Beschreibung
Die Ikonographie der Arbeit, die wahrscheinlich für die private Hingabe des Künstlers bestimmt ist die Salbung und bereits mit Parfums gesalbt.
Die kraftvollste Hypothese, trotz der Unsicherheiten, die sich aus der Existenz mehrerer Varianten desselben Themas ergeben Sohn von Kardinal Sigismo Gonzaga und inventoriert sich 1627 unter dem Eigentum von Mantuas Lords.
Das hintere Ziel des Gemäldes bleibt ein Thema der Debatten unter den Wissenschaftlern, die einer komplizierten Reihe von Veränderungen im Eigentum nur teilweise und verwirrend, dokumentiert sind: Nach der neuesten, aber nicht schlüssigen Theorie wurde das Gemälde 1628 an Charles verkauft . Ich von England zusammen mit den wertvollsten Teilen der Gonzaga -Sammlung; Dann ging er zum Antiquitätenmarkt zur Sammlung von Kardinal Mazarin; In der Dispersion des letzteren verschwand seit mehr als einem Jahrhundert. Bis 1806 war nicht mehr das Gemälde bekannt. Tatsächlich bat der Sekretär der Akademie di Brera Giuseppe Bossi den Bildhauer Antonio Canova, als Vermittler beim Kauf seines "begehrten Mantegnna" zu fungieren, der schließlich 1824 die Pinacoteca erreichte.
Die Komposition erzeugt einen großen emotionalen Einfluss, der durch den extremen Scorzo akzentuiert wird: Der Leib Christi ist sehr nahe an den Standpunkt des Beobachters, der beim Betrachten in die Mitte des Dramas gezogen wird. Darüber hinaus wird jedes Detail durch die Schneidefähigkeit der Linien verstärkt, was den Blick dazu zwingt, in den detailliertesten Strichen in den starren Mitgliedern der Mortis -Strenge sowie in den Wunden, die offen im Vordergrund sind Die Tradition dieser Art von Bild.
Das Thema der Klage ist in der mittelalterlichen und Renaissance -Kunst üblich, obwohl diese Behandlung, die zu einem Thema, das als Salbung Christi bekannt ist, für die Zeit ungewöhnlich ist. Die meisten Bedauern zeigen viel mehr Kontakt zwischen Trauernden und Körper. Die reichen Kontraste von Lichtern und Schatten sind im Überfluss vorhanden, die von einem tiefen Gefühl von Patetismus erfüllt sind. Der Realismus und die Tragödie der Szene werden durch die gewalttätige Perspektive verstärkt, die die Sitzen verkürzt und dramatisiert und die anatomischen Details betont: insbesondere der Thorax Christi. Die Löcher in den Händen und Füßen des Lehrers sowie die Gesichter der beiden Trauernden werden ohne Zugeständnis auf Idealismus oder Rhetorik dargestellt. Die gut geschriebenen Vorhänge, die den Körper bedecken, tragen zum dramatischen Effekt bei. Einzigartig in diesem Gemälde ist ein Design, das den zentralen Fokus des Bildes in den Genitalien Christi stellt, eine künstlerische Wahl, die offen für eine Vielzahl von Interpretationen ist. Mantegna gelang es, eine sehr spezifische Darstellung des physischen und emotionalen Traumas zu malen.
Mantegna präsentierte sowohl eine herzzerreißende Untersuchung einer stark verkürzten Leiche als auch eine intensiv bewegende Beschreibung einer biblischen Tragödie. Dieses Gemälde ist eines der vielen Beispiele für die Domäne des Künstlers. Auf den ersten Blick scheint die Malerei in Scorzo eine überraschend realistische Studie zu sein. Eine sorgfältige Prüfung zeigt jedoch, dass Mantegna die Größe der Füße der Figur verringerte, was, wie er gewusst haben muss, einen großen Teil des Körpers bedecken würde, wenn sie korrekt dargestellt werden.
Mantegna hat dieses Gemälde wahrscheinlich für seine persönliche Bestattungskapelle gemacht. Ihre Kinder fanden sie nach ihrem Tod in ihrem Studium und verkauften sie, um ihre Schulden zu bezahlen.
Dieses Meisterwerk ist typisch für Mantegnas Kunst, in der der in diesem Gemälde eingesperrte Raum architektonisch als kaltes und trostloses Zelle eines Leichenhalle definiert ist. Wenn wir nach innen schauen, sehen wir eine fast monströse Show: eine schwere Leiche, anscheinend vom übertriebenen Scorzo geschwollen. Vorne gibt es zwei riesige Füße mit Löchern; Links färbten feste Masken mit Tränen. Ein weiterer Look löst jedoch den anfänglichen Aufprall auf und ein rationales System kann unter dem schwachen Licht erkannt werden. Das Gesicht Christi wird wie die anderen Gesichter von Falten genäht, die mit dem wässrigen Satén des rosa Kissens, den blassen Granulationen der Marmorplatte und dem Ónix der Salbenflasche harmonieren. Die nassen Falten des Leichentuchs betonen die Falten der angespannten Haut, die wie eine zerkratzte Schriftrolle um die trockenen Wunden ist. Alle diese Linien werden in den wilden Wellen des Haares wiedergegeben.
Der Realismus von Mantegna herrscht über einen ästhetischen Genuss, der sich aus einer übertriebenen Verzögerung der materiellen Aspekte seines Subjekts ergeben könnte. Sein Realismus wird wiederum von einem erhabenen poetischen Gefühl für christliches Leiden und Rücktritt dominiert. Die kreative Kraft von Mantegna liegt in seiner eigenen Interpretation des "Historischen", sein Gefühl für die Show in großem Maßstab. Über seine scheinbare Kälte und die studierte Ablösung sind die Gefühle von Mantegna die eines Historikers und wie alle großen Historiker voller Menschheit. Es hat ein tragisches Gefühl für die Geschichte und das Schicksal des Menschen und die Probleme von Gut und Böse, Leben und Tod.
Das Berühmtes Gemälde Es ist ein absoluter Gipfel bei der Herstellung von Mantegna, einer Arbeit, deren Ausdruckskraft, schwerer Gelassenheit und meisterhaftes Management der Illusion der Perspektive es zu einem der bekanntesten Symbole der italienischen Wiedergeburt gemacht hat.
Das Gemälde befindet sich in der Pinacoteca di Brera in Mailand, Italien.