Die Grundlagen der Kunstgeschichte stammen aus Zehntausenden von Jahren, bis alte Zivilisationen die Techniken und Mittel zur Verfügung stellten, um ein kulturell bedeutendes Thema darzustellen. Aus diesen ersten Beispielen haben sie viele künstlerische Bewegungen verfolgt, die jeweils ihre eigenen Stile und Merkmale mit den politischen und sozialen Einflüssen der Zeit widerspiegeln, aus der sie entstanden sind.
Was bedeutet Fauvismus und was ist konzeptionelle Kunst? Das Sprechen über Kunst scheint für sich selbst eine Disziplin zu sein, und wenn Sie neu in der Kunstwelt sind, haben Sie wahrscheinlich viele Fragen, insbesondere zu jeder Kunstbewegung und verschiedenen Kunstarten.
Die einflussreichen Kunstgenres, von der Renaissance bis zur Entstehung der Moderne, haben zweifellos ihre Spuren in der Geschichte hinterlassen.
Mit den klaren Konzepten über die Geschichte und die Bedeutung seiner künstlerischen Bewegungen werden wir ein klareres Verständnis dafür haben, wie berühmte Künstler wie Van Gogh, Picasso und Warhol die Welt der Kunst revolutioniert haben.
Kadros hat eine Liste der wichtigsten Bewegungen für Sie erstellt.
Nr. 1 Italienische Renaissance (1400–1550)
Einige Exponenten: Giberti Doors, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Gegen Ende des 14. Jahrhunderts d. C., eine Handvoll italienischer Denker erklärten, dass sie in einer neuen Ära lebten. Die Barbara, nicht beleuchtet "Mittelalter", war vorbei; Der neue wäre ein "Rinincità" ("Renaissance") von Lernen und Literatur, Kunst und Kultur. Dies war die Geburt der Zeit, die heute als Renaissance bekannt ist. Seit Jahrhunderten sind sich die Gelehrten einig Er ersetzte die alten Ideen. Tatsächlich teilen viele der wissenschaftlichen, künstlerischen und kulturellen Errungenschaften der sogenannten Renaissance gemeinsame Themen, insbesondere die humanistische Überzeugung, dass der Mensch das Zentrum seines eigenen Universums war.
Die italienische Renaissance im Kontext Italiens des 15. Jahrhunderts unterschied sich von jedem anderen Ort in Europa. Es wurde in unabhängige Städtestaaten mit jeweils eine andere Regierungsform unterteilt. Florence, wo die italienische Wiedergeburt begann, war eine unabhängige Republik. Es war auch eine Bank- und Handelshauptstadt und nach London und Konstantinople, der drittgrößten Stadt Europas. Die reichen Florentiner haben ihr Geld zur Schau gestellt und in der Lage sein, Patronen oder Anhänger von Künstlern und Intellektuellen zu werden. Auf diese Weise wurde die Stadt zum Kulturzentrum Europas und der Renaissance.
Es kann gesagt werden, dass die Renaissance in zwei Teile unterteilt war:
Während der frühen Wiedergeburt begannen Künstler, den byzantinischen Stil der religiösen Malerei abzulehnen, und bemühten sich, Realismus in ihrer Darstellung menschlicher Form und Raum zu schaffen. Dieses Ziel zum Realismus begann mit Cimabue und Giotto und erreichte seinen Höhepunkt in der Kunst von "perfekten" Künstlern wie Andrea Mantegna und Paolo Uccello. Während die Religion ein wichtiges Element im täglichen Leben der Menschen war, die während der Renaissance lebten, sehen wir auch eine neue Route, die zum Keuchen geöffnet ist: das mythologische Thema. Viele Gelehrte weisen darauf hin Die Geburt von Venus von Botticelli als erstes Panelmalerei einer mythologischen Szene.
Die als hohe Wiedergeburt bekannte Zeit repräsentiert den Höhepunkt der Ziele der frühen Wiedergeburt. Die besten Künstler dieser Phase sind Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano und Miguel Ángel. Seine Gemälde und frisch gehören zu den bekanntesten Kunstwerken. Das letzte Abendmahl Da Vinci, Die Athens Schule Rafael und die Gemälde des Daches der Sixtinischen Kapelle von Miguel Ángel sind die Meisterwerke dieser Zeit und verkörpern die Elemente der hohen Renaissance.
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Nr. 2 Barocco (1600–1750)
Einige Exponenten: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Der Barockbegriff stammt letztendlich aus dem italienischen Wort Barocco, das Philosophen im Mittelalter verwendet haben, um ein Hindernis in der schematischen Logik zu beschreiben. Anschließend bezeichnete das Wort eine verdrehte Idee oder einen Prozess des Denkens. Eine andere mögliche Quelle ist das barocken portugiesische Wort (spanischer Barueco), das verwendet wird, um eine unregelmäßige oder unvollkommene Perle zu beschreiben, und diese Verwendung überlebt immer noch im Barockperlenbegriff des Juweliers. Der Barock ist eine Bewegung in Kunst und Architektur, die von Beginn des 17. Jahrhunderts bis Mitte des 18. Jahrhunderts in Europa entwickelt wurde. Es betont die dramatische und übertriebene Bewegung und die klaren und leicht zu interpretierenden Details, die weit vom Surrealismus entfernt sind, um Drama, Spannung, Überschwang und Größe zu produzieren.
Die ersten Manifestationen, die in Italien stattfanden, stammen aus den letzten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts, während in einigen Regionen, insbesondere in Deutschland und im kolonialen Südamerika, bestimmte giffenende Leistungen des Barocks erst im 18. Jahrhundert auftraten.
