Art Deco ist ein beliebter Designstil der 1920er und 1930er Jahre, der sich besonders durch elegante geometrische oder stilisierte Formen sowie die Verwendung von Kunststoffen auszeichnet.
Die Merkmale des Art Deco-Stils haben ihren Ursprung in Frankreich in der Mitte und am Ende der 1910er Jahre und reiften während der Internationalen Ausstellung für dekorative Künste und moderne Industrie, die 1925 in Paris stattfand. Der Stil wurde in den 1930er Jahren zu einem wichtigen Stil in Westeuropa und den Vereinigten Staaten.
Die charakteristischen Merkmale des Art Deco spiegeln die Bewunderung für die Modernität der Maschine und für die Designeigenschaften wider, die in maschinell hergestellten Objekten zu finden sind, zum Beispiel relative Einfachheit, Planarität, Symmetrie und unveränderliche Wiederholung von Elementen. Art Deco-Objekte zeigen oft einfache und klare Formen, normalerweise mit einem „stilisierten“ Aussehen; geometrische oder stilisierte Ornamente aus figurativen Formen wie Blumen, Tieren und Sonnenstrahlen; sowie die Verwendung von Kunststoffen, vitaminisiertem Glas und Stahlbeton, die oft mit natürlichen Materialien wie Jade, Silber, Elfenbein und Chrom kombiniert werden.
Art Deco - Poster
Zu den prägenden Einflüssen des Art Deco gehören der Jugendstil, die Bauhaus, der Kubismus und die Ballets Russes von Serge Diaghilev. Die Praktiker des Art Deco fanden auch Inspiration in den Quellen der amerikanischen Ureinwohner, der Ägypter und der frühen Klassiker sowie in der Natur.
Ähnlich wie der Art Deco ist der Jugendstil ein ornamentaler Stil, der auf Medien wie Architektur, Innendesign, Schmuck und Illustration angewendet wird. Beide Stile waren in Europa und den Vereinigten Staaten populär, aber der Jugendstil blühte zuvor zwischen 1890 und 1910 auf.
Der Art Deco erreichte seinen Höhepunkt Ende der 1920er und Anfang der 1930er Jahre. Der Jugendstil betonte die Natur, und die Objekte zeichneten sich besonders durch asymmetrische, geschwungene Linien aus, die oft die Form von Stielen und Blütenknospen, Weintraubenranken, Insektenflügeln und anderen zerbrechlichen natürlichen Objekten annahmen. Der Art Deco hingegen feierte die moderne Maschine und förderte geometrische Linien und elegante Formen.
Der Hauptunterschied zum Jugendstil ist der Einfluss des Kubismus, der dem Art Deco-Design einen fragmentierteren geometrischen Charakter verleiht. Dennoch blieben Bilder, die auf Pflanzenformen und geschwungenen Linien basieren, in einigen Art Deco-Designs erhalten, wie etwa das von Clarice Cliff in Großbritannien. Art Deco war in seinen Einflüssen sehr vielfältig und ließ sich vom antiken ägyptischen, aztekischen und anderen präkolumbianischen Kunst sowie vom Design moderner Schiffe, Züge und Autos inspirieren. Es wurde auch von der modernen Architektur und dem Design der Bauhaus und Architekten wie Le Corbusier und Mies van der Rohe beeinflusst.
Der Art Deco erhielt seinen Namen von der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, die 1925 in Paris stattfand, wo der Stil erstmals ausgestellt wurde. Das Art Deco-Design stellte den Modernismus in Mode dar. Zu seinen Produkten gehörten sowohl individuell handgefertigte Luxusgegenstände als auch Massenprodukte, aber in jedem Fall war die Absicht, eine elegante und untraditionelle Eleganz zu schaffen, die Reichtum und Raffinement symbolisierte.
Die meisten der herausragenden Art Deco-Schöpfer entwarfen handgefertigte oder limitierte Artikel. Dazu gehörten die Möbeldesigner Jacques Ruhlmann und Maurice Dufrène; der Architekt Eliel Saarinen; der Goldschmied Jean Puiforcat; der Schmuck- und Kristalldesigner René Lalique; der Modedesigner Erté; die Künstler-Schmiede Raymond Templier, HG Murphy und Wiwen Nilsson; und der figürliche Bildhauer Chiparus.
