Die Geschichte hinter den 10 berühmtesten religiösen Gemälden der westlichen Kunst

Im Laufe der Jahrhunderte hat die christliche Kunst viele verschiedene Arten von Malerei vorgestellt, die in einer Vielzahl von Medien ausgeführt wurden.

Religiöse Kunst verwendet religiöse Themen und Motive, die im Allgemeinen eine erkennbare moralische Erzählung haben oder versuchen, starke spirituelle Emotionen im Betrachter zu induzieren. In der westlichen Welt kann religiöse Kunst als ein Kunstwerk definiert werden, das ein christliches Thema hat. Die westliche religiöse Malerei wird von Szenen aus dem Alten Testament und dem Leben Jesu Christi dominiert.

Zu den am meisten dargestellten Themen gehören die Darstellungen der Jungfrau Maria mit dem Kind Jesus und Christus am Kreuz. Viele der berühmtesten religiösen Gemälde wurden während der Renaissance geschaffen, eine einflussreiche kulturelle Bewegung, die aus Italien stammt.

Die drei großen Meister der Renaissance Leonardo da Vinci, Miguel Ángel und Rafael erscheinen mehrmals auf dieser Liste. Kadros bringt Ihnen die 10 berühmtesten religiösen Gemälde.

Nr. 1 Die Schaffung von Adam - Miguel Ángel (1512)

Der berühmteste Teil des Daches der Sixtinischen Kapelle ist die Schaffung von Adam von Miguel Ángel. Diese Szene befindet sich neben der Schaffung von Eva, der Panel in der Mitte des Raumes ist, und in der Gemeinde der Gewässer, die näher am Altar liegt.

Die Arbeit von Miguel Ángel ist ein Eckpfeiler der Renaissance -Kunst. Das Gemälde zeigt die biblische Erzählung der Schöpfung des Buches Genesis, in dem Gott Adam, den ersten Mann, das Leben angeht.

Die Schaffung von Adam unterscheidet sich von den bisher gemalten typischen Schöpfungsszenen. Hier dominieren zwei Figuren die Szene: Gott rechts und Adam links. Gott wird in einer schwimmenden Nebelform gezeigt, die aus Vorhängen und anderen Figuren besteht. Die Form basiert auf Engeln, die ohne Flügel fliegen, deren Flug jedoch durch die Vorhänge, die unter ihnen sprießen, deutlich zu sehen. Gott wird als alter Mann dargestellt, aber muskulös, mit grauen Haaren und einem langen Bart, der auf die Vorwärtsbewegung des Fluges reagiert. Dies ist weit von den kaiserlichen Bildern Gottes entfernt, die sonst im Westen geschaffen hatten und sich in die Zeit der späten Antike ausgehen. Anstatt echte Kleidung zu verwenden und als allmächtiger Herrscher darzustellen, benutzt er nur ein leichtes Gewand, das einen Großteil seiner Arme und Beine ausgesetzt lässt. Man könnte sagen, dass es ein viel intimeres Porträt Gottes ist, weil es in einem Zustand nicht unantastbar und weg von dem Menschen, aber für ihn zugänglich ist.

Im Gegensatz zur Figur Gottes, die erweitert und hoch ist, wird Adam als faule Figur dargestellt, die gleichgültig auf die bevorstehende Berührung Gottes reagiert. Diese Berührung wird Adam nicht nur Leben geben, sondern auch allen Menschheit Leben geben. Es ist daher die Geburt der menschlichen Rasse. Adams Körper nimmt eine konkave Form an, die die Form des Körpers Gottes widerspiegelt, der sich in einer konvexen Haltung innerhalb der Nebel und der schwebenden Form befindet. Diese Korrespondenz auf eine Weise mit der anderen scheint die breitere Idee zu unterstreichen, dass der Mensch Gott entspricht; Das heißt, es scheint die Idee zu widerspiegeln, dass der Mensch nach Bild und Ähnlichkeit Gottes geschaffen wurde, eine Idee, mit der Michelangelo vertraut sein musste.

Die Farbe wurde viel analysiert, und unter anderem wurde festgestellt Optisches Chiasma. Die Hand Gottes berührt Adam nicht, aber Adam lebt bereits, als würde der Funke des Lebens durch eine synaptische Spalte übertragen. Unter Gottes rechten Arm gibt es einen traurigen Engel in einem Gebiet des Gehirns, der manchmal in Haustier -Erkundungen (Tomographien) aktiviert wird, wenn jemand einen traurigen Gedanken erlebt. Gott überlappt das limbische System, das emotionale Zentrum des Gehirns und möglicherweise das anatomische Gegenstück der menschlichen Seele. Gottes rechter Arm erstreckt sich bis zum präfrontalen Kortex, der kreativsten und einzigartigsten menschlichen Gehirnregion. Der rote Stoff, der Gott umgibt, hat die Form einer menschlichen Gebärmutter; Und es wird angenommen, dass der grüne Schal eine neu geschnittene Nabelschnur ist. Adams Schöpfung ist vielleicht das bekannteste Gemälde nach Mona Lisa; Und zusammen mit dem letzten Abendessen ist es das am meisten replizierte religiöse Gemälde aller Zeiten. Das Bild der fast berührten Hände Gottes und Adam ist zu einer Ikone der Menschheit geworden und wurde nachgeahmt und unzählige Zeiten parodiert.

Das Dach der Sixtinischen Kapelle erlitt die schädlichen Auswirkungen von Jahrhunderten, die das Dach erheblich verdunkeln. Erst 1977 begann die Deckenreinigung. Die Reinigung war erstaunlich nach der Fertigstellung im Jahr 1989; Was zuvor dunkel und monoton war, ist lebendig geworden. Die Änderung der vorherigen Reinigung der anschließenden Reinigung war so groß, dass sich einige zunächst weigerten, dass Miguel Ángel gemalt hatte. Heute verstehen wir Michelangelos farbige Palette viel besser und die Welt, die er malte, wunderschön auf dem Dach der Sixtinischen Kapelle gefangen genommen.

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 Nr. 2 Das letzte Abendmahl - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Letzte Abendmahl oder das italienische Cenacolo, eines der berühmtesten Kunstwerke, gemalt von Leonardo da Vinci, wahrscheinlich zwischen 1495 und 1498 für das dominikanische Kloster Santa Maria Delle Grazie in Mailand.

Dieses berühmte Gemälde repräsentiert die dramatische Szene, die in mehreren Momenten, die in den Evangelien eng verwandt sind, einschließlich Matthäus 26: 21-28, in dem Jesus erklärt, dass einer der Apostel ihn verraten und dann die Eucharistie einleiten wird. Nach Leonardos Überzeugung, dass die Position, Geste und Ausdruck die "Vorstellungen des Geistes" manifestieren müssen, reagiert jeder der 12 Jünger so, dass Leonardo für die Persönlichkeit der Apostel angemessen angesehen wird. Das Ergebnis ist eine komplexe Untersuchung verschiedener menschlicher Emotionen, die in einer täuschend einfachen Zusammensetzung exprimiert werden.

