Viele der Werke in der folgenden Liste wurden gestohlen.
Andere wurden durch den Menschen oder die Natur zerstört, und bei anderen weiß man einfach nicht genau, was mit ihnen geschehen ist. Die Gründe, warum diese Schätze verloren gingen, sind unterschiedlich, aber in allen Fällen gibt es einen gemeinsamen Schuldigen: den Menschen.
Nr. 1 Der Koloss von Rhodos
Als eines der sieben Weltwunder der Antike war der Koloss von Rhodos eine riesige Bronzestatue des Sonnengottes Helios, die über der griechischen Stadt Rhodos erhob sich. Die Statue stand seit 280 v. Chr. neben dem Hafen der Stadt und war einer der wichtigsten Handelsü Häfen des antiken Mittelmeers.
Helios war ein Nachkomme der Titanen Hyperion und Theia. Ein Ort, an dem Helios besonders verehrt wurde, war Rhodos, die größte der Dodekanes-Inseln im östlichen Mittelmeer. Rhodos war eine Polis, oder Stadtstaat, und verdiente viel Geld durch ihre lukrative Kontrolle über den Handel. Es schien keinen besseren Weg zu geben, um ihren Handelsstatus zu feiern, als eine massive Statue zu Ehren des Gottes der Stadt in Auftrag zu geben, ein Schritt, der die von der Insel gewonnene Freiheit feierte.
Die ursprüngliche gigantische Statue war 33 Meter hoch und laut antiken Berichten dauerte es 12 volle Jahre, bis der Bildhauer Chares von Lindos sie vollendete. Obwohl der Koloss sicher eine unglaubliche Sicht für die Besucher des geschäftigen Hafens der Stadt bot, blieb der Riese Helios leider nur 56 Jahre lang stehen.
Durch ein Erdstoß im Jahr 228 oder 226 v. Chr. zerstört, füllten seine zerbrochenen Teile für ein Jahrtausend die Docks von Rhodos, bevor sie Mitte des 7. Jahrhunderts zu Schrott geschmolzen wurden. Kein Bild des Koloss von Rhodos ist bis heute erhalten, aber antike Quellen berichten, dass Helios stehend mit einer Fackel in der ausgestreckten Hand dargestellt wurde. Diese Beschreibungen dienten später als Inspiration für das Design der Freiheitsstatue.
Nr. 2 Der Schild der Medusa - Leonardo da Vinci
Der Schild der Medusa ging im Laufe der Zeit verloren, ist jedoch eines jener mysteriösen Werke von Leonardo da Vinci, das ein hohes Maß an Geist und Debatte aufweist.
Nach einem Bericht von 1550 des Kunsthistorikers Giorgio Vasari wurde das Gesicht auf einem aus Feigenholz geschnitzten Schild als Gefallen für einen befreundeten Bauern, der das Schild entworfen hatte, gemalt. Leonardo nahm den Schild in seinem experimentellen Stil und erwärmte ihn mit Feuer, um ihn zu erweichen.
Den Erzählungen zufolge, als sein Vater, Ser Piero, kam, um den Schild zu sehen und an die Tür klopfte, sagte Leonardo ihm, er solle warten. Er nahm das Bild und stellte es in der Nähe eines Fensters auf, wo das sanfte Licht hindurchschien. Ser Piero trat ein, warf einen Blick auf das Bild und machte einen Schritt zurück mit einem Schrei.
Leonardo sagte dann: „Dieses Werk dient dem Zweck, für den es gemacht wurde; nimm es und nimm es mit, denn dies ist der Effekt, den es produzieren sollte“.
Das Bild wurde so realistisch, dass es zunächst den Vater von Leonardo erschreckte, der es als ein makabres Meisterwerk betrachtete und es heimlich an eine Gruppe florentinischer Händler verkaufte.
Der Schild der Medusa sollte eine dieser Geschichten aus Leonardos Jugend sein, weshalb er in Vinci (in der Toskana, wo Leonardo geboren wurde) oder in Florenz sein könnte.
Der Schild ist längst verschwunden, und einige moderne Experten argumentieren jetzt, dass die Geschichte von Vasari vielleicht nicht mehr als ein Mythos, eine urbane Legende seiner Zeit, gewesen sein könnte.
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Nr. 3 Die Steinbrecher - Gustave Courbet
Realismus und pure Realität in einem einzigen Werk.
