Oft gibt es mehr in einem Bild, als es scheint, und viele der berühmtesten Kunstwerke der Welt haben versteckte Geheimnisse unter der Oberfläche. Du kannst dein Lieblingsgemälde immer wieder studieren und dennoch ein neues kryptisches Symbol oder versteckte Details entdecken. Einige der berühmtesten Künstler der Welt hinterlassen absichtlich geheime Botschaften in ihren Gemälden, und einige haben sogar beliebte Verschwörungstheorien ausgelöst, sei es, um Autorität zu untergraben, die Öffentlichkeit herauszufordern oder etwas über sich selbst zu offenbaren. Hunderte von Jahren später, dank technologischer Fortschritte, werden viele dieser geheimen Nachrichten zum ersten Mal entdeckt. Kuadros wollte diese Mysterien für dich enthüllen. Das sind die berühmten Gemälde, die wir als die rätselhaftesten erachtet haben.
No.1 Das letzte Abendmahl - Leonardo da Vinci
Die berühmte Darstellung von Leonardo da Vinci von Jesus und seinen Jüngern beim letzten Abendmahl stand in den letzten Jahren im Mittelpunkt einiger populärer Theorien, wie sie in Dan Browns Roman von 2003 "Der Da Vinci Code" und der Filmanpassung des Buches von 2006 mit Tom Hanks beschrieben wird. Brown schlug vor, dass der Jünger zu Jesu rechter Seite tatsächlich Maria Magdalena ist, die sich als Johannes der Apostel verkleidet. Er deutet auch an, dass die "V"-Form, die zwischen Jesus und "Johannes" entsteht, einen weiblichen Gebärmutter symbolisiert, was implizieren würde, dass Jesus und Maria Magdalena zusammen ein Kind hatten. Die Kunsthistoriker hingegen sind skeptisch. Das letzte Abendmahl von da Vinci ist wegen seiner ausdrucksstarken Komposition und des Einsatzes von Perspektive wichtig, was zu dieser Zeit eine Innovation war. Da Vinci richtete die Figuren und die Wände des Gemälderaums mit Schnüren aus, die von einem Nagel an der Wand strahlen, wo das Original über einem Speisesaal in einem Kloster in Mailand gemalt wurde. Viele schlagen vor, dass das Aussehen von Johannes weiblich ist, einfach weil er so dargestellt wurde. Der Experte Mario Taddei sagte zu Artnet.com: "Leonardo musste die letzten Abendmahle vor ihm kopieren, und Johannes sieht aus wie eine Frau." Aber eine viel überzeugendere geheime Botschaft wurde von dem italienischen IT-Techniker Giovanni Maria Pala entdeckt. Er behauptet, dass da Vinci Noten in "Das letzte Abendmahl" versteckt hat, die, wenn man sie von links nach rechts liest, einem 40-sekündigen Hymnus entsprechen, der wie ein Requiem klingt.
Als der Abt des Klosters sich darüber beschwerte, dass das Gemälde zu lange dauerte, wurde gesagt, dass der wütende Künstler gedroht hatte, das Gesicht des Abtes als Modell für den Verräter Judas zu verwenden. Am Ende besuchte da Vinci die Gefängnisse von Mailand, um das perfekte böse Gesicht für Judas zu finden, der als Fünfter von links sitzt. Profesionelle Kunsthistoriker sagen, dass es keine Beweise für die im "Da Vinci Code" und anderen Büchern enthüllten Verschwörungstheorien über das letzte Abendmahl gibt; und sie lehnen die Identifizierung der Figur links von Jesus als seine Anhängerin Maria Magdalena statt Johannes dem Apostel ab.