Leonardo hatte nicht in einem so großen Gemälde gearbeitet und hatte keine Erfahrung im Standard -Wandgemälde des Freskos. Die Farbe wurde unter Verwendung von experimentellen Pigmenten direkt an der trockenen Gipswand durchgeführt, und im Gegensatz zu den Fresken, in denen Pigmente mit dem feuchten Gips gemischt werden, hat sich der Zeitablauf nicht gut widerstanden. Noch bevor es fertig war, gab es Probleme mit der Damer -Farbe der Wand und Leonardo musste sie reparieren. Im Laufe der Jahre, in denen es zusammengebrochen ist, wurde es Vandalismus ausgesetzt, bombardiert und wiederhergestellt. Heute sehen wir wahrscheinlich nur sehr wenig vom Originalgemälde.

Das Thema des letzten Abendmahls ist das letzte Essen Christi mit seinen Aposteln, bevor Judas Christus vor den Behörden identifiziert, die ihn verhaften. Das letzte Abendmahl (es wird angenommen, dass es dem Seder des jüdischen Osterns entspricht), wird es für zwei Ereignisse erinnert: Christus sagt zu seinen Aposteln "Einer von Ihnen wird mich verraten", und die Apostel reagieren jeweils nach ihrer Persönlichkeit. Leonardo bezieht sich auf die Evangelien und repräsentiert Felipe: "Herr, bin ich es?" Christus antwortet: "Wer seine Hand auf den Teller legt, wird mir geben" (Matthäus 26). Wir sehen, wie sich Christus und Judas gleichzeitig auf ein Gericht ausbreiten, das unter ihnen ist, selbst wenn Judas zur Defensive zurückgeht. Leonardo repräsentiert auch gleichzeitig Christus, der das Brot segnet und den Aposteln sagt: „Nehmen, essen; Dies ist mein Körper "und segnet den Wein und sagt" alles trinken; Weil dies mein Blut aus dem Pakt ist, der aus der Vergebung der Sünden vergossen wird “(Matthäus 26). Diese Worte sind der Gründungsmoment des Sakraments der Eucharistie (die wundersame Transformation von Brot und Wein im Leib und Blut Christi).

Die ausgewogene Komposition wird durch ein gleichseitiges Dreieck verankert, das vom Leib Christi gebildet wird. Er sitzt unter einem gewölbten Giebel, der, wenn er fertig ist, einen Kreis zieht. Diese idealen geometrischen Formen beziehen sich auf das Renaissance -Interesse am Neoplatonismus (ein Element der humanistischen Wiedergeburt, die Aspekte der griechischen Philosophie mit der christlichen Theologie versöhnt). In seiner Allegorie "La Cueva" betonte der griechische Philosoph Platon die Unvollkommenheit des irdischen Königreichs. Die Geometrie, die von den Griechen verwendet wurde, um die himmlische Vollkommenheit auszudrücken, wurde von Leonardo verwendet, um Christus als die Inkarnation des Himmels auf Erden zu feiern. Leonardo zog eine grüne Landschaft jenseits der Fenster. Oft als Paradies interpretiert, wurde vorgeschlagen, dass dieses himmlische Heiligtum nur durch Christus erreicht werden kann. Die zwölf Apostel sind in vier drei Gruppen angeordnet und es gibt auch drei Fenster. Die Nummer drei ist oft ein Hinweis auf die Heilige Dreifaltigkeit in der katholischen Kunst. Im Gegensatz dazu ist Nummer vier in der klassischen Tradition (z. B. Platons vier Tugenden) wichtig.

Seit dem letzten Abendessen, als er zum Meisterwerk erklärt wurde, hat sich das Wandbild das Lob von Künstlern wie Rembrandt Van Rijn und Peter Paul Rubens und Schriftstellern wie Johann Wolfgang von Goethe und Mary Wollstonecraft Shelley verdient. Er hat auch unzählige Reproduktionen, Interpretationen, Verschwörungstheorien und Fiktionswerke inspiriert. Der empfindliche Zustand des letzten Abendessens hat die Attraktivität des Gemäldes nicht verringert. Stattdessen ist es Teil des Erbe des Kunstwerks geworden. 

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Nr. 3 Die Rückkehr des verlorenen Sohnes - Rembrandt (1669)

Im Gleichnis vom verlorenen Sohn hat ein Vater zwei Kinder; Der jüngste bittet um sein Erbe, verschwendete sein Vermögen und kehrte nach dem Aufenthalt im Elend nach Hause zurück. Er beabsichtigt, seinen Vater zu bitten, ihn zu einem seiner Diener zu machen, aber der Vater dagegen feiert seine Rückkehr. Als sein ältester Sohn sich widersetzt, erzählt der Vater ihm, dass sie feiern, weil sein Bruder, der verloren gegangen war, jetzt die Bedeutung gewonnen hat.

Rembrandts letztes Wort tritt in seiner monumentalen Gemälde der Rückkehr des verlorenen Sohnes auf. Hier interpretiert er die christliche Idee der Barmherzigkeit mit außergewöhnlicher Feierlichkeit, als wäre dies sein spiritueller Wille für die Welt. Es geht über die Werke aller anderen Barockkünstler hinaus bei der Herangehensweise religiöser Humor und menschlicher Sympathie. Die Kraft des Realismus des älteren Künstlers nimmt nicht ab, sondern nimmt mit der psychologischen Wahrnehmung und dem spirituellen Bewusstsein zu. Die Beleuchtung und die ausdrucksstarke Farbe und der magische Vorschlag ihrer Technik sowie eine selektive Einfachheit der Einstellung helfen uns, den gesamten Einfluss des Ereignisses zu spüren.

Die Hauptgruppe des Vaters und des verlorenen Sohnes sticht im Licht gegen eine riesige dunkle Oberfläche hervor. Besonders lebendig sind das zerfetzte Kleid des Sohnes und der Ärmel des Ältesten, die mit goldener Oliven ocker gefärbt sind. Die Ockerfarbe in Kombination mit einem intensiven scharlachroten Rot im Mantel des Vaters bildet eine unvergessliche Harmonie von Colorist. Der Beobachter erwacht das Gefühl eines außergewöhnlichen Ereignisses. Der Sohn, ruiniert und ekelhaft, mit einem kahlen Kopf und dem Aussehen eines Ausgestoßenen kehrt nach langen Abenteuern und vielen Wechselfällen in das Haus seines Vaters zurück. Er hat sein Erbe in fremden Ländern verschwendet und in den Zustand des Vagabunds versunken.