Wenn wir Courbets Malerei „Die Steinbrecher“ näher betrachten, wird die Besorgnis des Künstlers um die missliche Lage der Armen offensichtlich.
„Die Steinbrecher“, gemalt im Jahr 1849, zeigt zwei gewöhnliche Landarbeiter. Courbet malte ohne jeden offensichtlichen EMotion; stattdessen ließ er das Bild der beiden Männer, einer zu jung für Zwangsarbeit und der andere zu alt, die Gefühle von Schwierigkeiten und Erschöpfung ausdrücken, die er einfangen wollte. Courbet zeigt Mitgefühl für die Arbeiter und Abneigung gegen die Oberschicht, indem er diese Männer mit ihrer eigenen Würde malt.
Inspiriert von einem zufälligen Treffen mit zwei unterdrückten Arbeitern brach Courbet absichtlich mit der Konvention der damaligen Zeit, indem er die Männer mit sandigen Details erfasst, von ihren angespannten Muskeln bis zu ihren zerfetzten und schmutzigen Kleidern.
Traditionell verbrachte ein Künstler die meiste Zeit an Händen, Gesichtern und Nahaufnahmen. Das war nicht der Fall bei Courbet. Wenn man genau hinsieht, bemerkt man, dass er versucht, neutral zu sein, indem er auf die Gesichter und den Stein gleichermaßen achtet und den Glamour, den die meisten französischen Maler zu dieser Zeit ihren Werken hinzufügten, beiseitelässt. Aufgrund dessen wurde Courbet als Vorreiter der realistischen Bewegung bekannt.
Obwohl das Bild Courbets künstlerische Karriere ins Rollen brachte, war „Die Steinbrecher“ schließlich zum Opfer der kulturellen Verluste des Zweiten Weltkriegs verurteilt. 1945 wurde das Gemälde während eines alliierten Luftangriffs in der Nähe der Stadt Dresden, Deutschland, zerstört.
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Nr. 4 Der Mann an der Kreuzung - Diego Rivera
Diego Rivera malte viele populistische Wandmalereien und Fresken, aber sein berühmtestes Werk könnte das sein, das nicht mehr existiert. 1932 wurde der mexikanische Künstler von John D. Rockefeller beauftragt, ein Wandbild für die Wände des Rockefeller Centers in New York zu schaffen.
Dem Künstler wurde das Thema übergeben: „der Mann an der Kreuzung, der mit Hoffnung und Weitblick auf der Suche nach einer neuen und besseren Zukunft ist“.
Rockefeller wollte, dass das Bild die Menschen dazu bringt, innezuhalten und nachzudenken. Rivera sollte für die Arbeit 21.000 Dollar erhalten. Er wurde offiziell von Todd-Robertson-Todd Engineering, den Entwicklungsagenten des Gebäudes, beauftragt. Der gesamte Auftrag sah drei Wandbilder vor. Der Mann an der Kreuzung würde in der Mitte stehen. Flankiert würde er von „Die Grenze der Ethik“ und „Die Grenze der materiellen Entwicklung“. Die zentrale Komposition sollte den Kapitalismus und den Sozialismus gegenüberstellen. Diese grundlegende kompositorische Idee wurde von Rockefeller genehmigt.
Am 24. April 1933 veröffentlichte die Zeitung New York World-Telegram einen Artikel, in dem das Wandbild als antikapitalistische Propaganda angegriffen wurde. Einige Tage später fügte Rivera das Porträt von Lenin in das Werk ein. Der Führer erschien an der Front, rechts. Dort ist Lenin zu sehen, der mit einer Gruppe multikultureller Arbeiter Händchen hält.
Die Soldaten und die Kriegsmaschine besetzten die obere linke Seite über den Gesellschaftsfrauen, und eine russische Demonstration zum Ersten Mai mit roten Fahnen war rechts über Lenin zu sehen. Für Rivera stellte dies gegensätzliche soziale Visionen dar: die „depravierten Reichen“, überwacht von den Arbeitslosen, während der Krieg entbrannte, während eine sozialistische Utopie von Lenin eingeführt wurde.
Von den Hunderten von Charakteren in „Der Mann an der Kreuzung“ war Lenin derjenige, der die meisten Debatten hervorrief. Eine Schlagzeile vom 24. April im New York World-Telegram lautete: „Rivera perpetuiert Szenen kommunistischer Aktivität für die Wände von RCA, und Rockefeller, Jr. zahlt die Rechnung“. Zehn Tage später bat Nelson Rockefeller, der Mäzen von Rivera und Mitglied einer berühmten und wohlhabenden Familie, den Künstler, Lenin zu entfernen. Als Rivera sich weigerte, wurde dem Künstler sein Geld für die gesamte Arbeit bezahlt und er wurde entlassen. Die Wandbilder wurden bedeckt und dann zerstört, während sich Riveras Anhänger zusammenschlossen, um das Werk zu retten.