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No.2 Die Erschaffung Adams - Michelangelo
"Die Erschaffung Adams" ist wahrscheinlich das berühmteste der neun biblischen Szenen, die Michelangelo an der Decke der Sixtinischen Kapelle gemalt hat. Wusstest du jedoch, dass die Szene ein menschliches Gehirn enthält? Die versteckte Botschaft befindet sich im Tuch, wo angeblich die Form des Gehirns zu erkennen ist. Anscheinend hat der Künstler es in sein Fresko eingeführt, weil zu dieser Zeit Autopsien von der Kirche verboten waren. Es stellt sich heraus, dass Michelangelo ein Experte für menschliche Anatomie war. Mit 17 Jahren hatte er einen etwas gruseligen Job, indem er Leichname auf dem Friedhof der Kirche sezierte. Daher glauben einige, dass es ihm gefallen hätte, diese Leidenschaft für Anatomie in eines seiner größten Meisterwerke, an der Decke der Sixtinischen Kapelle, zu integrieren. Laut den Neuroanatomie-Experten Ian Suk und Rafael Tamargo hat der Maler einige sorgfältig versteckte Darstellungen bestimmter Körperteile an der Decke der Sixtinischen Kapelle platziert. Und wenn du das Leichentuch, das Gott umgibt, in "Die Erschaffung Adams" betrachtest, wirst du feststellen, dass es eine anatomische Darstellung des menschlichen Gehirns bildet. Suk und Tamargo glauben, dass Michelangelo beabsichtigte, dass das Gehirn die Idee repräsentiert, dass Gott Adam nicht nur Leben, sondern auch menschliches Wissen gibt.
Ein Arzt sagt, dass Michelangelo mit dem menschlichen Gehirn sehr vertraut war und sein Wissen über Neuroanatomie nutzte, um das Gehirn in seiner "Erschaffung Adams" symbolisch darzustellen. Andere Interpretationen gehen noch weiter, dieses Gemälde widerspricht der religiösen Ideologie und vermittelt die Botschaft, dass alles vom Menschen ausgeht, anstatt umgekehrt. Was für ein als gotteslästerlich zu betrachtender Gedanke. Ein so berühmtes Kunstwerk, und dennoch finden wir Jahrhunderte nach seiner Entstehung versteckte Geheimnisse.
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No.3 Die Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Die Mona Lisa, das berühmteste Gemälde unter den berühmten Gemälden, das am häufigsten besuchte Werk im Louvre-Museum. Diese rätselhafte Dame hat tatsächlich mehr zu bieten als dieses berüchtigte Lächeln. Zunächst wird spekuliert, dass sie schwanger ist, angesichts der Art und Weise, wie die Arme über dem Bauch gelegt sind und des Schleiers um die Schultern, den schwangere Frauen während der italienischen Renaissance oft trugen. Aber die neuesten Erkenntnisse liegen in ihren Augen. Im Jahr 2011 behauptete der italienische Forscher Silvano Vinceti, dass er mikroskopisch kleine Buchstaben und Zahlen in ihren Augen gefunden habe. Er sagte Associated Press, dass das "L" über ihrem rechten Auge wahrscheinlich den Namen des Künstlers repräsentiert. Aber die Bedeutung des Buchstabens "S", den du in ihrem linken Auge siehst, und die Zahl "72" unter der gewölbten Brücke im Hintergrund sind weniger klar. Vinceti glaubt, dass das "S" sich auf eine Frau aus der Sforza-Dynastie beziehen könnte, die Mailand regierte, was bedeutet, dass die Frau im Bild möglicherweise nicht Lisa Gherardini ist, wie lange angenommen. Was die "72" betrifft, so argumentiert Vinceti, dass sie auf die Bedeutung der Zahlen sowohl im Christentum als auch im Judentum hindeuten könnte. Zum Beispiel bezieht sich "7" auf die Schöpfung der Welt, und die Zahl "2" könnte sich auf die Dualität von Mann und Frau beziehen.
Sogar noch erstaunlicher ist, dass ein französischer Wissenschaftler im Jahr 2015, der reflektierende Lichttechnik verwendete, behauptete, ein weiteres Porträt einer Frau unter dem Bild, das wir heute sehen, gefunden zu haben. Der Konsens ist, dass dies die "erste Skizze" von da Vinci war, und dass er sie gemalt hat, um sein Meisterwerk zu schaffen.