Sein alter Vater, gekleidet in reichhaltige Kleidung, wie die stellvertretenden Figuren, hat ihn an der Tür empfangen und erhält den verlorenen Sohn mit der größten väterlichen Liebe. Das Ereignis enthält keine momentanen gewalttätigen Emotionen, steigt jedoch zu einer feierlichen Ruhe, die den Zahlen einige der Eigenschaften der Statuen angibt und Emotionen einen dauerhaften Charakter verleiht, der nicht mehr zeitlich verändert wird. Unvergesslich ist das Bild des reuigen Sünders, das von der Brust seines Vaters und des alten Vater auf seinem Sohn unterstützt wird. Die Merkmale des Vaters sprechen von einer erhabenen und August Güte; So tun Sie ihre verlängerten Hände, nicht frei von der Starrheit des Alters. Das Ganze repräsentiert ein Symbol für jede Rückkehr nach Hause, der Dunkelheit der menschlichen Existenz, die durch Zärtlichkeit, der müden und sündigen Menschheit beleuchtet wird, die sich in der Zuflucht der Barmherzigkeit Gottes flüchtet.

Die inhärente Botschaft, die dieses berühmte Gemälde überträgt, ist klar. Gott wird immer einem reuigen Sünder vergeben, was auch immer passiert.

Die religiöse Ikonoklasie, die nach der Veröffentlichung der Niederlande des kolonialen Jochs Spaniens und der katholischen Kirche stattfand, verwandelte die kalvinistischen Kirchen in bloße Muscheln und widmete sich der Anbetung, Predigt und Gebet. Die niederländischen Behörden hatten keine Lust, ihre Anbetungsstätten mit Altarpieces, frisch oder einer anderen Art von religiöser Kunst, um zu sprechen, zu schmücken.

Andererseits wurde Holland berühmt für den niederländischen Realismus, eine Art Malstil und ein kleines Geschlechtsporträt, detailliert und hochrealistisch, von denen viele moralische Botschaften verschiedener Typen enthielten.

Eine dritte Art von Kunst, in der niederländische realistische Künstler auffiel, war das Gemälde einer toten Natur (insbesondere von Vanitas -Gemälde), die auch eine moralische Botschaft enthielt, manchmal religiös. Dies war das nächste, was viele Niederländer zur "protestantischen Kunst" kamen.

Daher ist es noch überraschender, dass ein niederländischer protestantischer Maler wie Rembrandt zu einem solch aufschlussreichen Dolmetscher biblischer Szenen wird.

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Nr. 4 Die Hochzeiten von Kana - Paolo Veronese (1562-1563)

Das Thema dieses berühmten Gemäldes basiert auf der biblischen Geschichte im Evangelium des hl. Johannes (Johannes 2: 1-11), auf einer Ehe in Kana, Galilea, an der Maria, Jesus und ihre Jünger teilnahmen. Gegen Ende der Hochzeitsfeier, wenn der Wein ausgeht, fragt Jesus, dass Steingläser mit Wasser gefüllt sind, was der Lehrer dann in Wein verwandelt. Diese Episode, die erste der sieben Zeichen des Johannesevangeliums, die den göttlichen Zustand Jesu bestätigt, ist ein Vorläufer der Eucharistie.

Die Hochzeiten von Cana (oder das Hochzeitsbankett von Cana) von Paolo Veronese sind ein Öl auf Leinwand, das 1563 für das Benediktiner -Kloster von San Giorgio Maggiore in Venedig gemalt wurde. Veronese versetzte die biblische Geschichte in die modernste Phase einer typisch extravaganten venezianischen Hochzeit.
Die Hochzeit von Cana kombiniert Elemente verschiedener Stile und passte sich an die Komposition an die Komposition der hohen Renaissance an - beispielhaft durch die Werke von Leonardo, Rafael und Miguel Ángel. Zu diesem fügte ein oder zwei Merkmale des Manierismus sowie eine Menge an allegorischer und symbolischer Merkmale hinzu.

Der Inhalt des Gemäldes besteht auch aus einer komplexen Mischung aus heiligen und profanen, religiösen und weltlichen, theatralischen und weltlichen, europäischen und östlichen. Das Bankett ist im großen Stil der zeitgenössischen venezianischen Gesellschaft vertreten und findet in einer Terrasse, die von dorischen und korinthischen Säulen flankiert und von einer niedrigen Balustrade begrenzt wird. In der Ferne sehen Sie einen portizierten Turm, der vom in Padua Andrea Palladio geborenen Architekt entworfen wurde. Im Vordergrund berührt eine Gruppe von Musikern mehrere Lutes und Streichinstrumente. Zu den musikalischen Figuren gehören die vier großen Maler von Venedig: Veronese selbst (in Weiß gekleidet, die Viola da Gamba), Jacopo Bassano (in Flöte), Tintoretto (Geige) und Tiziano (rot gekleidet, das Cello berühren).

Die Gäste auf dem Brauttisch, die alle auf sie warten, zusammen mit einer beunruhigenden Vielfalt von Lizenzgebühren, Adel, Beamten, Mitarbeitern, Dienern und anderen, die eine repräsentative Stichprobe der venezianischen Gesellschaft und Kleider auf verschiedene Weise mit biblisch, venezianisch oder orientalisch darstellen und geschmückte Kostüme, die mit prächtigen Frisuren und Artikeln von Juwelier geschmückt sind. Zahlreiche historische Figuren erscheinen in den Hochzeiten von Kana, darunter: Kaiser Carlos V, Leonor de Österreich, Francisco I. von Frankreich, María I. von England, Solimán, die prächtige Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Pole und Sokollu Mehmet,. Insgesamt sind in diesem berühmten nachgebildeten Gemälde etwa 130 einzigartige Figuren dargestellt.

In der Arbeit sind die religiösen Symbole der Leidenschaft zusammen mit luxuriösen Silberschiffen des 16. Jahrhunderts enthalten. Die Möbel, die bequemen, der Krug und die Glasgläser und Vasen enthüllen die Party in seiner ganzen Pracht. Jeder Gast auf dem Tisch hat einen einzelnen Ort mit Serviette, Gabel und Messer. In dieser Bedeutung der Bedeutung entgeht kein Detail dem Auge des Künstlers.
Der Maler wählte teure Pigmente aus, die von venezianischen Kaufleuten aus dem Osten importiert wurden: Orange gelbe, intensive Rotweine und Lapislázuli werden in Vorhängen und im Himmel weit verbreitet. Diese Farben spielen eine wichtige Rolle bei der Lesbarkeit des Malerei; Sie tragen für ihre Kontraste zur Individualisierung der einzelnen Figuren bei.

HINWEIS: Während viele Figuren im Bild miteinander interagieren, spricht keiner von ihnen wirklich. Dies soll den von allen Benediktinermönchen im Reflektory beobachteten Schweigenkodex befolgen, in dem das Bild aufgehängt werden sollte.