Besorgt, dass Rockefeller das Werk zerstören würde, hatte Rivera eine Assistentin, Lucienne Bloch, gebeten, Fotografien des Wandgemäldes zu machen, bevor es zerstört wurde. Mit diesen als Referenz malte Rivera das Wandbild erneut, wenn auch in kleinerem Maßstab, im Palacio de Bellas Artes in Mexiko-Stadt, wo es den Titel „Mann, Herrscher des Universums“ erhielt. Die Komposition war fast identisch, der Hauptunterschied besteht darin, dass sich die zentrale Figur leicht verschob, um sich mit dem Träger des zylindrischen Teleskops darüber auszurichten. Die neue Version beinhaltete ein Porträt von Leon Trotsky neben Karl Marx und Friedrich Engels auf der rechten Seite, und anderen, inklusive Charles Darwin auf der linken Seite und dem Vater von Nelson Rockefeller, John D. Rockefeller, Jr., einem lebenslangen Abstinenzler, der in einer Disco mit einer Frau trank. Über ihren Köpfen hatte der Künstler einen Teller mit Syphilis-Bakterien platziert.
Nr. 5 Porträt von Sir Winston Churchill - Graham Sutherland
1954 beauftragten Mitglieder des britischen Parlaments den Künstler Graham Sutherland mit einem Porträt, das ihm als Geschenk zum 80. Geburtstag von Winston Churchill überreicht wurde.
Graham wird vor allem als der Künstler in Erinnerung behalten, dessen Porträt von Sir Winston Churchill so sehr die ehrwürdige Figur beleidigte, dass sie es zerstörte.
Obwohl er sagte, er fühle sich durch die Geste geehrt, war Churchill kein Fan von Sutherlands realistischer Darstellung, die ihn in einer wenig schmeichelhaften Pose einfing. Tatsächlich verabscheute der Premierminister das Porträt so sehr, dass er erwog, nicht an der Einweihungszeremonie teilzunehmen, und sogar Sutherland einen Brief schrieb, in dem er ihm persönlich seine Enttäuschung mitteilte.
Es war nicht so, dass das Porträt absichtlich im „modernen“ Stil war oder sogar schlecht ausgeführt war. Vielmehr war es ein ausgesprochen ehrliches und direktes Porträt eines Mannes, der schließlich etwas über 80 Jahre alt war, zerbrechlich und körperlich erschöpft. Dennoch war das Porträt auch ein umfassendes Studium, das die Schwere des Modells vermittelte, während es seine Verletzlichkeit offenbarte. Diese Realität stieß jedoch spektakulär mit dem Bild zusammen, das Churchill gerne von sich selbst in der britischen Gesellschaft projizierte, das des aktiven Mannes, des bescheidenen und unbezwingbaren Führers in Kriegszeiten.
Angesichts der kühnen Offenheit und Ehrlichkeit der Darstellung war Churchills Reaktion vielleicht unvermeidlich.
Churchill und seine Frau wiesen alle Anfragen zur öffentlichen Ausstellung des Gemäldes zurück, und das Werk verschwand tatsächlich über mehrere Jahre aus der Öffentlichkeit. Nach dem Tod des Führers im Jahr 1977 wurde schließlich bekannt, dass Lady Churchill das verhasste Porträt persönlich zertrümmert und verbrannt hatte, weniger als ein Jahr nach seiner Einweihung.
Im Rückblick erwies sich die gesamte „Porträtkontroverse um Churchill“ als zweischneidiges Schwert für Sutherland. Einerseits war es ein Zeugnis der Wucht seines Porträts. Andererseits brachte das Gemälde ihm eine huge Menge unerwünschter und ungerechtfertigter Aufmerksamkeit, besonders in der Boulevardpresse. Das war besonders ärgerlich für Sutherland, da er ein ernsthafter Künstler war, der sich seiner Profession tief verpflichtet fühlte.
Nr. 6 Die Buddhas von Bamiyan
Bild der Buddhas von Bamiyan vor ihrer Zerstörung.