Die Künstler belebten weiterhin die Ideale der Schönheit der Renaissance und vermittelten den Werken der Kunst, Musik und Architektur der Zeit, die ein Augenzwinkern zum Klassizismus wiederbelebt hat, um eine neue ausgelassene Extravaganz und Neigung für die Zerstörungen noch besser. Dieser stark geschmückte Stil wurde als Barock geprägt und durch seine innovativen Techniken und Details gekennzeichnet und bietet eine neue und üppige visuelle Sprache in einer relativ abgeschwächten Zeit für Kunst. Der Barock breitete sich in ganz Europa aus, der hauptsächlich vom Papst in Rom und den katholischen Herrschern in Italien, Frankreich, Spanien und Flandern geleitet wurde. Es breitete sich noch mehr durch mächtige religiöse Ordnungen durch sein umfangreiches Netzwerk von Klöstern und Klötern aus. Der Stil erstreckte sich schnell nach Frankreich, Norditalien, Spanien und Portugal, dann nach Österreich und Süddeutschland.
Der aus diesem Programm entwickelte Barockstil war paradoxerweise sinnlich und spirituell; Während eine naturalistische Behandlung dazu führte, dass das religiöse Bild für den durchschnittlichen Gemeindemitglied zugänglicher war, wurden dramatische und illusorische Effekte verwendet, um Frömmigkeit und Hingabe zu stimulieren und einen Eindruck der Pracht des Göttlichen zu übertragen. Die Dächer der Barockkirchen lösten dem Beobachter in bemalten Szenen auf, die lebhafte Visionen der Unendlichkeit zeigten, und richteten die Sinne auf die himmlischen Anliegen.
Während das Thema und sogar der Stil zwischen Barockgemälden variieren können, haben die meisten Teile dieser Zeit eine gemeinsame Sache: Drama. In der Arbeit von Malern, die als als bekannt sind Caravaggio Und RembrandtDas Interesse an Drama materialisiert sich als intensive Kontraste zwischen strahlendem Licht und unmittelbar bevorstehenden Schatten.
Dieser große Lehrer der katholischen Region, größtenteils von den Spaniern, war der Maler Peter Paul Rubens, deren stürmische diagonale Zusammensetzungen und breite Figuren des vollständigen Blutes der Inbegriff von Barockfarbe sind. Die eleganten Porträts von Anthony Van Dyck und die robusten figurativen Werke von Jacob Jordaens emulierten das Beispiel von Rubens. Die Kunst in den Niederlanden wurde durch den realistischen Geschmack ihrer dominanten Mittelklasse -Muster konditioniert, und daher sowohl das unzählige Genre als auch die Landschaftsmaler dieses Landes und der imposanten Lehrer wie Rembrandt und Frans HALS blieben unabhängig von dem Stil Barock in wichtigen Aspekten . Der Barock hatte jedoch einen bemerkenswerten Einfluss auf England, insbesondere in den von Sir Christopher Wren und Sir John VanBruch entworfenen Kirchen bzw. Palästen.
Wie die Statuen der Renaissance, einschließlich des legendären Davids von Miguel Ángel, waren die Barockskulpturen oft dazu bestimmt, majestätische Gebäude zu dekorieren. Sie wurden auch für andere großartige Szenarien beauftragt, wie das Innere von goldenen Kirchen und echten Gärten.
Die letzte Barockblüte war in Süddeutschland und Österreich größtenteils katholisch römisch, wo einheimische Architekten in den 1720er Jahren von italienischen Baumodellen trennten.
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Nr. 3 Realismus (1848–1900)
Einige Exponenten: Corot, Court, Daumier, Hirse.
Realismus, in den Künsten, die genaue, detaillierte Darstellung und ohne Ornamente der Natur oder des zeitgenössischen Lebens. Der Realismus lehnt die fantasievolle Idealisierung zugunsten einer engen Beobachtung externer Erscheinungen ab. Der Realismus in seinem breiten Sinne hat in verschiedenen Zivilisationen viele künstlerische Strömungen behandelt. In bildenden Künsten ist beispielsweise Realismus in den alten hellenistischen griechischen Skulpturen zu finden, die die Boxer und alten Abneiungen genau darstellen. Die Werke von Malern des 17. Jahrhunderts wie Caravaggio, die Maler des niederländischen Genres, die spanischen Maler José de Ribera, Diego Velázquez und Francisco de Zubarán und die Brüder Le Nain in Frankreich sind realistischer Ansatz. Die Werke der englischen Schriftsteller des 18. Jahrhunderts Daniel Defoe, Henry Fielding und Tobias Smollett können auch als realistisch bezeichnet werden.
Realismus entstand in Frankreich in den 1850er Jahren. Unmittelbar nach der Revolution von 1848, ein Ereignis, das das "Recht auf Arbeit" im Land feststellte als anständige künstlerische Themen.
Der Realismus erstreckte sich in ganz Europa, von Russland von Alejandro II. Bis zum Großbritannien der Königin Victoria, vom Deutschland Guillermo I bis zum Italien des Risorgimento und vom Reich der Habsburg bis zu Skandinavien und Ländern darüber hinaus. Das Jahr 1855 war bei der Errichtung von Realismus in Europa von Bedeutung.
Gustave Coubet Es wird oft als Hauptfigur des Realismus angesehen. Er legte die Grundlagen für die Bewegung in den 1840er Jahren, als er anfing, die Bauern und Arbeiter zu porträtieren. Die Tatsache, dass Courbet sie nicht verherrlicht hat, sondern dass er sie mutig präsentierte und eine gewaltsame Reaktion in der Kunstwelt stark entstand.
Courbets Stil und Arbeiten wurden in einem Feld gebaut, das bereits von den Malern der Barbizon School gebrochen wurde. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet und andere in den frühen 1830er Jahren wurden in der französischen Stadt Barbizon gegründet, um den lokalen Charakter der Landschaft treu zu reproduzieren.
Der bildliche Realismus außerhalb Frankreichs war im 19. Jahrhundert in den Vereinigten Staaten vielleicht besser vertreten. Dort sind die mächtigen und ausdrucksstarken Gemälde von Winslow Homer zu marinen Themen und Porträts, Navigationsszenen und anderen Werken von Thomas Eakins offen, unattraktive und sehr beobachtete Aufzeichnungen über das zeitgenössische Leben. Realismus war eine andere Strömung in der Kunst des 20. Jahrhundert .