Die Hochzeitsfeier von Cana enthält viel Symbolik. Das gesamte Werk symbolisiert zum Beispiel die Wechselwirkung zwischen irdischem Vergnügen und irdischer Sterblichkeit. Hinter der Balustrade wird auf der Figur Jesu ein Tier in Anspielung auf das nächste Opfer Jesu geopfert, wie das Lamm Gottes, ein Hinweis, der sich auf den Hund beruht, der am Fuß des Gemäldes einen Knochen kaut. In der Zwischenzeit links von Jesus, der Jungfrau Maria Ahueca ihre Hände, um ein Glas darzustellen, das den neuen Wein der Menschheit enthält, dh das Blut Christi. Außerdem gibt es vor den Musikern eine Sanduhr, ein Standardverweis auf die Vergänglichkeit irdischer Freuden, einschließlich menschlicher Eitelkeit.

Die Benediktiner des Klosters von San Giorgio Maggiore de Venedig beauftragten dieses immense Bild 1562, ihr neues Reflektory zu dekorieren. Der Vertrag, der Veronese zur Verwirklichung des Hochzeitsbanketts verpflichtete, war äußerst präzise. Die Mönche bestanden darauf, dass die Arbeit monumental sei, um die gesamte Wand des Reflektories zu füllen. Es wurde in einer Höhe von 2,5 Metern vom Boden entfernt und wurde so konzipiert, dass es eine Illusion des ausgedehnten Raums erzeugt. Diese Arbeit von 70 m² bewohnte Veronese 15 Monate lang, höchstwahrscheinlich mit Hilfe seines Bruders Benedetto Caliari. Die Kommission war ein Wendepunkt in Veronese Karriere; Nach dem Erfolg des Gemäldes würden andere Religionsgemeinschaften nach einer ähnlichen Arbeit in ihren eigenen Klöster weinen. Trotz seiner außergewöhnlichen Dimensionen wurde das Gemälde 1797 von Napoleons Truppen beschlagnahmt, eingeschrieben und nach Paris geschickt.

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 Nr. 5 The Athens School - Rafael (1509-1511)

Millionen von Augen haben sich über das ewige Treffen ehemaliger Philosophen und Mathematiker, Staatsmänner und Astronomen gestaunt, die Rafel in seinem berühmten Fresko hell vorgestellt hat.

Insbesondere Rafaels Fresco, die Athens -Schule, symbolisiert die Union of Art, Philosophie und Wissenschaft, die ein unverwechselbares Siegel der italienischen Wiedergeburt war. Es wurde zwischen 1509 und 1511 gemalt und befindet sich in der ersten der vier Räume, die von Rafael, der Strophe Della Segnatura, entworfen wurden. Zu dieser Zeit war eine Kommission des Papstes die Spitze der Karriere eines Künstlers. Für Rafel war es die Bestätigung einer bereits blühenden Karriere.

Rafael hat der Herausforderung gerecht und schuf einen umfangreichen Katalog vorbereitender Skizzen für alle seine Fresken. Diese würden dann auf große Cartoons erweitert, um das Design auf den nassen Gips zu übertragen. Zur gleichen Zeit wie Miguel Ángel auf dem Dach der Sixtinischen Kapelle wird angenommen, dass dies dazu beigetragen hat, Rafael zu steigern und zu inspirieren, indem er seine Wettbewerbskraft stimuliert.

Rafel brachte die Idee auf ein völlig neues Niveau mit Massenkompositionen, die Philosophie, Theologie, Literatur und Rechtsprechung widerspiegelten. Als Ganzes leitete sie sofort den Intellekt des Papstes und hätten eine Diskussion zwischen gebildeten Köpfen geführt, die das Glück hatten, in diesen privaten Raum einzutreten. Die Athens School war das dritte Bild, das Rafael nach Streit (was die Theologie darstellt) und Parnassus (was Literatur darstellt) abgeschlossen hat. Es wird gegen Streit gestellt und symbolisiert die Philosophie und stellt einen Kontrast zwischen religiösen und weltlichen Überzeugungen fest.

Die Athens School ist ein Meisterwerk, das visuell ein intellektuelles Konzept darstellt. In einem Gemälde verwendete Rafael Gruppen von Figuren, um eine komplexe Lektion über die Geschichte der Philosophie und die verschiedenen Überzeugungen der großen griechischen Philosophen zu präsentieren. Rafael hätte sich sicherlich der privaten Ausstellungen der Sixtinischen Kapelle in Progreso bewusst gewesen, die von Bramante organisiert wurden.

Wer sind die Figuren der Athenschule?
Die beiden Denker des Zentrums selbst, Aristoteles, rechts und Platon, links, die nach oben zeigten, waren für das westliche Denken im Allgemeinen sehr wichtig. Auf unterschiedliche Weise wurden ihre unterschiedlichen Philosophien in das Christentum einbezogen.

Für Platons Links ist Sokrates dank seiner unverwechselbaren Merkmale erkennbar. Es wird gesagt, dass Raphael ein altes Büstenporträt des Philosophen als Leitfaden verwenden könnte. Er wird auch durch die Geste seiner Hand identifiziert, wie Giorgio Vasari im Leben der Künstler betont.

Im Vordergrund sitzt Pythagoras mit einem Buch und einem Inkwell, der ebenfalls von Studenten umgeben ist. Obwohl Pythagoras für seine mathematischen und wissenschaftlichen Entdeckungen bekannt ist, glaubte es auch fest an Metempsychose.
Euclid spiegelt die Position von Pythagoras auf der anderen Seite wider und neigt dazu, etwas mit einem Kompass zu demonstrieren. Ihre jungen Schüler versuchen, die Lektionen zu erfassen, die sie unterrichten.

Der große Mathematiker und Astronom Ptolemaios ist direkt neben Euklid, mit dem Rücken an den Betrachter. Mit einem gelben Gewand hält er einen Landballon in der Hand. Es wird angenommen, dass der bärtige Mann vor ihm stehen blieb und einen himmlischen Ballon hielt, ist der Zoroastro -Astronom. Interessanterweise ist der junge Stand neben Zoroaster, der den Betrachter betrachtet, kein anderer als Raphael selbst. Die Einbeziehung dieser Art von Self -Portrait ist zu dieser Zeit nichts Unbekanntes, obwohl es eine mutige Bewegung für den Künstler war, seine Ähnlichkeit mit einem Werk einer solchen intellektuellen Komplexität zu integrieren.

Es ist allgemein anerkannt, dass der ältere Herr, der auf den Stufen liegt, Diogenes ist. Gründer der zynischen Philosophie war in seiner Zeit eine umstrittene Figur, die ein einfaches Leben führte und kulturelle Konventionen kritisierte.
Eine der auffälligsten Figuren der Komposition ist ein nachdenklicher Mann, der im Vordergrund sitzt und seine Hand im Kopf in einer klassischen Position von "Denker" sitzt.