Art Deco - Möbel von Jacques Ruhlmann
Art Deco von Goldschmied Jean Puiforcat
Die Anfänge des Art Deco
Ende des 19. Jahrhunderts in Frankreich erkannten viele der bedeutenden Künstler, Architekten und Designer, die eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Jugendstils gespielt hatten, dass dieser zunehmend aus der Mode kam. Am Ende eines Jahrhunderts, das von der Industriellen Revolution geprägt war, wurde das zeitgenössische Leben sehr unterschiedlich im Vergleich zu einigen Jahrzehnten zuvor. Es war Zeit für etwas Neues, etwas, das vom Dach der modernen und geschmackvollen Gebäude „20. Jahrhundert“ ausrief.
Die Gesellschaft der dekorativen Künstler Frankreichs
Aus diesem Wunsch, den neuen Jahrhundertzug der Innovation zu gehen, anstatt durch Nostalgie gebremst zu werden, bildete eine Gruppe französischer künstlerischer Innovatoren eine Organisation namens Société des Artistes Décorateurs (Die Gesellschaft der dekorativen Künstler). Die Gruppe bestand aus anerkannten Persönlichkeiten wie dem Designer und Graveur im Jugendstil Eugene Grasset und dem Jugendstilarchitekten Hector Guimard sowie aufstrebenden Künstlern und dekorativen Designern wie Pierre Chareau und Francis Jourdain. Der französische Staat unterstützte und förderte diese Richtung der künstlerischen Tätigkeit.
Art Deco - Die Gesellschaft der dekorativen Künstler
Eines der Hauptziele der neuen Gruppe bestand darin, die hierarchische Struktur der visuellen Künste herauszufordern, die dekorative Künstler einem niedrigeren Status als die klassischen Medien Malerei und Skulptur zuwies. Jourdain wird oft zitiert: "Deshalb haben wir beschlossen, die dekorativen Kunst, die respektlos behandelt worden ist wie eine Aschenputtel oder ein armer Verwandter, der in der Küche bei den Bediensteten essen durfte, zurück an den wichtigen, fast überragenden Platz zu bringen, den sie in der Vergangenheit, in allen Zeiten und in allen Ländern der Erde" einnahm.
Der Plan für eine große Ausstellung, die eine neue Art von dekorativer Kunst präsentieren sollte, wurde ursprünglich für 1914 entworfen, musste jedoch bis nach dem Ende des Ersten Weltkriegs aufgeschoben werden und wurde dann aus verschiedenen Gründen bis 1925 verschoben.
Die Ausstellung, die offiziell die Art Deco-Bewegung ins Leben rief
Die französische Regierung, die die Ausstellung zwischen der Esplanade von Les Invalides mit der goldenen Kuppel und den Eingängen des Petit Palais und Grand Palais auf beiden Seiten der Seine beherbergte, bemühte sich, den neuen Stil zu präsentieren. Über 15.000 Künstler, Architekten und Designer zeigten ihre Arbeiten in der Ausstellung. Während der siebenmonatigen Ausstellung besuchten mehr als 16 Millionen Menschen die vielen einzelnen Ausstellungen. Diese Ausstellung war der Katalysator für den Beginn der Bewegung.
Art Nouveau und Art Déco
Art Deco war eine direkte ästhetische und philosophische Antwort auf den Jugendstil und das breitere kulturelle Phänomen des Modernismus. Der Jugendstil begann während des Ersten Weltkriegs aus der Mode zu kommen, da viele Kritiker der Meinung waren, dass die aufwendigen Details, die filigranen Designs, die oft teuren Materialien und die Produktionsmethoden des Stils nicht zu einer herausfordernden, instabilen und zunehmend mechanisierten modernen Welt passten. Während die Jugendstilbewegung ihre komplizierten und stilisierten Formen aus der Natur ableitete und die Vorzüge des Handwerks lobte, betonte die ästhetik des Art Deco die Aerodynamik und die elegante Geometrie des Maschinenzeitalters.