Die rauen, skizzierten, journalistischen Szenen des städtischen Lebens mit der Naht der Gruppe amerikanischer Maler, die als acht (der 8) in der ersten Kategorie bezeichnet werden. Die deutsche künstlerische Bewegung, die als Neue Sachlichkeit bekannt ist. Der sozialistische Realismus, der offiziell in der Sowjetunion gesponsert wurde, verwendete naturalistische Idealisierungstechniken, um Porträts von unerschrockenen Arbeitern und Ingenieuren zu schaffen, die sowohl in ihrem heldenhaften Positivismus als auch in ihrer mangelnden echten Glaubwürdigkeit überraschend ähnlich waren.
Darüber hinaus inspirierte Realismus direkt wichtige Bewegungen zeitgenössischer Kunst wie Fotorealismus und Hyperrealismus. Aufgrund des bemerkenswert modernen Ansatzes des Realismus zeigen diese Genres das dauerhafte und evolutionäre Erbe der innovativen Bewegung.
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Nr. 4 Impressionismus (1865–1885)
Einige Exponenten: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Der französische Impressionismus ist eine wichtige Bewegung, die zuerst in Malerei und dann in der Musik, die sich hauptsächlich in Frankreich am Ende des 19. und frühen 20. Jahrhunderts entwickelte. Das bemerkenswerteste Merkmal des Impressionismus in der Malerei war ein Versuch, sich genau und objektiv in realistische Darstellungen flüchtiger Eindrücke ihrer Umgebung zu registrieren, die oft draußen waren. In der Musik sollte eine Idee oder einen Effekt durch eine Schallwäsche anstelle einer strengen formalen Struktur übertragen werden.
Ende der 1860er Jahre die Kunst von Manet Es spiegelte eine neue Ästhetik wider, die eine Führungskraft in der impressionistischen Arbeit sein sollte, in der die Bedeutung des traditionellen Themas reduziert wurde und die Aufmerksamkeit auf die Manipulation der Farbe, des Tons und der Textur des Künstlers bewegt wurde. Es endet in sich.
Im Jahr 1874 nannte eine Gruppe von Künstlern die Maler, Bildhauer, Rekorder usw. Er organisierte eine Ausstellung in Paris, die die Bewegung namens Impressionismus ins Leben gerufen hat. Zu den Gründungsmitgliedern gehörten unter anderem Claude Monet, Edgar Degas und Camille Pissarro. Die Gruppe machte ihre erste Show, unabhängig von der offiziellen Halle der französischen Akademie, die die meisten ihrer Werke ständig abgelehnt hatte. Monets Gemälde Rising Sun Printing (1872) brachten ihnen den zunächst verspotteten Namen "Impressionisten" des Journalisten Louis Leroy ein, der 1874 in der satirischen Zeitschrift Le Charivari schrieb. Die Künstler übernahmen bald den Namen als beschreibend ihrer Absicht, die "visuellen Impressionen" genau zu übertragen. Während konservative Kritiker ihre Arbeit wegen ihres unvollständigen Erscheinungsbilds und ihrer Skizze kritisierten, lobten ihn die progressivsten Schriftsteller für seine Beschreibung des modernen Lebens. Edmond Duranty zum Beispiel schrieb in seinem Aufsatz von 1876 The Nouvelle Pinture (das neue Gemälde) über seine Darstellung des zeitgenössischen Themas in einem angemessenen innovativen Stil als Revolution in der Malerei.
Seit seiner Vorstellung wurde der Impressionismus durch eine Reihe von Merkmalen definiert. Dazu gehören: bildliche Pinselstriche, unverwechselbare Farben, Darstellungen gemeinsamer Themen, eine Fokussierung auf Licht und Kompositionen, die von der Fotografie inspiriert sind.
Mitte 1880 hatte die impressionistische Gruppe begonnen, sich aufzulösen, als jeder Maler immer mehr ihre eigenen ästhetischen Interessen und Prinzipien verfolgte. In seiner kurzen Existenz erreichte es jedoch eine Revolution in der Kunstgeschichte und lieferte einen technischen Ausgangspunkt für post -Impressionistenkünstler Cézanne, Von Gas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Georges Seurat und veröffentlichen alle hinteren westlichen Gemälde traditioneller Techniken. und Ansätze an das Subjekt.
Vererbung und Präsenz von Impressionismus heute
Als Ausgangspunkt der Moderne beeinflusste Impressionismus natürlich viele nachfolgende Bewegungen. Postimpressionisten übernahmen ihren bildlichen Pinselstrich; Abstrakte Expressionisten fanden Inspiration über den unkonventionellen Ansatz zur Form von Monet; Und viele zeitgenössische Künstler arbeiten sogar weiterhin in einem neoimpressionistischen Stil.
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Nr. 5 Post -Impressionismus (1885–1910)
Einige Exponenten: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -Impressionismus ist ein Begriff, der zur Beschreibung der Reaktion in den 1880er Jahren gegen Impressionismus verwendet wird. Es wurde von Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh und Georges Seurat inszeniert. Post -Impressionisten lehnten die Besorgnis über den Impressionismus über die spontane und naturalistische Darstellung von Licht und Farbe ab.
Alle diese Maler, außer Van Gogh, waren Französisch, und die meisten von ihnen begannen als Impressionisten; Jeder von ihnen gab den Stil auf, um seine eigene hoch persönliche Kunst zu bilden.
Wie die Impressionisten haben sie die Künstlichkeit des Bildes hervorgehoben. Post -Impressionisten glaubten auch, dass Farbe unabhängig von der Form und Komposition als emotionaler und ästhetischer Träger der Bedeutung sein könnte. Sowohl Impressionismus als auch Post -Impressionismus umfassen einige der berühmtesten modernen Kunstwerke, wie z. Monetwasserlilien, eine Reihe von Wasserlandschaften und Die Sternreiche Nacht von Van Gogh.