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No.4 Café Terrasse Bei Nacht - Vincent Van Gogh
Dieses Gemälde mit bunten Ausblicken im Freien ist ein malerisches Werk, die Sicht eines entspannten Betrachters, der den Charme seiner Umgebung ohne moralische Bedenken genießt. Es erinnert an Van Goghs Stimmung, als er schrieb, dass "die Nacht lebendiger und bunter ist als der Tag". Auf den ersten Blick scheint das Ölbild von Vincent van Gogh aus dem Jahr 1888 einfach das zu sein, was der Titel beschreibt: eine malerische Café-Terrasse in einer bunten französischen Stadt. Aber im Jahr 2015 schlug der Van-Gogh-Experte Jared Baxter die Theorie vor, dass das Gemälde tatsächlich die Version des Künstlers vom "letzten Abendmahl" ist. Eine detaillierte Studie zeigt eine zentrale Figur mit langen Haaren, umgeben von 12 Individuen, von denen einer im Schatten wie Judas schlüpft. Es gibt auch, was wie kleine versteckte Kreuzigungen über das Gemälde verteilt aussieht, darunter eine über der zentralen Figur, die Jesus ähnelt.
Eine religiöse Anspielung wäre für Van Gogh nicht völlig unangebracht. Bevor er sich der Malerei widmete, hatte der berühmte niederländische Künstler den Wunsch, "das Evangelium überall zu predigen", und sein Vater, Theodorus van Gogh, war Pastor einer reformierten niederländischen Kirche. Zu der Zeit, als er an Café Terrasse bei Nacht arbeitete, schrieb Van Gogh an seinen Bruder, Theo van Gogh, und erklärte, dass er ein "tremendes Bedürfnis nach, ich muss das Wort sagen, Religion" hatte, mit direktem Bezug zu dem Gemälde.
Van Gogh hat "Café Terrasse bei Nacht" nie signiert. Er erwähnte das Gemälde jedoch spezifisch in drei Korrespondenzen, sodass die Kunsthistoriker darauf vertrauen, dass er es gemalt hat.
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No.5 Das Arnolfini-Porträt - Jan van Eyck
Das Bild hängt in der National Gallery in London und stellt wahrscheinlich Giovanni di Nicolao Arnolfini und seine Frau Costanza Trenta dar. Die Identität des Paares wurde auf nur wenige Möglichkeiten eingegrenzt, aber nur sie lebten lange genug in Brügge, um den Maler kennenzulernen. Der erste Schlüssel zum Gemälde ist die Umgebung, in einem recht wohlhabenden Zuhause, gefüllt mit schönen Objekten und Kleidung. Die Symbole im Gemälde sind unmöglich zu übersehen, obwohl sie nicht nur eine Interpretation zulassen. Auch die Bedeutung des Bildes ist nicht ganz klar. Im Laufe der Jahrhunderte wurde es als Porträt eines frisch verheirateten Paares interpretiert, mit Symbolen aus einem Hochzeitsereignis, beginnend mit dem offensichtlichen Symbol der Fruchtbarkeit der Schwangerschaftsposition von Constanzas Körper, der, wie gezeigt, nur eine Modeerscheinung war. Tatsächlich hatte das Paar schließlich keine Kinder. Weitere Fruchtbarkeitssymbole sind das rote Bett und der Teppich. Die Schuhe, die auf dem Holzboden lagen, hatten ebenfalls eine Bedeutung als übliche Hochzeitsgeschenke für eine Braut von einem Bräutigam. Die Orangen symbolisieren Fruchtbarkeit und Liebe, die Loyalität des kleinen Hundes. Aber wenn du genau auf den Spiegel in der Mitte des Raumes schaust, wirst du sehen, dass es zwei Figuren gibt, die in den Raum eintreten. Es wird allgemein angenommen, dass eine von ihnen der eigene van Eyck ist. Du wirst auch feststellen, dass es eine lateinische Inschrift in sehr eleganter Schrift an der Wand über dem Spiegel gibt, die übersetzt wird als: "Jan van Eyck war hier. 1434".