Auf dem Gebiet der Philosophen ist er Heraklit, ein Pionier der selbsttauten Weisheit. Er war ein melancholischer Charakter und genoss die Gesellschaft anderer nicht, was ihn zu einer der wenigen Charaktere machte, die aus dem Fresko isoliert wurden.

Zwei großartige Statuen sitzen in Nischen im hinteren Teil der Schule. Zu Platons rechts sehen wir Apollo, während links von Aristoteles Minerva ist. Minerva, die Göttin der Weisheit und Gerechtigkeit, ist ein angemessener Vertreter der Moralphilosophie des Freskos. Interessanterweise bringt es seine Position auch näher an Rafaels Fresko über die Rechtsprechung, die sich direkt zu seiner Linken entwickelt.

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Nr. 6 Transfiguration - Rafael (1520)

 

1517 von Kardinal Giulio de 'Medici (1478-1534) (der Familie Florentiner Medici), die bald Papst Clemente VII (1523-34) werden sollte Die Auferstehung von Lázaro von Sebastiano del Piombo), dessen Erzbischof er war - 1536).

Immerhin behielt der Kardinal das Gemälde in Rom und durch den Zugang zum Papsttum im Jahr 1523 gab er es der Kirche von San Pietro in Montorio, Rom, an. 1774 bestellte der neue Papst Pius VI (1775-99) eine Kopie in Mosaic und installierte sie in der Basilika von San Pedro. Das Gemälde selbst wurde 1797 von Napoleon geplündert und nach Paris gebracht, von wo aus es 1815 zurückgeführt wurde.

Diese Arbeit zeigt zwei nicht verwandte biblische Ereignisse. Oben ist die Geschichte der Verklärung Christi. Im unteren Teil befindet sich die Geschichte eines jungen Mannes, der von einem Dämon besessen ist.

Jesus zeigt oben auf dem Mount Tabor (Israel) mit einem weißen Gewand wie dem glänzenden Schnee und neben ihm die Propheten Moses rechts und Elia links. Die Wolken hinter Jesus sind beleuchtet. Jesus hebt seine Arme und schaut zu Gott.

Unter Jesus sind drei seiner Jünger von links nach rechts, Santiago, Pedro und Johannes. Sie bedecken ihr Gesicht mit ihren Händen, weil der Himmel zu hell für seine Augen ist. Die beiden Figuren links sind wahrscheinlich Justus und Pastor. Dies sind zwei christliche Märtyrer, denen sich die Kirche engagiert, in der das Gemälde ursprünglich platziert wurde.

Unten können Sie die neun Jünger Jesu sehen, die nicht zum Berg auf der linken Seite gegangen sind. Sie versuchen, einen jungen Mann zu heilen, der von einem bösen Geist besessen ist. Die Figur der blauen Tunika in der unteren linken ist wahrscheinlich Mateo. Wenden Sie sich an ein Buch, finden Sie jedoch nicht die Lösung, um den jungen Mann zu heilen. Der junge Schüler der gelben Tunika ist Felipe. Rechts von Felipe, mit dem roten Robe, gibt es Andrés. Der Mann hinter Andrés, der auf das kranke Kind zeigt, ist Judas Tadeo und der älteste Mann zu seiner Linken ist Simon. Der Mann auf der extremen Linken ist wahrscheinlich Judas Iscariot. Die Jünger können den jungen Mann nicht heilen. Dies kann erklären, warum der rote Jünger auf Jesus auf der Spitze des Berges hinweist. Der kranke junge Mann auf der rechten Seite hat einen blauen Stoff um seine Taille gewickelt und sieht sehr blass aus und macht eine wilde Geste. Sie können sehen, dass Ihre Augen in verschiedene Richtungen aussehen. Der Mann hinter ihm mit dem grünen Gewand ist sein Vater, der ihn festhält, und betrachtet die Jünger gleichzeitig mit Hoffnung und Angst. Vor dem jungen Mann sehen zwei Frauen die Jünger an, während sie auf den jungen Mann zeigen.

Beide Geschichten sind in Matthäus 17, Marcos 9 und Lukas 9 beschrieben. Bibelgeschichte beschreibt, wie Jesus in eine strahlende Herrlichkeit umgewandelt wird, wenn er mit drei seiner Jünger in einem Berg bete. Jesus spricht mit Mose und Elia und hört auch auf die Stimme Gottes. Die Verklärungsparty wird am 6. oder 19. August noch in vielen Kirchen gefeiert.

Die Abmessungen der Übertragung betragen 403x276 cm. Rafael zog es vor, Leinwand zu malen, aber dieses Gemälde wurde mit Ölgemälden auf Holz als ausgewählte Medien hergestellt. Rafael zeigte tatsächlich einen fortgeschrittenen Manierismus und Techniken der Barockzeit in diesem Gemälde. Die stilisierten und verdrehten Posen der Figuren der unteren Hälfte weisen auf Manierismus hin. Die dramatische Spannung in diesen Figuren und die liberale Verwendung von Licht zu Dunkelheit oder Kontraste von Chiaroscuro repräsentieren die Barockzeit übertriebener Bewegung, um Drama, Spannung, Überschwang oder Beleuchtung zu erzeugen. Der Verklärung Er ging zu seiner Zeit, genau wie Raphaels Tod zu früh kam.

Der Die Verklärung war die uLetzte große Arbeit von Rafael und ein zweifelloses Meisterwerk der Alto Italian Renaissance, befindet sich jetzt in der apostolischen Pinacoteca, einem der Vatikanmuseen. Infolge einer wichtigen Restaurierung, die 1977 von Experten des Vatikanischen Naturschutzes durchgeführt wurde, ist die Farbpalette von Rafael Renaissance jetzt völlig sichtbar und das Gemälde hat ihre makellose Pracht wiederhergestellt. Die Restaurierung löste auch anhaltende Fragen zum Schöpfer des Gemäldes auf. Obwohl es unvollendet ist, war dieses große Meisterwerk das Produkt von Rafaels Genie.

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Nr. 7 Das endgültige Urteil - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros gibt dem Leser einen genaueren Blick auf die Geschichte dieses ikonischen Freskos, um besser zu verstehen, wie das endgültige Urteil nachhaltig auf die Welt der religiösen Kunst ausgewirkt hat.

Westliche prophetische Religionen (dh Zoroastrismo, Judentum, Christentum und Islam) entwickelten Konzepte des endgültigen Urteils, das reich an Bildern ist.

"Es wird zu Living and Dead kommen" (aus dem Glaubensbekenntnis der Apostel, einer der ersten Aussagen des christlichen Glaubens).