Art Deco und Modernismus
Die Exposition Internationale vereinte nicht nur Werke im Art Deco-Stil, sondern stellte auch handgefertigte Produkte in die Nähe von Beispielen für avantgardistische Malerei und Skulptur in Stilen wie Kubismus, Konstruktivismus, Bauhaus, De Stijl und Futurismus. In den 1920er Jahren war Art Deco ein üppiges, aber weitgehend konventionelles Gegenstück zur intellektuelleren Ästhetik von Bauhaus und De Stijl. Alle drei teilten einen Schwerpunkt auf saubere und starke Linien als gestaltendes Prinzip. Die Praktiker des Art Deco nahmen technologische Innovationen, moderne Materialien und Mechanisierung an und versuchten, sie in die Gesamtheit der Ästhetik des Stils einzubeziehen. Die Praktiker entlehnten auch von anderen modernen Bewegungen und lernten von diesen. Art Deco wurde von Bewunderern als zukunftsweisend und in Einklang mit den zukunftsorientierten Perspektiven der zeitgenössischen avantgardistischen Bewegungen angesehen. Ironischerweise spielten modernistische Malerei und Skulptur in der Ausstellung eine untergeordnete Rolle, mit wenigen Ausnahmen des sowjetischen Pavillons und des Esprit Nouveau-Pavillons von Le Corbusier.
Art Deco nach der Großen Depression
Der Beginn der zweiten Phase des Art Deco fiel mit dem Beginn der Großen Depression zusammen. Die Austerität könnte in der Tat sowohl aus pragmatischen als auch aus konzeptionellen Gründen die zentrale Ästhetik für diese zweite Entwicklung von Art Deco sein. Während die Architektur des Art Deco beispielsweise vertikal ausgerichtet war, wobei Wolkenkratzer in große Höhen aufstiegen, symbolisierten die späteren Art Deco-Gebäude mit ihren größtenteils schmucklosen Außenflächen, eleganten Kurven und horizontalem Fokus Robustheit, stille Würde und Widerstandsfähigkeit. Während der schlimmsten Jahre wirtschaftlicher Not von 1929 bis 1931 entwickelte sich der amerikanische Art Deco von einem Trendsetter zu einem Trendsetter.
Streamline Moderne
Streamline Moderne wurde zur amerikanischen Fortsetzung der europäischen Art Deco-Bewegung. Über die ernsthaften wirtschaftlichen und philosophischen Einflüsse hinaus war die ästhetische Inspiration für die ersten Streamline Moderne-Strukturen Gebäude, die von Vertretern der Neuen Sachlichkeit in Deutschland entworfen wurden, die aus einer informellen Vereinigung deutscher Architekten, Designer und Künstler hervorging, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts gegründet wurde.
Art Deco - Streamline Moderne
Die Künstler und Architekten der Neuen Sachlichkeit ließen sich von der gleichen Art von nüchternem Pragmatismus inspirieren, der die Verteidiger der Streamline Moderne dazu zwang, das Übermäßige zu eliminieren, einschließlich der Emotionalität des Expressionismus. Die Architekten der Neuen Sachlichkeit konzentrierten sich darauf, Strukturen zu schaffen, die als praktisch angesehen werden konnten, als Spiegelbild der Anforderungen des realen Lebens. Sie bevorzugten es, dass ihre Designs sich der realen Welt anpassten, anstatt dass andere sich einer unpraktischen Ästhetik anpassen mussten. Zu diesem Zweck waren die Architekten der Neuen Sachlichkeit sogar Pioniere in der Technologie der Vorfertigung (was half, die Armen in Deutschland schnell und effizient zu beherbergen).
Ohne Schmuck wies die Streamline Moderne-Architektur saubere Kurven, lange horizontale Linien (einschließlich Fensterbändern), Glasziegel, Bullaugen sowie zylindrische und manchmal nautische Formen auf. Mehr denn je lag ein Schwerpunkt auf der Aerodynamik und anderen Ausdrucksformen moderner Technologie. Die teureren und oft exotischen Materialien des Art Deco wurden in der Streamline Moderne durch Beton, Glas und Chrom ersetzt. Die Farben wurden sparsam verwendet, wobei blasse, beigen und erdige Töne die lebendigeren Farben des Art Deco ablösten. Der Stil wurde zuerst in der Architektur eingeführt und später auf andere Objekte ausgeweitet, ähnlich wie der traditionelle Art Deco-Stil.
Art Deco wird retroaktiv benannt
Ursprünglich wurde der Begriff "Art Deco" von einem berühmten Kritiker, dem modernistischen Architekten Le Corbusier, abwertend in Artikeln verwendet, in denen er den Stil wegen seiner Ornamentik kritisierte, die er in der modernen Architektur als unnötig erachtete. Während die Befürworter des Stils ihn als eine modernistische und vereinfachte Antwort auf übermäßige Ornamentik, insbesondere im Vergleich zu seinem unmittelbaren Vorgänger, dem Jugendstil, lobten, da jede Dekoration für Le Corbusier überflüssig war. Es war nicht bis zum Ende der 1960er Jahre, als das Interesse für den Stil wiederbelebt wurde, dass der britische Kunsthistoriker und -kritiker Bevis Hillier den Begriff "Art Deco" positiv verwendete.