Allerdings ist der wichtigste Teil des Gemäldes, der nicht gezeigt wird, die Diskrepanz in den Jahren. Das Gemälde wurde, wie bereits erwähnt, auf 1434 datiert, während Costanza Trenta 1433 starb. Das Gemälde könnte auch einen anderen Kontext als den, in dem es vollendet wurde, gehabt haben. Wie eine Röntgenaufnahme gezeigt hat, hat Jan van Eyck mehrere Änderungen vorgenommen, und ob diese mit einem solchen Ereignis in Verbindung standen oder nicht, ist strittig.
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No.6 Die Botschafter - Hans Holbein der Jüngere
Viel lange bevor 3D-Brillen oder die Suche nach Ostereiern populär wurden, konnten die Maler der Renaissance ihr Publikum dazu bringen, die Werke aus neuen Perspektiven zu betrachten, indem sie mit der Perspektive spielten. Eines der berühmtesten Beispiele für diese Technik ist das Doppelpottret von Hans Holbein dem Jüngeren, Die Botschafter, das eine Geschichte besitzt, die so reich ist wie die vielen versteckten Details in seinen Pinselstrichen.
Die Interpretation des Gemäldes als Allegorie des politischen und religiösen Aufruhrs im schismatischen England von Heinrich VIII., in dem die unglücklichen Botschafter gefangen sind, wurde über hundert Jahre lang universell akzeptiert.
Das Gemälde zeigt eine ziemlich beeindruckende Illusion an seiner Basis. Wenn du dir das verzerrte Bild am unteren Rand des Gemäldes von rechts nach links ansiehst, scheint es ein anamorphes Schädel zu sein. Akademiker glauben, dass es als Erinnerung gedacht ist, dass der Tod immer um die Ecke lauert.
In der oberen linken Ecke, hinter dem üppigen grünen Vorhang, findest du Jesus in einer ikonischen Pose. Einige Kunsthistoriker glauben, dass dieser göttliche Auftritt mit dem memento mori-Schädel verbunden ist und auf einen Ort jenseits der Sterblichkeit hinweist. Es ist ein Symbol, das darauf abzielt, anzudeuten, dass es mehr als den Tod gibt, nämlich ein zukünftiges Leben durch Christus. Andere glauben, dass das versteckte Symbol die Spaltung der Kirche darstellt, die Heinrich VIII. seinen Landsleuten auferlegte.
Die Figur auf der linken Seite von Die Botschafter ist Jean de Dinteville, der französische Botschafter in England. Er sollte zum Zeitpunkt dieses Doppelpottrets 30 Jahre alt werden. Sein Freund und diplomatischer Kollege Georges de Selve, auf dem Bild rechts, war zu diesem Zeitpunkt erst 25 Jahre alt und hatte bereits mehrere Male als französischer Botschafter in der Republik Venedig gedient.
Das Ölporträt auf Eichenholz wurde für die Hallen von Dintevilles Haus gemacht. Dennoch hat die National Gallery das verblüffende Gemälde von Holbein seit 1890 ausgestellt. Seit über 125 Jahren ist es eine der wertvollsten Ausstellungen des Museums in London.
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No.7 Die Geburt der Venus - Sandro Botticelli
Die Nacktheit in dem berühmten Gemälde von Botticelli war für das späte 15. Jahrhundert ziemlich innovativ. Aber damit endet der Mut des Künstlers nicht. Einige Kunsthistoriker glauben, dass die Muschel, auf der Venus die Wellen des Ozeans reitet, tatsächlich die weiblichen Geschlechtsorgane symbolisieren soll und somit auf die Fruchtbarkeit anspielt, was eine Geburts-Szene schafft, die die ozeanischen Ursprünge von Venus widerspiegelt, während sie symbolisch mit der menschlichen Geburt verbunden wird.