Das endgültige Urteil war eines der ersten Kunstwerke, mit denen Paul III. In Auftrag stand, 1534 für das Papsttum ausgewählt zu werden. Die von ihm ererbte Kirche war in einer Krise; Die Plünderung von Rom (1527) war immer noch ein neuer Gedächtnis. Paulus versuchte nicht nur die vielen Missbräuche, die die protestantische Reform verursacht hatten, sondern auch die Legitimität der katholischen Kirche und die Orthodoxie seiner Lehren (einschließlich der Institution des Papsttums) zu bekräftigen. Die bildenden Künste würden eine Schlüsselrolle in ihrer Agenda spielen, beginnend mit der Botschaft, die er an seinen intimen Kreis richtete, als er das endgültige Urteil in Auftrag gegeben hatte.

Gemalt, als Miguel Ángel vollständig in seinem reifen Stil war, hatte das Kunstwerk eine sofortige Wirkung und verursachte Kontroversen. Während dieses endgültige Urteil der Menschheit kein ungewöhnliches Thema für einen Künstler der Renaissance war, tat Miguel Ángel es ausschließlich mit einem Stil, der geschätzt und herabgesetzt wurde.

Diese neue Mauer der Sixtinischen Kapelle hätte ein spezifisches Thema: das endgültige Urteil. Die Beschreibung des zweiten Kommens Jesu Christi und des endgültigen Gerichts Gottes über die Menschheit war ein populäres Thema in der gesamten Renaissance. Miguel Ángels Vision zu diesem Thema ist im Laufe der Zeit zu Ikonen geworden. In der Fresko sehen wir mehr als 300 Figuren, die von Experten gemalt wurden, um diese Geschichte auszuführen. Christus sitzt in der Mitte, seine Hand, um die Verurteilten zu beurteilen, die in die Tiefen der Hölle sinken. Bei welligen Muskeln ist dieser Christus eine imposante Figur. Zu seiner Linken sitzt die Jungfrau Maria. Er hat einen veröffentlichten Besitz angenommen und schaut auf diejenigen, die gerettet wurden. Unmittelbar um dieses zentrale Paar gibt es eine Gruppe wichtiger Heiliger. San Pedro, der die Schlüssel des Himmels hat, und der heilige Johannes der Täufer werden in der gleichen Größe wie Christus gezeigt. Caronte und die Seelen der Verurteilten. Die allgemeine Komposition dreht sich in einer Flüssigkeitsbewegung, wobei die links von Christus auf dem Foto, das von ihren Gräbern aufsteigt, während die Verurteilten in die Hölle gedrängt werden. Im unteren Teil des Freskos sehen wir Caronte, eine mythologische Figur. In der griechischen und römischen Mythologie transportierte er Seelen in die Unterwelt. Hier bringt er sie direkt zur Hölle, was voller makaberer Charaktere ist.

Als Dante in seinem großen epischen Gedicht, der göttlichen Komödie, versuchte Miguel Ángel, ein episches Gemälde zu schaffen, das der Größe des Augenblicks würdig war. Er benutzte Metaphern und Anspielungen, um sein Thema zu dekorieren. Sein gebildetes Publikum würde sich mit seinen visuellen und literarischen Referenzen erfreuen. Ursprünglich für ein eingeschränktes Publikum bestimmt, verbreiteten die reproduktiven Gravuren der Fresko es schnell überall und stellten es in die animierten Zentrumdebatten über die Verdienste und Missbräuche religiöser Kunst.

Während einige dieses berühmte Gemälde als Höhepunkt der künstlerischen Erfolge jubelten, betrachteten andere es als Inbegriff von allem, was mit religiöser Kunst schief gehen und sie um ihre Zerstörung fragte. Am Ende wurde eine Verpflichtung erreicht. Kurz nach dem Tod der Künstlerin im Jahr 1564 wurde Daniele da Volterra mit Nalgen und Englisch nackt mit Vorhängen und neuem Santa Catalina de Alejandría abgebildet, das ursprünglich ohne Kleidung dargestellt wurde, und San Blas, der sie mit ihren Stahlkämmen bedrohte (was wiegt !).

Im Gegensatz zu seinem begrenzten Publikum im 16. Jahrhundert sehen nun Tausende von Touristen das endgültige Urteil täglich. Während der päpstlichen Konklaven wird jedoch erneut eine starke Erinnerung an das Cardinal College seines Platzes in der Geschichte der Erlösung, da sie sich treffen, um den irdischen Pfarrer Christi (dem nächsten Papst) zu wählen, die er für die Beweidung verantwortlich sein wird die Gläubigen. in der Gemeinschaft der Auserwählten.

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Nr. 8 Der Turm von Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Nach der Geschichte des Alten Testaments bestrafte Gott die Menschheit auf drei Arten.

Der erste war die Ausweisung von Adam und Eva von Eden nach der Erbsünde. Dann kam die große Flut, die Strafe für die Vielzahl menschlicher Ungerechtigkeiten. Und der dritte war, als Gott, misstrauisch gegenüber dem Stolz und der Vermutung der Bürger der gewalttätigen neuen Stadt Babylon, "die Rede aller verwirrt und sie durch das breite Gesicht der Erde verbreitete".

Was hatten die Babylonier so entzündlich? In den Augen Gottes hatten sie die Ordnung der Dinge mit ihrem erklärten Wunsch herausgefordert, ein "großes Volk" zu werden, dargestellt durch die Konstruktion eines riesigen Turms, "mit einer Höcker, die den Himmel erreicht". Menschen sollten so hohe Höhen anstreben, ob physisch oder metaphorisch. Die von Gott dafür ausgewählte Bestrafung bestand darin, die gemeinsame Sprache zu beenden, die alle Völker vereint und eine Vielzahl verschiedener Sprachen geschaffen hat, "damit sie nicht verstanden werden können". Die daraus resultierende Verwirrung bedeutete, dass "der Bau der Stadt zu Ende ging". Nach der Bibel "wurde die Stadt Babel" oder Babylon genannt ". Von allen Kunstdarstellungen dieses großen Turms, der Gott so sehr beleidigt hatte, ist der denkwürdigste Turm von Babel von Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Dieses berühmte Gemälde, eines der vielen Gemälde, die religiöser Kunst gewidmet sind, war der zweite von drei Versionen des Babel -Turms, das von Pieter Bruegel gemalt wurde. Die erste Version (jetzt verloren) war eine Elfenbeinminiatur, die im Inventar des italienischen Miniaturisten in Kroatien Giulio Clovio (1498-1578) wurde, mit dem Bruegel 1553 in Rom zusammenarbeitete. Auf Holz datiert 1564, das sich jetzt im Boijmans Van Beuningen Museum in Rotterdam befindet. Es wird allgemein angenommen, dass Rotterdams Malerei ungefähr ein Jahr nach Wiens Bild stammt. Der "großartige" Wiener Turm ist fast doppelt so groß als der "kleine" Rotterdam -Turm und zeichnet sich durch eine traditionellere Behandlung des Subjekts aus. Basierend auf Genesis 11: 1-9, in dem der Herr die Menschen verwirrt, die anfingen, "einen Turm zu bauen, dessen Top den Himmel erreichen kann", beinhaltet, wie die andere Version, die Schauplatz von König Nimrod und seinem Gefolge. vor der Vielzahl der knienden Arbeiter. Dieses Ereignis wird in der Bibel nicht erwähnt, sondern in Antiquitäten der Juden von Flavio Josephus vorgeschlagen.