Art Deco in den Vereinigten Staaten
In den Vereinigten Staaten entwickelte sich die Rezeption der Art Deco-Bewegung in eine andere Richtung. Herbert Hoover, der damalige Handelsminister der USA, erklärte, dass amerikanische Designer und Architekten ihre Arbeiten nicht auf der Internationalen Ausstellung ausstellen könnten, da er der Meinung war, dass das Land noch nicht in der Lage gewesen sei, einen klar amerikanischen Kunststil zu konzipieren, der zufriedenstellend "neu genug" war. Stattdessen schickte er eine Delegation nach Frankreich, um die Angebote auf der Ausstellung zu bewerten und dann die Eindrücke in einen zeitgenössischen amerikanischen Kunst- und Architekturstil umzusetzen. Im Kontingent der von Hoover gesendeten ästhetischen Emissäre waren wichtige Persönlichkeiten des American Institute of Architects, des Metropolitan Museum of Art und der New York Times vertreten. Die Mission inspirierte einen fast sofortigen Aufschwung der künstlerischen Innovation in den USA.
Bis 1926 reiste eine kleinere Version der französischen Messe namens "Eine ausgewählte Kollektion von Objekten aus der Internationalen Ausstellung für moderne, industrielle und dekorative Künste" durch viele Städte in den USA wie New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis und Philadelphia. Die Weltausstellungen in Chicago (1933) und New York City (1939) hoben die Art Deco-Designs hervor, während Hollywood die Ästhetik annahm und sie im ganzen Land glamourös machte. Selbst amerikanische Unternehmen wie General Motors und Ford bauten Pavillons auf der Weltausstellung in New York.
Art Deco - Weltausstellung New York
Zu den bekanntesten Beispielen des amerikanischen Art Deco-Stils zählen Wolkenkratzer und andere großflächige Gebäude. Tatsächlich wird die amerikanische Iteration des Art Deco in den Gebäudedesigns als Zigzag Modern bezeichnet, aufgrund ihrer angularen und geometrischen Muster, die wie aufwändige architektonische Fassaden sind. Dennoch ist das amerikanische Art Deco im Allgemeinen oft weniger ornamental als sein europäischer Vorgänger. Über die klaren Linien und starken Kurven hinaus ist die amerikanische Version gewagter geometischer Formen, intensiven Farben und manchmal luxuriöser Ornamentik, einfacher. Als bedeutende Einflüsse wie die Neue Sachlichkeit und der Internationale Stil der Architektur sowie die schweren wirtschaftlichen Rückschläge Ende der 1920er und Anfang der 1930er Jahre begannen, die Art Deco-Ästhetik zu beeinflussen, wurde der Stil erheblich weniger luxuriös.
Art Deco - Zig Zag Modern
Der amerikanische Art Deco-Stil entwickelte sich als Feier des technologischen Fortschritts, einschließlich der Massenproduktion, und einem wiederhergestellten Glauben an den sozialen Fortschritt. Im Wesentlichen können diese Errungenschaften als Spiegelbild des Nationalstolzes betrachtet werden. In den 1930er Jahren entstanden unter der Works Progress Administration (WPA) von Roosevelt viele der geschaffenen Werke im Art Deco-Stil, von kommunalen Strukturen wie Bibliotheken und Schulen bis hin zu großen öffentlichen Wandgemälden. Die WPA hatte zum Ziel, die amerikanische Nachkriegwirtschaft durch die Schaffung von Arbeitsplätzen im öffentlichen Sektor anzukurbeln und die Gemeinschaft zu dienen, indem sie Arbeitsplätze schuf und die amerikanischen Werte in das Design einfließen ließ. Die Verwendung des amerikanischen Art Deco brachte somit einen Ausdruck von Demokratie durch Design. Einige Materialien, die häufig bei der Art Deco-Produktion verwendet wurden, waren teuer und daher für den Durchschnittsbürger unerschwinglich. Doch die Verwendung neuer oder kostengünstiger Materialien machte es möglich, eine breite Palette von erschwinglichen Produkten zu schaffen und brachte so Schönheit auf neue Art und Weise in den öffentlichen Raum.