Post -impressionisten teilten ihre Arbeit mit der Öffentlichkeit durch unabhängige Ausstellungen in ganz Paris. 1910 prägte der prominente Kunstkritiker, Historiker und Kurator Roger Fry den Begriff "Post -Impressionismus" mit seiner Show, Manet und Post -Impressionisten. Wie Post -Impressionisten selbst glaubte Fry, dass die Schönheit der Kunst von Natur aus in der Wahrnehmung verwurzelt ist. "Kunst ist ein Ausdruck und ein Reiz für das fantasievolle Leben anstelle einer Kopie des wirklichen Lebens", erklärt Fry in einem Aufsatz in Ästhetik.
Wie Fry erklärte, glaubten Post -Impressionisten, dass sich ein Kunstwerk nicht um den Stil, den Prozess oder den ästhetischen Ansatz dreht. Stattdessen müssen Sie die Symbolik hervorheben und Botschaften aus dem Unterbewusstsein des Künstlers vermitteln.
Post -Impressionisten zeigten oft zusammen, aber im Gegensatz zu den Impressionisten, die als sehr vereintes und herzliches Gruppen begannen, wurden hauptsächlich allein gemalt. Cézanne in Aix-en-Provence in Südfrankreich isoliert gemalt; Seine Einsamkeit wurde von der von Paul Gauguin, die 1891 in Tahiti installiert wurde, und Van Gogh, der in Arles auf dem Feld malt wurde. Sowohl Gauguin als auch Van Gogh lehnten die gleichgültige Objektivität des Impressionismus zugunsten eines persönlicheren spirituellen Ausdrucks ab.
"Was für eine tiefe und mysteriöse Farbe!
Im Gegensatz zu den Impressionisten, die sich bemühten, die Auswirkungen des natürlichen Lichts auf den Farbton zu erfassen, verwendeten Post -Impressionisten, die absichtlich eine künstliche Farbpalette verwendet haben, um ihre Wahrnehmung der Welt, die sie umgab, darzustellen. In den meisten postimpressionistischen Gemälden sind gesättigte Töne, mehrfarbige Schatten und reichhaltige Farbbereiche erkennbar, die den innovativen und fantasievollen Ansatz von Künstlern für die Repräsentation demonstrieren.
Im Allgemeinen bewegte sich der Post -Impressionismus von einem naturalistischen Ansatz und ging zu den beiden Hauptbewegungen der Kunst des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, die sie ersetzten: Kubismus und Fauvismus, der versuchte, Emotionen durch Farbe und Linie hervorzurufen.
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Nr. 6 Fauvismus und Expressionismus (1900–1935)
Das Gemälde in dicke Farben, die aus der Seite kommen, und antinaturale Töne: Fauvismus und Expressionismus sind zwei der Bewegungen, die diesen Eigenschaften Leben verleihen. Was ist der Unterschied zwischen ihnen, wenn sie auf die gleiche Weise beschrieben werden können? Erstens werden wir den Fauvismus und Expressionismus selbst erklären.
Fauvismus
Einige Exponenten: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo beschlagnahmte die künstlerische Szene von 1905 bis 1910 mehr oder weniger und zeichnet sich durch eine intensive Farbe und kühne Pinselstriche aus. In einigen Fällen traten die Künstler dieser Zeit direkt aus der Flasche an. Die Farben mussten der Natur nicht unbedingt treu sein. Sie könnten sich verändern, um Emotionen zu zeigen. Sie wählten einfache Probleme und aus diesem Grund schienen die Gemälde fast abstrakt zu sein. Der Kunstkritiker Louis Vauxcelles prägte den Begriff, nachdem er die Arbeiten von Henri Matisse und Andre Derain wie "Les Fauves" oder die Bestien während einer Ausstellung von 1905 im Wohnzimmer d'Am Automne in Paris beschrieben hatte. Die Arbeiten in der Ausstellung von Matisse und Derain waren voller unnaturalistischer Farboptionen und Wildfarbenflecken auf der Leinwand. Es wäre der Beginn des Fauvismus.
Fauvismuskünstler interessierten sich tief für die wissenschaftliche Theorie der Farbe des 19. Jahrhunderts. Insbesondere unter Verwendung komplementärer Farben verstanden Fauvistas, wie man Farben heller und mutig erscheinen, um diese Theorien einzubauen.
Henri Matisses Gemälde "Frau mit einem Hut". Es wurde durch die anti -natürlichen Farben im Gesicht der Frau kritisiert. Paul Signac (1863-1935) ist berühmt für seinen Standpunkt. Er war auch ein Mentor von Henri Matisse. Puntillismo ist eine Technik, bei der kleine Punkte von Primärfarben zusammengestellt werden. Wenn Sie sich wegziehen, wird es in einem einzigen Bild kombiniert. Dies kann mit Pixeln auf einem Computerbildschirm verglichen werden. Jedes einzelne Pixel hat eine andere Farbe, aber wenn Sie einen leichten Abstand sehen, erstellen sie ein Bild. Der Stil des Punktes zeigte, was Künstler mit Primärfarben machen konnten und wie sie optische Illusionen in ihrer Arbeit verwenden konnten.
Zusätzlich zu Matisse und Derain sind andere wichtige Fauvistas -Künstler Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault und Maurice de Vlaminck.
Expressionismus
Einige Exponenten: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Expressionismus ist ein allgemeiner Begriff für jedes Kunstwerk, das die Realität verzerrt, um mit internen Gefühlen, Ansichten oder Ideen des Künstlers zusammenfällt. Kurz gesagt, es ist eine Kunst, die interne Realitäten in der Außenwelt ausdrückt. Dies ist eine ziemlich verallgemeinerte Definition, aber es gibt einige charakteristische Merkmale des Expressionismus. Insbesondere die im Expressionismus verwendeten Farben sind intensiv und oft unnaturalistisch, was bedeutet, dass die Haut eines Menschen blau anstelle von braun oder braun gestrichen werden kann. Die Farbe wird auch häufig in großen Mengen im expressionistischen Stil verwendet, was auf der Leinwand viel Textur erzeugt.