Im 6. Jahrhundert erbaut, stand dieses legendäre Paar von Steingottheiten 1.500 Jahre lang, bevor es Opfer einer kulturellen Säuberung durch die Taliban wurde. Die 41 und 53 Meter hohen Schnitzereien wurden ursprünglich direkt aus einer Sandstein-Klippe geschaffen und dienen als das spektakulärste Denkmal von Bamiyan in einer Zeit, in der die Stadt als ein Handelszentrum der Seidenstraße florierte.
Vor ihrer Zerstörung konnte man zwei monumentale Buddha-Skulpturen sehen, die in die Steilküste über das Tal gehauen waren. Die größere der beiden Figuren befand sich am westlichen Ende. Die Kunsthistorikerin Susan Huntington argumentiert, dass sie den Buddha Vairochana darstellte. Die kleinere der beiden monumentalen Statuen, die sich im Osten befand, stellte den Buddha Shakyamuni dar.
Wie viele der großen antiken Monumente der Welt ist wenig darüber bekannt, wer den Buddhas den Bildhauern in Auftrag gab, die sie schnitzten. Ihre Existenz deutet jedoch auf die Bedeutung des Buddhismus und des Tals von Bamiyan in dieser Zeit hin.
Die Zerstörung in Bamiyan stellt den spektakulärsten Angriff auf das historische und kulturelle Erbe Afghanistans dar. Ihre Zerstörung ist auch einzigartig wegen der weltweiten Mobilisierung, die sie auslöste, obwohl sie leider nicht der einzige Schaden ist, der den archäologischen Überresten dieses Landes zugefügt wurde.
Obwohl sie mehr als ein Dutzend Jahrhunderte überstanden hatten, zahlreichen Angriffen muslimischer Kaiser und sogar einer Invasion von Dschingis Khan, wurden die Buddhas schließlich im März 2001 zerstört, als die Taliban und ihre Verbündeten in Al-Qaida einen Befehl erließen, die „götzenhaften“ Bilder zu verurteilen.
Im Ignorieren der weit verbreiteten Aufrufe der internationalen Gemeinschaft beschossen die Gruppen die Statuen mit Flakwaffen, bevor sie sie mit Dynamit in die Luft sprengten.
Obwohl die Zerstörung der Buddhas als Verbrechen gegen die Kultur verurteilt wurde, wurden eine Reihe von Zeichnungen und Texten, die zuvor zwischen den Trümmern verborgen waren, entdeckt, und 2008 grub ein Archäologe eine dritte, zuvor unbekannte Buddha-Statue in der Nähe der Ruinen aus, was sich zu einer Art Rache der Kultur gegen den Terror entwickelte.
Nr. 7 Die Geburt mit San Francesco und San Lorenzo - Caravaggio
„Die Geburt mit San Francesco und San Lorenzo“ ist das einzige bekannte Werk, das mit Leonardos kurzem Aufenthalt in Palermo in Verbindung gebracht wird, und ist viel traditioneller als die Anbetung in Messina, nicht nur weil das Jesuskind allein am Boden liegt, während die Jungfrau auf einem niedrigen Sitz sitzt, sondern auch wegen der konventionelleren Posen und der gut gekleideten Erscheinungen der umgebenden Figuren.
Die Ausführung des Gemäldes ist auch viel präziser und ausgefeilter als in vielen der späten Werke von Caravaggio. Dennoch ging seine neu erworbene Demut nicht vollständig verloren, und die bäuerliche Figur von San Giuseppe auf der rechten Seite, mit ihrem breitkrempigen Hut und ihren braunen Händen, scheint ein Prototyp für viele ähnliche Figuren in den populären realistischen Kompositionen der nächsten zwei Jahrhunderte gewesen zu sein.
Das Bild wurde, laut Bellori, für das Oratorium der Compagnia di San Lorenzo gemalt.
Seit ihrem Diebstahl im Jahr 1969 wurde die Krippe von Caravaggio als eines der berühmtesten gestohlenen Gemälde in der Geschichte der Kunstwelt angesehen. Das Meisterwerk wurde nicht mehr gesehen, seit es aus einer Kapelle in Palermo, Italien, entnommen wurde, obwohl Beweise darauf hinweisen, dass die sizilianische Mafia eine Rolle bei dem Raub gespielt haben könnte.
Die Hoffnungen auf die Lösung eines der schlimmsten Kunstverbrechen in der Geschichte wurden wiederbelebt, nachdem italienische Ermittler angekündigt hatten, neue Informationen erhalten zu haben.