Weltweites Wachstum des Art Deco
Der Art Deco-Stil hat sich in so unterschiedlichen Weltmetropolen wie Havanna, Kuba, Mumbai und Jakarta etabliert. Havanna besitzt ein ganzes Viertel, das im Art Deco-Stil erbaut ist. Das U-Bahn-System von London integriert in großem Maße den Stil. Der Hafen von Shanghai beherbergt über fünfzig Art Deco-Strukturen, die meisten davon wurden vom ungarischen Laszlo Hudec entworfen. Von Kriegsdenkmälern bis zu Krankenhäusern haben sogar so entfernte Städte wie Sydney und Melbourne in Australien den phänomenalen Stil aufgenommen.
Art Deco - Laszlo Hudec
Die wichtigsten visuellen Merkmale des Art Deco ergeben sich aus der wiederholten Verwendung linearer und geometrischer Formen, die dreieckige, zigzagförmige, trapezförmige und chevron-musternde Formen umfassen. Ähnlich wie bei seinem Vorgänger, dem Jugendstil, werden, wenn Objekte wie Blumen, Tiere oder menschliche Figuren dargestellt werden, diese stark stilisiert und vereinfacht, um die Gesamtästhetik des Art Deco zu wahren. Die Natur und der Umfang der Stilisierung und Vereinfachung variieren je nach regionaler Iteration des Stils. Beispielsweise ist eine Figur wie Der Feuer Vogel (1922) des französischen Designers René Lalique elegant schlank und abgeschwächt, während der Atlas von Lee Lawrie (1937) außerhalb des Rockefeller Centers massiv und robust mit einer betont linearen Muskulatur ist, obwohl beide als gute Darstellungen des Deco-Stils angesehen werden.
Art Deco - Atlas von Lee Lawrie im Rockefeller-Gebäude
In Übereinstimmung mit dem Schwerpunkt der Bewegung auf moderne Technologie machten sich die Art Deco-Künstler und -Designer moderne Materialien wie Kunststoffe, Bakelit und Edelstahl zunutze. Wenn ein Hauch von Luxus und Raffinesse erforderlich war, integrierten die Designer exotischere Materialien wie Elfenbein, Horn und Zebrahaut. Ähnlich wie bei den Bewegungen des Jugendstils und der Arts and Crafts wurde der Art Deco-Stil in viel geringerem Maße auf traditionell hochrangige visuelle Kunstformen angewendet: Malerei und Skulptur.
Art Deco-Design
Der Art Deco-Stil hatte Einfluss auf die Grafikgestaltung auf eine Weise, die den Einfluss des italienischen Futurismus mit seiner Liebe zur Geschwindigkeit und Verehrung der Maschine offenbart. Futuristische Künstler verwendeten Linien, um Bewegung anzuzeigen, bekannt als „Geschwindigkeitsbärte“, die aus den Rädern schneller Autos und Züge herauskamen. Außerdem verwendeten die Praktiker des Art Deco parallele Linien und konische Formen, die Symmetrie und Aerodynamik suggerieren. Die Typografie war von dem internationalen Einfluss des Art Deco betroffen, und die Schriftarten Bifur, Broadway und Peignot erinnern sofort an den Stil.
Art Deco - Schriftart Bifur
In Bezug auf Bilder erinnern die einfachen Formen und großen Flächen fester Farben an japanische Holzschnitte, die nach dem Ende der isolierten Edo-Periode 1868 zu einer wichtigen Quelle des Einflusses für westliche Künstler, insbesondere in Frankreich, wurden. Der nachfolgende Zustrom japanischer Kunst nach Europa hatte enorme Auswirkungen. Insbesondere fanden die Künstler in der formalen Einfachheit der Holzschnitte ein Modell, um ihre eigenen, charakteristisch modernen Stile zu schaffen, beginnend mit dem Impressionismus.
Art Deco-Möbel
Bis Ende der 1920er Jahre bestand das avantgardistische Möbeldesign in Frankreich hauptsächlich aus Variationen des Jugendstils, jedoch vereinfacht und weniger kurvenreich. Mit dem Fortschreiten des Jahrzehnts trat Émile-Jacques Ruhlmann als Hauptmöbeldesigner hervor (Ruhlmann hatte einen eigenen Pavillon auf der Ausstellung von 1925). Während seine Designs hauptsächlich von Stücken des 18. Jahrhunderts im neoklassizistischen Stil inspiriert waren, reduzierte er einen Großteil der Ornamentik, ohne die von Jugendstil-Designern bevorzugten exotischen Materialien wie Mahagoni, Ebenholz, Palisander, Elfenbein und Schildpatt zu verwenden. Natürlich waren seine Stücke oft zu teuer für irgendjemanden zu erwerben, außer für die reichsten Menschen.