Der Expressionismus kam von "From Inside" und war ein Spiegelbild der Gefühle des Künstlers als eine Darstellung einer Szene. Zwei einflussreiche expressionistische Künstler waren Emily Carr und Edward Munch.
Das Subjekt ist tendenziell emotional und manchmal sogar mythisch, vorausgesetzt, Expressionismus ist eine Erweiterung der Romantik. Da Expressionismus ein so weitreichender Begriff ist, ist es leicht, ihn der Kunst einer Zeit zuzuschreiben. Dann gilt Expressionismus größtenteils im Allgemeinen für die Kunst des 20. Jahrhunderts. Es wird gesagt, dass es mit der Arbeit von Vincent Van Gogh begann und sich auf die moderne Kunst erstreckt, wie wir sie heute kennen.
Die Hauptsteuerzahler der Expressionist -Bewegung sind Künstler wie Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch.
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Der Fauvismus kann als Untergruppe des Expressionismus angesehen werden. Expressionismus kann eine so breite Palette von Kunst und Bewegungen umfassen, dass es fast unmöglich ist, sie dafür zu trennen, dass sie wirklich anders sind. Sie verwenden dieselben Techniken und werden durch die gleichen Eigenschaften klassifiziert, und der einzige wirkliche Unterschied ist die spezifische Natur des Fauvismus im Gegensatz zur allgemeinen Natur des Expressionismus.
Etwas, das als Fauvista angesehen werden kann, könnte auch Teil des Feldes des Expressionismus sein. Aber etwas, das als Expressionist angesehen wird, ist nicht unbedingt im Fauvista -Stil. Der Fauvismus ist etwas wild, aber mit einem simplen Thema.
Der Fauvismus gegen Expressionismus ist also keine Sache. Sie konkurrieren nicht miteinander, weil eine einfach eine Version des anderen ist.
Nr. 7 Cubism (1905–1920)
Einige Exponenten: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubismus, sehr einflussreicher Stil der visuellen Künste des 20. Jahrhunderts, das hauptsächlich von den Künstlern Pablo Picasso und Georges Braque in Paris zwischen 1907 und 1914 erstellt wurde . der Perspektive, Scorzo, modellieren und klar und widerlegen die alten Theorien, die Kunst imitieren sollte. Die Kubisten glaubten, dass die Traditionen der westlichen Kunst erschöpft waren und ihre Arbeit wiederbelebt hatten, sie griffen auf die ausdrucksstarke Energie der Kunst anderer Kulturen, insbesondere der afrikanischen Kunst, zurück.
Der Cubism leitet seinen Namen aus den Kommentaren des Kritals Louis Vauxcelles ab, der die Arbeit von Braque in den 1908 Häusern in L’Estaque entsorgt hat. In Braques Gemälde erinnern sich die Bände der Häuser, die zylindrischen Formen der Bäume und das braune und grüne Schema an die Landschaften von Paul Cézanne, die die Kubisten in ihrer ersten Entwicklungsphase zutiefst inspirierten (bis 1909). Es war jedoch Les Demoiselles d'Avignon, der 1907 von Picasso gemalt wurde und den neuen Stil vorhersehte. In dieser Arbeit werden die Formen von fünf weiblichen Akten zu eckigen und gebrochenen Formen.
Es ist zu erkennen, dass sich in zwei verschiedenen Phasen entwickelten Kubismus: den anfänglichen und strengeren analytischen Kubismus und eine hintere Phase des Kubismus, die als synthetischer Kubismus bekannt ist. Der analytische Kubismus wurde zwischen 1908 und 12 entwickelt. Seine Kunstwerke sehen schwerwiegender aus und werden durch eine Kombination von Flugzeugen und Linien in Tönen von Schwarzen, Grau und Ocker gebildet. Synthetischer Kubismus ist die hintere Phase des Kubismus, es wird allgemein angenommen, dass er von ungefähr 1912 bis 1914 stammt und durch einfachere Formen und hellere Farben gekennzeichnet ist. Synthetische kubistische Werke enthalten normalerweise auch kombinierte reale Elemente wie Zeitungen. Die Einbeziehung realer Objekte direkt in die Kunst war der Beginn eines der wichtigsten Ideen der modernen Kunst.
Während die Schaffung dieser neuen visuellen Sprache Picasso und Braque zugeschrieben wird, wurde sie von vielen Malern angenommen und entwickelt, darunter Fernand Léger, Robert und Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizien und Jean Metzinger. Obwohl es hauptsächlich mit der Malerei verbunden ist, hat der Kubismus auch einen tiefen Einfluss auf die Skulptur und Architektur des 20. Jahrhunderts ausgewirkt. Die wichtigsten kubistischen Bildhauer waren Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon und Jacques Lipchitz. Die Einführung der kubistischen Ästhetik durch den Schweizer Architekten Le Corbusier spiegelt sich in den Formen der Häuser wider, die er in den 1920er Jahren entworfen hat.
Im Winter von 1912 bis 13 führte Picasso eine große Anzahl von Papier -Kollés durch. Mit dieser neuen Technik zum Einfügen von farbigen oder gedruckten Papier in ihren Kompositionen fegten Picasso und Braque die letzten Überreste von drei dimensionalen Raum (Illusionismus), die immer noch in ihrer "hohen" analytischen Arbeit blieben.
Die formalen Befreiungskonzepte, die vom Kubismus initiiert wurden, hatten auch hohe Konsequenzen für Dada und Surrealismus sowie für alle Künstler, die in Deutschland, Holland, Italien, England, den Vereinigten Staaten und Russland eine Abstraktion verfolgen.