Für Bruegel war es wichtig, weil er die Sünde des Stolzes und der Arroganz des Königs unterstrich, der das Bild hervorheben soll.

Detaillierter Realismus Der Turm von Babel legt eine große Menge an sorgfältigen Details vor, die sich auf den Bau des Gebäudes im Zusammenhang mit dem baulichen Kenntnis von Bruegel über Konstruktionstechniken im Zusammenhang mit mehreren Gemälden beziehen, die die Ausgrabung der Bernstrudelbuselas veranschaulichen, Kanal. Rechts befindet sich ein riesiger Kran, der dem sichtbar auf dem Hafen im Grimani -Brevier ist.

Ameisen Ähnliche Arbeiter tragen es mit riesigen Steinplatten, die sie von unten erhalten haben, und werden an die obere Rampe übergehen, wo andere bereit sind, sie zu empfangen. Ein Arbeiter geht eine Leiter in Richtung dieses Abschnitts hinauf, der von Felsen zu Architektur verwandelt wird, die von einer Vielzahl anderer Menschen strukturiert werden. Auf der linken Seite endet ein Teil der Fassade bereits teilweise; Eine Frau tritt durch eine der Türen ein, eine Leiter erscheint durch eines der oberen Fenster. Oben arbeitet eine weitere große Vielzahl von Arbeitern auf dem Dach und so weiter in Unendlichkeit.

Unabhängig von der Angemessenheit dieser individuellen Handlungen und dieser Punkt wurde der Zuschauer sofort der Ansicht, dass die groteske Insuffizienz von technischen Medien sowie der Wahnsinn des gesamten Bauunternehmens.

Da diese "Ameisen" fleißig sind, sehen sie sich verzweifelte Widrigkeiten aus, die brillant demonstriert werden. Innerhalb der gleichen Ebene widerspricht die Beendigung des letzten Details nackte Anfänge mit Zwischenstufen in der Mitte, die auf ein hektisches Rennen gegen die unaufhaltsame Zeit hinweist, während der obere Teil immer noch von Wolken eindringen wird.

Als wir uns Bruegels Gemälde betrachteten und versuchten, es zu interpretieren, sind wir auch in eine Übersetzungsübung eingetaucht: Hat er einfach der biblischen Geschichte visueller Ausdruck gegeben? Oder habe ich versucht, etwas Breiteres zu tun? Oder einfach eine Kombination aus beiden?

Es sollte uns nicht überraschen, dass es in der Kunstwelt nicht unbedingt einverstanden über Bruegels Absichten besteht. Anstatt offen umstritten zu sein, hat der Lehrer seine Arbeit mit Zeichen eingebettet und verlässt uns, seine treuen Zuschauer, um sie für uns selbst zu interpretieren.

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Nr. 9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Der Virgen del Jilguero, eines der Florentiner -Panels von Rafael, wurde von Rafael für die Heirat ihrer Freundin Lorenzo Nasi und Sandra di Matteo di Giovanni canigiani gemalt. Das Gemälde wurde nach dem teilweisen Zusammenbruch des Nasi -Hauses im Jahr 1547 schwer beschädigt, wie Vasari erwähnt. Anschließend wurde es wahrscheinlich von Michele di Ridolfo del Ghirandio (Michele Tosini), einem Co -Arbeiter im Ghirandio -Workshop, der tief von Rafael beeinflusst wurde.

Das Kind Jesus streichelt liebevoll einen Jilguez -Vogel, den das baptistische Kind ihm gerade gegeben hat. Ein Symbol der Leidenschaft (der Gipfel, weil es zwischen Dornen füttert) wird somit in einer Szene kombiniert, die auf der ersten Ebene einfach als Kinder spielen kann.

Rafael nahm die Erfolge der Florentiner Kunst ab, die zu dieser Zeit in Europa an der Spitze standen. Der Künstler wurde stark von der Figur von Leonardo beeinflusst. Der Einfluss der großen Künstlerwissenschaftlerin zeigt sich in der schönen Madonna del Jilguero ("Madonna del Cardellino") (1506), kürzlich restauriert (2008) mit Bedacht und erfahren. Rafael akzeptiert den Ansatz der Pyramidenzusammensetzung, die weichen Auswirkungen des schwachen leichten und emotionalen Dialogs zwischen den Charakteren und enthüllen die Elemente von Leonardos Gemälde. Trotzdem ist es auch klar, welcher persönliche Stil von Rafael sein wird: die extreme Süße der Gesichter, insbesondere der Madonnas, die meisterhafte Verwendung von Farben, die realistische Reproduktion der Landschaft und die tiefe Intimität zwischen den Figuren.

Die Jungfrau Maria ist rot und blau gekleidet. Rot ist ein Symbol für die Leidenschaft Christi und Blau ist das Symbol der Kirche und Maria. Es war eines der teuersten Pigmente und daher für eine wichtige Figur wie Maria angemessen. Der europäische Jilguero ist mit der Kreuzigung Jesu verbunden. In diesem Gemälde übergeht der heilige Johannes den Vogel als Warnung vor seinem gewalttätigen Tod an Jesus. Aus dem Buch, das Mary hält, haben Experten die Wörter "sedes Sapientiae" identifiziert. Dies ist einer der Andachtstitel, die Maria gegeben und "Sitz der Weisheit" bedeutet. Es betont, dass Maria Jesus geboren hat (was Weisheit darstellt). Wenn Maria in der Rolle des "Sitzes der Weisheit" vertreten ist, wird er normalerweise auf einem Thron mit Jesus in seinem Schoß gezeigt. In diesem Fall dient der Felsen, auf dem Maria fühlt, als Thron.

In dem Gemälde können Sie mehrere Blumen sehen. Während nicht alle Blumen endgültig identifiziert wurden, glauben viele, dass die Blumen: Anemonen (die den Schmerz Maria durch die Leidenschaft Jesu darstellen) Margaritas (die die Unschuld des Kindes Jesus repräsentieren), Bananen (die den Weg dazu darstellen folge Jesus) und Veilchen. (was Demut darstellt).

In der europäischen Kunst wird der Gipfel häufig als Symbol verwendet. Der europäische Jilguero, Carduelis carduelis, hat ein rotes Gesicht und einen Kopf in Schwarz und Weiß. Hunderte von Wiedergeburt Gemälden haben den Jilguero repräsentiert. Der europäische Jilguero ist oft mit der Auferstehung verbunden, aber auch mit der Seele, dem Opfer und dem Tod. Die Legende besagt, dass der Spieler während der Kreuzigung Jesu den roten Fleck auf seinem Kopf erhielt, als er einen Dorn aus der Krone Jesu reißen wollte, und ein Tropfen Blut Jesu spritzte seinen Kopf. Tatsächlich ist bekannt, dass der Spieler Disteln und Dornen isst und daher mit der Dornenkrone in Verbindung gebracht wurde, die Jesus in seiner Kreuzigung verwendet hat.