Im Gegensatz zu den luxuriösen Designs von Ruhlmann, die sich zwischen den Stilen des Jugendstils und des Art Deco bewegten, war der eindeutigere Art Deco-Möbeldesigner in Frankreich Jules Leleu. Er war ein traditioneller Designer, bis der neue Stil den Jugendstil verdrängte, und ist bekannt für das Design des großen Speisesaals des Pariser Palais de l'Élysée und der eleganten Luxus-Kabinen an Deck der ersten Klasse des eleganten Dampfers Normandie.
Art Deco - Möbel von Jules Leleu
Im Gegensatz zu Leleu und Ruhlmann war Le Corbusier ein Befürworter einer stark reduzierten und schmucklosen Version des Art Deco-Stils, indem er Möbel entwarf, die für die strengen Innenräume seiner eigenen architektonischen Strukturen geeignet waren. Seine Absicht war es, Prototypen zu entwerfen, insbesondere von Stühlen, die massenproduziert werden konnten und damit für einen breiteren Markt erschwinglich waren.
Außerdem ist das Innendesign von Donald Deskey für den berühmten New Yorker Stadtblick, die Radio City Music Hall, ein hervorragendes Beispiel für das amerikanische Art Deco-Möbeldesign, das bis heute in seiner ursprünglichen Form intakt geblieben ist.
Art Deco - Möbel von Le Corbusier
Art Deco-Architektur
Die Art Deco-Architektur zeichnet sich durch harte, oft reich verzierte Designs aus, die durch glänzende metallische Details akzentuiert werden. Viele dieser Gebäude haben einen vertikalen Fokus und sind so konzipiert, dass sie nach oben Aufmerksamkeit erregen. Die rechteckigen Formen, oft in Blöcken, sind geometrisch angeordnet, mit der Hinzufügung von Nadeln auf dem Dach und/oder geschwungenen ornamentalen Elementen, um einen aerodynamischen Effekt zu erzielen. Die Wolkenkratzer von New York und die pastellfarbigen Gebäude in Miami gehören zu den bekanntesten amerikanischen Beispielen, obwohl der Stil in einer Vielzahl von Strukturen weltweit umgesetzt wurde.
In den Vereinigten Staaten half die Works Progress Administration, die Art Deco-Architektur zu verbreiten. Interessanterweise wird die Verschmelzung des Art Deco-Klassizismus und der beaux-arts, die in vielen öffentlichen Arbeiten der Depression-Ära zu sehen ist, als PWA Moderne oder Depression Moderne bezeichnet.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Spätere Entwicklungen: Nach dem Art Deco
Art Deco geriet während des Zweiten Weltkriegs in Europa und Nordamerika aus der Mode, wobei die Austerität der Kriegszeit den Stil immer auffälliger und dekadenter erscheinen ließ. Metalle wurden für den Bau von Waffen zurückgewonnen, anstatt Gebäude oder Innenräume zu dekorieren. Möbel wurden nicht mehr als Statussymbole angesehen. Andere technologische Fortschritte ermöglichten eine billigere Herstellung von grundlegenden Konsumgütern, was die Notwendigkeit und Popularität von Art Deco-Designern beseitigte.
Eine Bewegung, die in vielerlei Hinsicht versuchte, mit der Vergangenheit zu brechen, ist nun zu einem Klassiker geworden, der höchste Nostalgie erzeugt und liebevoll erinnert wird. Seit den 1960er Jahren gibt es ein kontinuierliches und anhaltendes Interesse an dem Stil. Echos von Art Deco sind im modernen Mid-Century-Design zu erkennen, das die aerodynamische Ästhetik von Deco fortführt und die klare Einfachheit der Bauhaus-Architektur revisitiert. Deco half auch, die Memphis-Gruppe zu inspirieren, eine Design- und Architekturbewegung, die in den 1980er Jahren in Mailand zentriert war. Memphis stützte sich ebenfalls auf Pop-Art und Kitsch als Quellen für seine bunten und bewusst postmodern gehaltenen Designs.
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