Nr. 8 Dada und Surrealismus (1917–1950)
Dadaist
Einige Exponenten: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Der internationale Umfang und die vielfältige künstlerische Produktion, sowohl der gegebene als auch der surrealische, waren künstlerische, literarische und intellektuelle Bewegungen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, die für die Moderne von grundlegender Bedeutung waren. Die gegebene Bewegung, die 1916 von Dichtern und Künstlern wie Tristan Tzara und Hans ARP in Zürich ins Leben gerufen wurde, war eine direkte Reaktion auf das Massaker, die Propaganda und den Wahnsinn des Ersten Weltkriegs I. In New York tauchten unabhängige Gruppen mit gemeinsamen Ideen auf. , Berlin, Paris und andere Orte. Diese verschiedenen Gruppen teilten keinen universellen Stil, sondern waren für ihre Ablehnung von Idealismus, veraltete künstlerische und intellektuelle Konventionen und die unkontrollierte Umarmung der modernen Gesellschaft in den "Rationalismus" und "Fortschritt" verbunden.
Angesichts einer europäischen künstlerischen Bewegung von Avant -Garte mit frühen Zentren in Zürich, der Schweiz und New York.
Der Name, der 1916 aus einem Wörterbuch in Zürich extrahiert wurde, bedeutet auf Rumänisch und Russisch auf Französisch oder "Ja". Aber wie der Name einer Bewegung wirklich überhaupt nichts bedeutet. Kranker von Kultur, die das Gemetzel des Ersten Weltkriegs hervorgebracht hatte, angesichts aller heiligen Kühe, das Ausdruck und die Urheberschaft durch das Fenster und feierte Chance und Absurd.
Dada -Wurzeln finden sich im Avant -Gartre vor dem Krieg. Der Begriff Anti mehr, ein Vorläufer von Dada, wurde von Marcel Duchamp um 1913 geprägt, um Werke zu charakterisieren, die die akzeptierten Kunstbeschränkungen in Frage stellen.
Die dadaistische Bewegung umfasste öffentliche Treffen, Demonstrationen und Veröffentlichung von Kunst- / Literaturmagazinen; Die leidenschaftliche Berichterstattung über Kunst, Politik und Kultur wurde in verschiedenen Medien oft diskutiert.
Die Bewegung beeinflusste hintere Stile wie Avant -Gärte- und Zentralmusikbewegungen sowie Gruppen, die Surrealismus und Pop -Art umfassen.
Dann kam der Surrealismus an, um die anti -dadischen Energien der Dadaisten wie Marcel Duchamp zurück zum Museum zu kanalisieren, was eine enorm erfolgreiche, aber hektische Bewegung auslöste, die Europa zwischen den Kriegen und den Umarmungen viele Medien verletzte.
Surrealismus
Einige Exponenten: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Surrealismus, einer der wichtigsten und subversivsten Bewegungen des 20. Jahrhunderts, blühte insbesondere in den 1920er und 1930er Jahren auf und bot eine radikale Alternative zu den rationalen und formalen Eigenschaften des Kubismus. Eine literarische, philosophische und künstlerische Bewegung des 20. Jahrhunderts, die die Funktionsweise des Geistes untersuchte, die Irrationale, die Poetik und das Revolutionär verteidigte.
Im Gegensatz zu Dada, aus dem es in vielerlei Hinsicht stammte, betonte es eher die positive Ablehnung als die Pessimistik früherer Traditionen.
Das Wort "Surrealist" (das "jenseits der Realität" vermuten lässt In Paris, der in seinem surrealen Manifest (1924) den Surrealismus definierte als: reiner psychischer Automatismus, durch den er vorgeschlagen wird, entweder verbal, schriftlich oder auf andere Weise das wahre Funktionieren des Denkens auszudrücken. Diktat des Denkens unter Abwesenheit einer Kontrolle, die aus Vernunft ausgeübt wurde, über jegliche ästhetische und moralische Besorgnis hinausgehen.
In der visuellen Manifestation des Surrealismus können verschiedene Fäden unterschieden werden. Künstler wie Max Ernst und André Masson bevorzugten den Automatismus, in dem bewusste Kontrolle unterdrückt und das Unterbewusstsein dürfte die Kontrolle übernehmen. Im Gegenteil, Salvador Dalí und René Magritte verfolgten ein erstaunliches Gefühl der Überraschung, in dem die dargestellten Szenen keinen wirklichen Sinn haben. Eine dritte Variation war das Nebeneinander von nicht verwandten Elementen, die eine nicht realisierbare Realität außerhalb der Grenzen der normalen Realität feststellten. Der Surrealismus stammt ursprünglich in Paris. Sein Einfluss wurde durch eine Reihe internationaler Magazine und Ausstellungen erweitert. Dies war die wichtigste Beispiele für letztere, die internationale surreale Ausstellung in New Burlington, London und Fada of Fantastic Art, Surrealism im Museum of Modern Art New York, beide hergestellt in 1936. Mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wurde das Zentrum der surrealistischen Aktivität nach New York übertragen und am Ende des Krieges hatte die Bewegung ihre Kohärenz verloren. Es hat jedoch einen starken Einfluss bewahrt, der sich deutlich in Aspekten des abstrakten Expressionismus und anderen künstlerischen Manifestationen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts deutlich ersichtlich.
Viele argumentieren, dass der Surrealismus als identifizierbare kulturelle Bewegung mit dem Tod von Breton im Jahr 1966 endete. Andere glauben, dass er heute eine wichtige und relevante Kraft bleibt.