Venus, die Göttin der Liebe, steht schüchtern in der Muschel, die von Zephyr, dem Gott des Westwinds, ans Ufer gezogen wird. Dort steht eine der Horae, die Göttinnen der Jahreszeiten, bereit mit einem Gewand, um die neugeborene Göttin zu kleiden. Die vierte Figur, die Zephyr begleitet, soll ein Aura (Windnymphen) oder Chloris sein, eine Nymphe, die mit dem Frühling und den blühenden Blumen assoziiert wird, wie sie im Bild fließen.
Die christliche Inspiration war im Kunst der Mittelalter dominierend, sodass die Nacktheit selten dargestellt wurde. Aber der Aufstieg des Humanismus brachte ein erneutes Interesse an den Mythen des antiken Rom mit sich, und damit eine Wiederbelebung der Nacktheit.
Während dieser frühen Renaissanceperiode waren Holztafelgemälde in Mode. Aber die Beliebtheit der Leinwand nahm zu, besonders in feuchten Regionen, in denen Holz dazu neigte, sich zu verziehen. Da Leinwand billiger als Holz war, war ihr wahrgenommener Status etwas niedriger, sodass sie für Werke reserviert war, die nicht für große öffentliche Ausstellungen gedacht waren. Das Gemälde hebt sich als das erste Werk auf Leinwand in der Toskana hervor.
Die Geburt der Venus sollte in einem Raum hängen. Die Nacktheit des Stücks erhält einen sinnlicheren Ton, wenn man weiß, dass es darüber bestimmt war, über einem Ehebett zu hängen. Dieser Ort und seine kühne Darstellung führten dazu, dass Die Geburt der Venus fast 50 Jahre lang der Öffentlichkeit verborgen blieb. Das Gemälde hat ein Begleitstück. Obwohl es vier Jahre vor ihrer Schwester vollendet wurde, kann Die Primavera als eine Art Fortsetzung von Die Geburt der Venus betrachtet werden. Während die zweite die Ankunft von Venus in eine Welt darstellt, die kurz vor dem Blühen steht, zeigt die erste die blühende Welt um die nun bekleidete Mutterfigur. Es wird gesagt, dass das Paar Gemälde beabsichtigte zu kommunizieren, wie "die Liebe die Brutalität überwindet".
Botticelli bat darum, zu Füßen seiner Venus beigesetzt zu werden. Nicht das Gemälde, versteht sich. Er wollte für immer neben seiner irdischen Muse, Simonetta Cattaneo de Vespucci, liegen. Sie wurde als die schönste Frau von Florenz sowie die schönste Frau der Renaissance bezeichnet und war die Muse, die viele von Botticellis Werken inspirierte, einschließlich Die Geburt der Venus und Die Primavera. Als sie 1510 starb, wurde Botticelli in der Nähe dieser adligen Frau begraben, von der spekuliert wird, dass er eine unerwiderte Liebe hegte.
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No.8 Selbstporträt - Rembrandt
Rembrandt malte, zeichnete und druckte so viele Selbstporträts in seinem Leben, dass die Veränderungen in seinem Aussehen uns einladen, seine Stimmung zu beurteilen, indem wir ein Bild mit einem anderen vergleichen. Eine solche biografische Lesart wird durch die Art und Weise, wie der Künstler den Betrachter direkt konfrontiert, gefördert. Rembrandt malte dieses Selbstporträt 1659, nachdem er trotz vieler Jahre des Erfolgs einen finanziellen Rückschlag erlitten hatte. Sein geräumiges Haus in der Sint-Anthonisbreestraat und andere Besitztümer waren im vorangegangenen Jahr versteigert worden, um seine Gläubiger zu befriedigen. In diesem späten Werk scheinen die eingefallenen Augen, die in die des Betrachters stechen, innere Stärke und Würde auszudrücken. Allerdings ist es gefährlich, Gemälde auf der Grundlage der Biografie eines Künstlers zu interpretieren, insbesondere bei einem Künstler, dessen Leben so idealisiert wurde, wie es bei Rembrandt der Fall ist. Das Licht, das den Kopf so effektiv beleuchtet, hebt auch Rembrandts linken Schulter und in geringerem Maße seine zusammengelegten Hände hervor, die weit ausgeführt werden.
