, die die akzeptierten Einschränkungen von Kunst herausfordern.
Die Dada-Bewegung umfasste öffentliche Versammlungen, Demonstrationen und die Veröffentlichung von Kunst- und Literaturzeitschriften. Kunst, Politik und Kultur waren häufig diskutierte Themen in einer Vielzahl von Medien.
Surrealismus
Einige Exponenten: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Der Surrealismus war eine der wichtigsten und subversivsten Bewegungen des 20. Jahrhunderts. Er entstand in den 1920er Jahren und bot eine radikale Alternative zu den rationalen und formalen Qualitäten des Kubismus. Er war eine literarische, philosophische und künstlerische Bewegung, die die Funktionsweise des Geistes erforschte, indem sie das Irrationale, Poetische und Revolutionäre verteidigte.
Im Gegensatz zu Dada, aus dem er auf viele Weisen hervorging, betonte der Surrealismus die positive Ablehnung vorheriger Traditionen. André Breton, der Anführer einer neuen Gruppe von Dichtern und Künstlern in Paris, definierte den Surrealismus in seinem „Surrealistischen Manifest“ (1924) als: „Reines psychisches Automatismus, durch den versucht wird,... das wirkliche Funktionieren des Denkens auszudrücken.“
Es können verschiedene Stränge in der visuellen Manifestation des Surrealismus unterschieden werden. Künstler wie Max Ernst und André Masson bevorzugten den Automatismus, bei dem der bewusste Kontrolle unterdrückt wird und das Unterbewusstsein die Kontrolle übernimmt. Im Gegensatz dazu suchten Salvador Dalí und René Magritte ein halluzinatorisches Gefühl der Superrealität, bei dem die dargestellten Szenen keinen realen Sinn haben. Eine dritte Variation war die Juxtaposition von unzusammenhängenden Elementen, die eine Realität jenseits gewöhnlicher Grenzen etablierte.
Der Surrealismus entstand in Paris, aber sein Einfluss erstreckte sich durch Zeitschriften und internationale Ausstellungen. Mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs verlagerten sich die Aktivitäten des Surrealismus nach New York. Obwohl die Bewegung nach dem Krieg an Kohärenz verlor, hat sie einen starken Einfluss auf die zeitgenössische Kunst bewahrt.
Nr. 9 Abstrakter Expressionismus (1940–1950)
Einige Exponenten: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
Der „abstrakte Expressionismus“ war eine Bewegung, die in den 1940er und 1950er Jahren in New York entstand. Obwohl der Begriff nicht ideal war, umfasste er Künstler, die ihre Leinwände mit Farbfeldern und abstrakten Formen füllten, sowie diejenigen, die ihre Leinwände mit energischem, gestischem Expressionismus bearbeiteten. Alle waren mit der Kunst als Ausdruck des Ichs, geboren aus tiefen Emotionen und universellen Themen, engagiert.
Die Bewegung umfasste viele unterschiedliche malerische Stile. Einige Künstler, wie Jackson Pollock und Willem de Kooning, zeichneten sich durch einen lockeren und dynamischen Umgang mit der Farbe aus. Andere, wie Mark Rothko, verwendeten große Flächen flacher Farbe, um subtile und meditative Effekte zu erzielen.
Obwohl die Bewegung überwiegend als Männerthemen dargestellt wird, gab es während dieser Zeit mehrere bedeutende weibliche abstrakte Expressionisten.
Nr. 10 Pop Art (1960)
Einige Exponenten: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Die Pop Art begann mit Künstlern aus New York wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist und Claes Oldenburg, die sich von populären Bildern inspirieren ließen und Teil eines internationalen Phänomens wurden. Sie war eine Revolte gegen die dominierenden Ansätze von Kunst und Kultur und die traditionellen Ansichten darüber, was Kunst sein sollte. Junge Künstler fühlten, dass das, was ihnen in der Kunstschule beigebracht wurde und das, was sie in Museen sahen, nichts mit ihrem Leben zu tun hatte.
Im Jahr 1957 zählte der Pop-Art-Künstler Richard Hamilton die Merkmale der Pop Art in einem Brief auf: „Pop-Art ist: populär, vergänglich, entbehrlich, kostengünstig, massenproduziert, jung, einfallsreich, sexy, brutal, glamourös, großes Geschäft.“
Der Pop brachte die Kunst in neue thematische Bereiche und entwickelte neue Präsentationsformen, und kann als eine der ersten Manifestationen des Postmodernismus angesehen werden.
Nr. 11 Postmodernismus (1970–)
Einige Exponenten: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn en el Cielo von James Gill
Der Begriff „postmodernistischer Kunst“ bezieht sich auf eine breite Kategorie zeitgenössischer Kunst, die seit etwa 1970 geschaffen wird. Das kennzeichnende Merkmal ist die Ablehnung der Ästhetik, auf der ihr Vorgänger, die „moderne Kunst“, basierte. Einer der abgelehnten Werte ist die Vorstellung, dass „Kunst“ etwas „Besonderes“ ist, das vom populären Geschmack getrennt sein sollte.
Von Natur aus anti-autoritär, weigerte sich der Postmodernismus, die Autorität irgendeines Stils oder eine Definition dessen, was Kunst sein sollte, anzuerkennen. Die Unterscheidung zwischen Hochkultur und populärer Kultur, zwischen Kunst und Alltagsleben wurde abgebaut. Er führte eine neue Ära der Freiheit und das Gefühl ein, dass „alles erlaubt ist“.
Oft verschiedene Stile und Medien miteinander vermischend, kann die postmoderne Kunst auch frühere Stile ironisch ausleihen oder kommentieren. Die Postmodernen betrachten ihre theoretische Position als inklusiv und demokratisch.
In den 1980er und 1990er Jahren wurde der Postmodernismus zur inoffiziellen Philosophie der „Identitätspolitik“-Bewegung.
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