Nr. 9 Abstract Expressionismus (1940–1950)
Einige Exponenten: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
Der "abstrakte Expressionismus" war nie ein ideales Label für die Bewegung, das in den 1940er und 1950er Jahren in New York entwickelt wurde. In irgendeiner Weise war es dazu bestimmt, nicht nur die Arbeiten der Maler abzudecken, die ihre Leinwände mit Feldern mit Feldernfarben füllten und abstrakte Formen, aber auch diejenigen, die ihre Leinwände mit einem kräftigen gestischen Ausdruck angriffen. Alle waren der Kunst als Ausdruck des Selbst verpflichtet, die aus tiefen Emotionen und universellen Themen geboren wurden, und die meisten wurden durch das Erbe des Surrealismus gebildet, eine Bewegung, die in einen neuen Stil übersetzt wurde, der sich an die Nachwarenstimmung von Angst und Trauma anpasste. Zu ihrem Erfolg stahl diese New Yorker Maler Paris als Mantel als Führer der modernen Kunst und bereiteten die Bühne für die Beherrschung der Vereinigten Staaten in der Welt der internationalen Kunst vor. Der abstrakte Expressionismus markierte den Beginn des Einflusses von New York City als Zentrum der Welt der westlichen Kunst. Die Welt der abstrakten expressionistischen Künstler war fest in Low Manhattan verwurzelt. Ein Spaziergang entlang der 8th Street würde es aus der Waldorf -Cafeteria nehmen, wo Künstler ohne Geld "Tomatensuppe" mit heißem Wasser und kostenlosem Ketchup machten. Nach der Hans Hofmann School of Plastic Artists, die vom gleichnamigen Maler gegründet wurden; In dem Club dauerten ein Loft, in dem Konferenzen und hitzige Argumente über Kunst bis spät in die Nacht fortgesetzt wurden. Jackson Pollocks Studie war in der East 8th Street, Kooning und Philip Guston Willem in East 10., und obwohl Franz Kline in mehrere Häuser und Studien in der Gegend zog, fanden er und viele seiner Zeitgenossen in der Cedar Street Tavern in den Universitätsort.
Die Bewegung umfasste viele verschiedene Bildstile, die sowohl in der Technik als auch in der Qualität des Ausdrucks unterschiedlich waren. Sie verwenden oft Abstraktionsgrade; Das heißt, sie repräsentieren unrealistische oder in den extremen Formen, die nicht aus der sichtbaren Welt (nicht -objektiv) extrahiert werden. Sie betonen den freien, spontanen und persönlichen emotionalen Ausdruck und üben beträchtliche Technik- und Ausführung freie Freiheit aus ). , Gewalt, Geheimnis, Lyrik).
Die meisten Künstler, die mit dem abstrakten Expressionismus in den 1930er Jahren verbunden waren, wurden von der linken Politik der Zeit beeinflusst und schätzten eine Kunst, die auf persönlichen Erfahrungen beruhte. Nur wenige würden ihre früheren radikalen politischen Ansichten beibehalten, aber viele übernahmen weiterhin die Position des Frank Avant -Gartde.
Trotz der Vielfalt der abstrakten expressionistischen Bewegung können drei allgemeine Ansätze unterschieden werden. Eine, das Action -Gemälde, ist durch lose, schnelle, dynamische oder energetische Handhabung von Farbe beim Scannen oder Schneiden von Pinselstrichen und in den teilweise diktierten Techniken gekennzeichnet, z. B. durch Tropfen oder Verschütten der Farbe direkt auf die Leinwand. Künstler: Pollock, Kooning.
Der durchschnittliche Begriff innerhalb des abstrakten Expressionismus wird durch verschiedene unterschiedliche Stile dargestellt, die von lyrischen, empfindlicheren und flüssigen Formen reichen. Künstler: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
Der dritte weniger ausdrucksstarke Ansatz war der von Rothko, Newman und Reinhardt. Diese Maler verwendeten große Bereiche oder Felder, flache und feine Farbe und diaphanisch, um stille, subtile und fast meditative Wirkungen zu erzielen.
Obwohl die Bewegung in der gesamten historischen Dokumentation als gehörig zu der von Malerei gepunkteten heldenhaften männlichen Künstler die Gebühr.
Nr. 10 Pop Art (1960)
Einige Exponenten: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist und Claes Oldenburg
Pop Art begann mit den New Yorker Künstlern Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist und Claes Oldenburg, die von beliebten Bildern inspiriert waren und tatsächlich Teil eines internationalen Phänomens waren.
Es war ein Aufstand gegen die dominanten Ansätze von Kunst und Kultur und traditionelle Meinungen darüber, was Kunst sein sollte. Junge Künstler hatten das Gefühl, dass das, was sie an der School of Art beigebracht haben und was sie in den Museen sahen, nichts mit ihrem Leben oder den Dingen zu tun hatten, die sie jeden Tag um sie herum gesehen haben. Stattdessen, Quellen wie Hollywood -Filme, Werbung, Produktverpackung, Popmusik und Comics, um ihre Bilder zu erhalten. Nach der Popularität abstrakter Expressionisten war die Wiedereinführung identifizierbarer Bilder durch POP (aus der Medien- und Populärkultur) eine wichtige Veränderung in der Richtung der Moderne.
1957 listete der Popkünstler Richard Hamilton die 'Merkmale der Pop Art' in einem Brief an seine Freunde, die Architekten Peter und Alison Smithson: Pop Art ist: beliebt (für ein Massenpublikum entwickelt), Transsitical (kurzfristige Lösung), entbehrlich (leicht zu vergessen), kostengünstige, von Messe produziert, jung (an Jugend gerichtet), genial, sexy, truculent, glamourös, große Geschäfte. Modernistische Kritiker waren entsetzt über die Verwendung von Popkünstlern eines solchen „niedrigen“ Themas und für ihre scheinbar wenig kritische Behandlung davon. Tatsächlich brachte Pop Kunst in neue thematische Gebiete und entwickelte neue Wege, um sie in der Kunst zu präsentieren, und kann als eine der ersten Manifestationen der Postmoderne angesehen werden.