Die Landschaft und insbesondere die architektonischen Formen, die sie enthält, spiegelt den Einfluss der Flamenco -Kunst wider, obwohl sie immer noch auf Umbrien strukturiert ist. Dieser Einfluss war in Florenz genauso lebendig wie in Urbino in der zweiten Hälfte des Quattrocento. Vielleicht ist es auf geneigten Dächern und hohen Nadeln sichtbarer, ungewöhnliche Elemente in einer mediterranen Landschaft. Der Einfluss von Miguel Ángel ist in der gut gestrukturierten Figur des Kindes Christus erneut erkennbar.

Dieses berühmte Bild erlitt am Ende des 16. Jahrhunderts schwere Schäden, weil das Gebäude, in dem es war, zusammenbrach. Er erlitt schwerwiegende Schäden wie die tiefen und langen Schnitte, die die Holzplatte entstellt hatten. Viele Restaurierungen folgten im Laufe der Jahrhunderte, aber nur dank der letzten (gemachten 2008) kehrten die Arbeiten in ihre ursprüngliche Pracht zurück. Daher kann der Virgen del Jilguero als eines der schönsten Beispiele von Rafaels großem Maler The "Göttlich" geliebt und bewundert werden.

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Nr. 10 Christus von San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Der Christus von San Juan de la Cruz wurde 1951 vom spanischen surrealen Maler Salvador Dalí zu einer Zeit gemalt, als er aus dem starken anti -religiösen Atheismus seiner Jugend hervorging und den katholischen Glauben erneut umarmte.

Ohne Zweifel ist Dalís bekannteste religiöse Arbeit sein "Christus von San Juan de la Cruz", dessen Figur Port Ligat Bay dominiert. Das Gemälde wurde von einer Zeichnung inspiriert, die im Kloster der Inkarnation in Ávila, Spanien, aufbewahrt und von San Juan de la Cruz selbst gemacht wurde, nachdem er diese Vision Christi während eines Ekstases gesehen hatte.

In Dalis Gemälde stammen Menschen neben dem Schiff aus einem Bild von Le Nain und einer Zeichnung von Diego Velázquez für Bredas Übergabe. Am Ende seiner Studien für den Christus schrieb Dalí: "In erster Linie hatte ich 1950 einen" kosmischen Traum ", in dem ich dieses Farbbild sah und dass in meinem Traum den Kern des Atoms darstellte. Dieser Kern Später erwarb ich einen metaphysischen Sinn: Ich betrachtete in "The Unity of the Universe" zum Christus! Zweitens, als ich dank der Anweisungen von Pater Bruno, einem Karmelit, den Christus sah Geometrisch ein Dreieck und ein Kreis, der alle meine früheren Experimente ästhetisch zusammenfasste und meinen Christus in diesem Dreieck eingeschrieben hat. "

In dem Porträt verwendete Salvador Dalí genial zwei verschiedene realistische Farben, darunter Blau und Grün, um die erstaunliche Landschaft des Meeres darzustellen, wahrscheinlich eine Allegorie für das Meer von Galiläa. Der Maler verwendete eine einzigartige Technik, um das Meer auf der Ebene der Augen zu malen, während der Leib Christi in der Luft des Kreuzes hängt. Hinter dem Kreuz verwendete der Maler schwarzer Ölfarbe. Dies sollte den Leib Christi zum Mittelpunkt der Aufmerksamkeit machen.

Dalí war in der Lage, die Muskeln Christi in einem feinen Ton darzustellen. Abgesehen davon gelang es ihm, Schatten zu malen, die Tiefe verursachten. Zusätzlich bemalte Salvador entfernte Berge in der Höhe der Augen. Am Ende des Bildes sehen Sie einen einsamen Mann mit seinem Boot auf einem Dock. Der renommierte Maler konnte realistische Farben und ein geordnetes Design kombinieren, um ein beeindruckendes surreales Porträt der religiösen Figur zu schaffen.

Es wurde gesagt, dass die ursprüngliche Version des 16. Jahrhunderts ein Kruzifix aus dem Winkel darstellt, in dem eine sterbende Person es sehen würde, wenn er es zeigt, um es zu verehren.

Dalí lässt uns Christus und das Kreuz direkt von oben sehen und in den Set der Wolken unter und die Erde darunter nach unten schauen. Es ist eine himmlische Perspektive, in der Tat der Gottes des Vaters. Es ist interessant, dass der Sohn Christus die gleiche Perspektive wie der Vater teilt: Sein Standpunkt folgt und setzt sich weiter an den des Vaters. Das vierte Evangelium betont, dass der Sohn vom Vater stammt und eins mit ihm ist, der alles sieht und tut, was der Vater ihm sagt. In gewisser Weise bietet der Vater den Sohn auch der Welt an, um ihn zu retten.

In der Gemälde des Christus von San Juan spiegelt sich das heilige Herz Jesu nicht äußerlich wider, sondern ist am künstlerischen Einsatz einer Kraft beteiligt, die die Schmach des Kreuzes überwindet. Dalí malt uns einen siegreichen Christus. Es zeigt, dass der Christus von San Juan de la Cruz für die Liebe zu Tode ausgeht.

In der "Christus von San Juan de la Cruz" von Dalí hat Jesus am Kreuz die Mächte und Behörden entwaffnet und sie zu einem öffentlichen Spektakel gemacht, das mit der Kraft ihrer Liebe am Kreuz über sie triumphiert (Oberst 2: 15).

So ist das Kreuz der Ort, an dem Gut dem Bösen aussieht, wo die Dunkelheit vom Licht besiegt wird, an dem der Samen der Frau schließlich den Kopf der Schlange zerquetscht (Gen 3,15), wo die Anschuldigungen gegen die Welt zerstört wurden und beim Überqueren genagelt. Vor allem erobert Liebe Hass und alle Formen von Bosheit.

Dieses berühmte Dalí -Werk wurde von einem wichtigen Kunstkritiker als Banal angesehen, als es zum ersten Mal in London ausgestellt wurde. Einige Jahre später wurde er jedoch von einem Fan geschnitten, als er im Glasgow Museum aufgehängt wurde, der den erstaunlichen entgegengesetzten Effekt auf die Zuschauer hatte.

In dem Gemälde gibt es mehrere Perspektiven, ein Zeichen des phänomenalen Talents von Dalí.

Da Dalís Werke noch nicht öffentlich zugänglich sind, macht Kadros keine Nachbildungen dieses Malers und hör auf, ihn natürlich nicht zu bewundern. 

Kuadros ©, eine berühmte Farbe an Ihrer Wand.