1996 sagte ein Mafia-Informant aus, dass er und mehrere andere Männer das Gemälde von einem privaten Käufer gestohlen hatten, nur um es versehentlich zu zerstören, während sie die Leinwand aus dem Rahmen schnitten. Mehr als ein Jahrzehnt später behauptete ein weiterer Ex-Mafioso, dass das Gemälde in einer Scheune verborgen worden war, aber Ratten und Schweine es irreparabel beschädigt hätten, bevor sie es verbrannten. Das Schicksal der Krippe bleibt letztendlich ein Geheimnis, aber wenn sie noch existiert, wäre das Gemälde jetzt mindestens 40 Millionen Dollar wert.
Der Bürgermeister von Palermo, Leoluca Orlando, der half, die sizilianische Hauptstadt von einer Hochburg der Mafia zu einer europäischen Kulturhauptstadt zu transformieren, sagte, dass der Diebstahl des Gemäldes der Stadt einen Schlag versetzte, zu einer Zeit, als sie von Mafiosi und Paten beherrscht wurde. „Heute hat sich diese Stadt verändert und fordert alles zurück, was die Mafia ihr weggenommen hat.“
„Selbst einen kleinen Teil davon zurückzugewinnen, würde als Sieg gewertet werden“, schloss er.
Nr. 8 Der Bernsteinraum
Von dem Bildhauer Andreas Schlüter und dem Meisterkunsthandwerker aus Bernstein Gottfried Wolfram erschaffen, nahm dieser beeindruckende Raum eine Fläche von 16 Quadratmetern ein.
Der Raum war mit verzierten goldenen Paneelen bedeckt, die mit Gold und Bernstein glänzten: strahlende Edelsteine und Harzperlen von fossilen Bäumen mit einer reichen gelb-roten Farbe. Der Bernstein war mit Goldverkleidungen, geschnittenen und schön gestalteten Spiegeln unterlegt und war eine Augenweide. Der Raum wurde erstmals 1701 erbaut und 1716 schenkte der preußische König Friedrich Wilhelm I. ihn Peter dem Großen, um eine Allianz zwischen Preußen und Russland zu festigen. Oft als „das achte Weltwunder“ bezeichnet, wurde der verzierte Raum als Meisterwerk des Barockkunstwerks angesehen und wäre heute über 140 Millionen Dollar wert.
Das Schicksal des Zimmers, das einst den Frieden symbolisierte, wurde alles andere als friedlich: die Nazis bauten den Raum ab und transportierten ihn dann nach Königsberg, Deutschland, wo er gegen Ende des Zweiten Weltkriegs verschwand. Die meisten Historiker glauben, dass er bei einem alliierten Luftangriff 1944 zerstört wurde, aber es gibt auch Beweise, die darauf hindeuten, dass der Raum verpackt und aus der Stadt entfernt wurde. Von dort aus schlagen einige Theorien vor, könnte er auf ein Schiff verladen worden sein, das in der Ostsee sank, oder einfach in einem Gewölbe oder Bunker versteckt gewesen sein.
Die letzte Theorie besagt, dass die Sowjets wussten, dass der Bernsteinraum von eigenen Truppen während ihrer Invasion von Königsberg zerstört worden war.
Die Geschichte des neuen Bernsteinraums ist zumindest sicher. Es wurde alles getan, um eine so perfekte Reproduktion wie möglich zu schaffen, bis hin zu 350 verschiedenen Tönen von Bernstein. Der Wiederaufbau begann 1979 in Tsarskoye Selo und wurde 25 Jahre später abgeschlossen, mit Kosten von 11 Millionen Dollar.
Geweiht vom russischen Präsidenten Wladimir Putin und dem damaligen deutschen Bundeskanzler Gerhard Schröder markierte der neue Raum den 300. Jahrestag von St. Petersburg in einer vereinigenden Zeremonie, die das friedliche Gefühl, das der ursprüngliche Raum hervorrief, widerspiegelte.
Die Nachbildung des Raums bleibt für die Öffentlichkeit in der Staatlichen Museumreserve Tsarskoye Selo in der Nähe von St. Petersburg zugänglich.
Trotzdem bestehen Schatzsucher darauf, dass ein fabulöses goldenes Zimmer immer noch darauf wartet, in den Tiefen einer dunklen und mysteriösen Höhle gefunden zu werden.
KUADROS ©, ein berühmtes Gemälde an deiner Wand.