Obwohl sie von ähnlichen Themen inspiriert wurden, wird der britische Pop oft als unverwechselbarer amerikanischer Pop angesehen. Die frühe Pop -Art in Großbritannien wurde von der amerikanischen Populärkultur aus der Ferne angetrieben, während amerikanische Künstler von dem inspiriert waren, was sie in dieser Kultur sah und erlebten. In den Vereinigten Staaten war der Pop -Stil eine Rückkehr zur repräsentativen Kunst (Kunst, die die visuelle Welt auf erkennbare Weise darstellte) und zur Verwendung von harten Kanten und verschiedenen Formen nach der bildlichen Lockerheit des abstrakten Expressionismus. Durch die Verwendung von unpersönlichen und weltlichen Bildern wollten Popkünstler auch von der Betonung persönlicher Gefühle und persönlicher Symbolik, die den abstrakten Expressionismus charakterisierten, wegkommen. In Großbritannien war die Bewegung in ihrem Ansatz akademischer. Während er Ironie und Parodie benutzte, konzentrierte er sich mehr auf die amerikanischen populären Bilder und ihre Macht, die Lebensstil der Menschen zu manipulieren. Die Kunstgruppe der 50er Jahre, die Independent Group (IG), gilt als Vorläufer der britischen Pop -Art -Bewegung. Pop Art war ein Nachkomme von Dada.
Die meisten Popkünstler strebten nach einer unpersönlichen und städtischen Haltung in ihren Werken. Einige Beispiele für Pop -Art -Sozialkritik äußerten jedoch auf subtile Weise soziale Kritik, beispielsweise die gefallenen Objekte von Oldenburg und die monotonen Wiederholungen von Warhol auf demselben banalen Bild haben eine zweifellos störende Wirkung und andere, wie die mysteriösen und einsamen Segal -Kader, die sie offen sind.
Vielleicht aufgrund der Einbeziehung kommerzieller Bilder ist die Pop -Art zu einem der bekanntesten Stile der modernen Kunst geworden.
Nr. 11 Postmodernismus (1970–)
Einige Exponenten: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn am Himmel von ©James Gill
Diese Postmoderne ist undefinierbar ist eine Wahrheit. Es kann jedoch als eine Reihe von kritischen, strategischen und rhetorischen Praktiken beschrieben werden, die Konzepte wie Differenz, Wiederholung, Spur, Simulation und Hyperrealität verwenden, um andere Konzepte wie Vorhandensein, Identität, historische Fortschritt, Sicherheit und Ehrfurcht der Bedeutung zu destabilisieren.
Der Begriff "postmodernistische Kunst" bezieht sich auf eine breite Kategorie zeitgenössischer Kunst, die ab 1970 geschaffen wurde. Das unverwechselbare Siegel der "postmodernistischen Kunst" ist die Ablehnung der Ästhetik, auf der sein Vorgänger "Modern Art" (1870-1970) basiert. Einer dieser abgelehnten Werte ist die Idee, dass "Kunst" etwas "Besonderes" ist, das "hoch des" beliebten Geschmacks "sein sollte. Nach einer Reihe neuer technologischer Entwicklungen hat der Postmodernismus zu fast fünf Jahrzehnten künstlerischer Experimente mit neuen Medien und neuen Kunstformen geführt, darunter "Conceptual Art", verschiedene Arten von "Performance Art" und "Installation Art" sowie assistiert Bewegungen wie Dekonstruktivismus und Projektionskunst. Mit diesen neuen Formen haben postmoderne Künstler die Definition von Kunst so weit erweitert, dass "alles wert ist".
Der erste wichtige Kunststil nach der Renaissance war akademische Kunst, das klassische Material, das von Lehrern in Akademien unterrichtet wurde. Akademische Kunst ist das künstlerische Äquivalent des traditionellen "Anzugs und der Krawatte". Als nächstes kommt um 1870 die "moderne Kunst". Dies ist das künstlerische Äquivalent der "Hemd und Hose" oder "Jacke und Hosen". Als nächstes, um 1970, kommt die "postmoderne Kunst", die das künstlerische Äquivalent von "Jeans und T -Shirt" ist. Auf die gleiche Weise, wie die Kleidungscodes weniger formell geworden sind und mehr "Alles ist wert", sind die Künstler von heute weniger beeindruckt von den alten Ideen, was Kunst sein sollte, und konzentrieren sich mehr darauf, etwas (irgendetwas) zu schaffen, als es bemerkt wird.
Der postmoderne Anti-Autoritäre von Natur aus weigerte sich, die Autorität eines Stils oder einer Definition dessen anzuerkennen, was Kunst sein sollte. Die Unterscheidung zwischen hoher Kultur und Massenkultur wurde zwischen Kunst und Alltag zusammengebrochen. Da die Postmoderne die festgelegten Regeln für den Stil durchbrach, führte sie eine neue Ära der Freiheit und das Gefühl ein, dass "alles wert ist". Oft lustig, ironisch oder lächerlich; Es kann widersprüchlich und kontrovers sein und die Grenzen des Geschmacks in Frage stellen. Das Wichtigste ist jedoch, dass es ein Selbstbewusstsein des Stils selbst widerspiegelt. Oft kann die postmodernistische Kunst unterschiedliche Stile und künstlerische und populäre Medien auch bewusst oder bewusst oder ironisch zu einer Vielzahl von Stilen der Vergangenheit kommentieren. Postmoderne sind daher der Ansicht, dass ihre theoretische Position außergewöhnlich inklusiv und demokratisch ist, da sie es ihnen ermöglichen, die unfaire Hegemonie der Diskurse der Abbildung zu den ebenso gültigen Perspektiven der Nichtelitengruppen zu erkennen.
In den 1980er und 1990er Jahren übernahmen akademische Verteidiger im Namen mehrerer ethnischer, kultureller, rassistischer und religiöser Gruppen postmoderne Kritikpunkte der zeitgenössischen westlichen Gesellschaft, und der Postmodernismus wurde zur inoffiziellen Philosophie der neuen Bewegung der "Identitätspolitik",
Kuadros ©, eine berühmte Farbe an Ihrer Wand.