Im Jahr 2001 kündigten der britische Künstler David Hockney und der amerikanische Physiker Charles Falco an, Hinweise gefunden zu haben, dass Rembrandt und andere Alte Meister stark auf die Verwendung von Linsen und gewölbten Spiegeln angewiesen waren, um ihre realistischen Szenen und Porträts zu schaffen. Und im August 2016 veröffentlichten zwei Forscher im Vereinigten Königreich, der Künstler Francis O'Neil und die Physikerin Sofia Palazzo Corner, eine Studie im Journal of Optics, die erklärte, wie Rembrandt Kombinationen von gewölbten Spiegeln und Linsen verwendet haben könnte, um seine berühmten Selbstporträts zu schaffen. Die Forscher sehen viele Details in Rembrandts Selbstporträts, die ihre Theorie unterstützen, einschließlich des starken Lichts in der Mitte der Porträts und der relativen Dunkelheit an den Rändern, die auch in von gewölbten Spiegeln projizierten Reflexionen zu sehen ist.
Künstler verwenden ständig neue Pigmente und Öle, um lebendigere, luminöse und interessante Farben zu erzeugen. Rembrandt van Rijn war da nicht anders. Der alte holländische Meister hatte Technik, Kreativität und mühsame Arbeit für sich. Er hatte auch Chemie. Eine neue Analyse seiner Werke zeigt, dass er in einigen seiner Gemälde eine seltene Verbindung verwendete: ein Bleicarbonatmineral namens Plumbonacrita, Pb5 (CO3) 3O (OH). Das Wissen über die Zusammensetzung der Palette des Künstlers wird den Restauratoren helfen, herauszufinden, wie man seine Kunstwerke im Laufe der Zeit besser erhalten kann.
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No.9 Bacchus - Caravaggio
Das Gemälde Bacchus von Caravaggio enthält all die Ausschweifungen, die mit dem mythologischen Libertin assoziiert werden, die unter seiner Oberfläche brodeln. Es ist dieses Gefühl von Sturm unter der Ruhe, das es zu einem so kraftvollen Kunstwerk macht. Bacchus, der Weingott, wird normalerweise betrunken dargestellt; der Bacchus von Caravaggio ist gelassen und selbstständig. Oft sieht man ihn auf einem triumphalen Wagen, der von Tigern, Leoparden oder Ziegen gezogen wird; in Caravaggios Version steht die Bacchische Prozession kurz bevor oder ist bereits beendet. Oder vielleicht hat dieser Bacchus ganz andere Pläne.
Das erste Mal, als etwas Verstecktes in diesem Werk entdeckt wurde, war 1922, als ein Restaurator das Leinwandbild von diesem Werk von 1595 reinigte. Als sich die über Jahrhunderte angesammelte Schmutzschicht auflöste, wurde ein verborgenes Porträt sichtbar. In der Weinglas in der unteren linken Ecke sitzt ein winziger Caravaggio in dem kleinen Lichtreflex auf der Oberfläche des Weins.
Heute, fast ein Jahrhundert später, bestätigen die Forscher das. Es scheint nicht allzu versteckt zu sein, aber dank der modernen Technologie namens Reflexkopie konnten Kunstexperten 2009 herausfinden, dass die Abbildung eines Mannes tatsächlich in der Weinkaraffe in der unteren linken Ecke verborgen ist. Und es könnte der gleiche Caravaggio sein. "Caravaggio malte eine Person aufrecht, mit einem Arm ausgestreckt zu einer Leinwand auf einer Staffelei. Es scheint ein Selbstporträt zu sein, während er malte", sagte die Expertin Mina Gregori gegenüber The Telegraph.
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