5 Berühmte Malerinnen

Wie in vielen anderen Bereichen wurden Frauen historisch davon abgehalten, eine Karriere in den Künsten zu verfolgen. Dennoch ignorierten viele außergewöhnliche Künstlerinnen die gesellschaftlichen Regeln und hielten durch.

Natürlich wären diese Frauen wahrscheinlich verärgert, in einer Liste weiblicher Malerinnen aufgeführt zu werden, und würden es vorziehen, als Künstlerinnen unabhängig von ihrem Geschlecht geschätzt zu werden. Leider wird angesichts des anhaltenden Kampfes der Frauen um Gleichheit in allen Bereichen oft in Bezug auf ihr Geschlecht auf diese außergewöhnlichen Künstlerinnen verwiesen.

Ohne in die Kontroverse einzutauchen, wollte KUADROS diesem weiblichen Einfluss in der Kunstgeschichte huldigen, indem sie diese 5 virtuosen Künstlerinnen in Erinnerung ruft.

Nr. 1 Sofonisba Anguissola - 1532 – 1625

Sofonisba Anguissola (um 1532 geboren, Cremona (Italien), verstorben im November 1625, Palermo) war eine Malerin der Spätrenaissance. Geboren in eine relativ arme Adelsfamilie, sorgte ihr Vater dafür, dass sie und ihre Schwestern eine umfassende Ausbildung erhielten, die die schönen Künste umfasste. Dazu gehörten Lehrjahre bei respektierten lokalen Malern.

Dies setzte einen Präzedenzfall für zukünftige Künstlerinnen, die bis zu diesem Zeitpunkt meist nur lernten, wenn ein Familienmitglied eine Werkstatt hatte.

Das Talent von Anguissola erregte die Aufmerksamkeit von Michelangelo, mit dem sie eine informelle Mentorschaft durch den Austausch von Zeichnungen aufbaute. Obwohl ihr als Künstlerin nicht erlaubt war, Anatomie zu studieren oder das Zeichnen von Modellen zu üben, da dies als unanständig galt, schaffte sie es dennoch, eine erfolgreiche Karriere zu haben.
Anguissola experimentierte mit neuen Porträtstilen und stellte oft informelle Motive, häufig sie selbst und ihre Familie, dar, was sehr unüblich war. Ihre Gemälde gaben den Zuschauern einen Einblick in das aristokratische Alltagsleben.
Sie wurde für diesen Stil bekannt und erhielt Aufträge aus ganz Italien.

Im Jahr 1558 war sie eine etablierte Malerin und mit 26 Jahren verließ sie Italien, nachdem sie eine Einladung von Philipp II., König von Spanien, erhalten hatte, um dem spanischen Hof beizutreten. Sie diente in Madrid als Hofmalerin und Ehrendame von Königin Isabel von Valois. Sie erwarb die Bewunderung der jungen Königin und verbrachte die folgenden Jahre damit, viele offizielle Portraits des Hofes zu malen. Während ihrer 14-jährigen Residenz leitete sie die künstlerische Entwicklung von Königin Isabel und beeinflusste die Kunst, die von den Töchtern der Königin geschaffen wurde. Nachdem die junge Königin 1568 gestorben war, beschloss Philipp II., die Ehe von Anguissola zu organisieren.

1571 heiratete sie den sizilianischen Adligen Fabrizio Moncada Pignatelli, der angeblich ihre Malerei unterstützte.

An ihrem 100. Geburtstag ließ ihr Ehemann ihren Grabstein mit einem Text versehen, der diese Widmung enthält: Sofonisba, meine Frau, die zu den angesehenen Frauen der Welt zählt, herausragend in der Darstellung der Bilder des Menschen. Orazio Lomellino, traurig über den Verlust seiner großen Liebe. Orazio Lomellino, Inschrift auf dem Grab von Anguissola. Der Feminismus der zweiten Welle in den 1970er Jahren entdeckte die Bedeutung von Anguissola neu.

Ihr Erfolg öffnete Türen für Frauen wie Lavinia Fontana und Artemisia Gentileschi, eine professionelle Karriere als Künstlerinnen zu verfolgen.

Ihre Gemälde sind bekannt dafür, den Geist und die Vitalität ihrer Modelle einzufangen und befinden sich jetzt in Sammlungen auf der ganzen Welt.
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Nr. 2 Artemisia Gentileschi - 1593 – 1654  oder später

Artemisia Gentileschi (geboren am 8. Juli 1593, Rom, Kirchenstaat (Italien), gestorben 1652/53, Neapel, Königreich Neapel) war eine italienische Malerin, Tochter von Orazio Gentileschi, der ein großer Anhänger des revolutionären Barockmalers Caravaggio war.

Als Tochter eines erfahrenen Malers hatte Artemisia Gentileschi schon in jungen Jahren Zugang zur Kunstwelt. Zunächst arbeitete sie in der Werkstatt ihres Vaters, wo sie Farben mischte, und er unterstützte ihre Karriere, als er bemerkte, dass sie außergewöhnlich talentiert war. Als bemerkenswerte Malerin der italienischen Barockperiode ließ sich Artemisia Gentileschi durch ihr Geschlecht nicht von ihrem Thema abhalten. Sie malte biblische und mythologische Gemälde in großem Maßstab, ebenso wie ihre männlichen Zeitgenossen, und war die erste Frau, die an der renommierten Akademie der Schönen Künste in Florenz angenommen wurde.

Ihrem ersten bekannten Werk ist Susanna und die alten Männer (1610) zuzuordnen, ein lange als Werk ihres Vaters angesehenes Stück. Sie malte auch zwei Versionen einer Szene, die bereits von Caravaggio geübt worden war (aber nie von ihrem Vater versucht wurde), Judith, die Holofernes enthauptet (ca. 1612–13; ca. 1620). Sie wurde von Tassi vergewaltigt und als er sein Versprechen, sie zu heiraten, nicht einhielt, wollte Orazio Gentileschi ihn 1612 vor Gericht bringen. Während dieses Prozesses war sie gezwungen, selbst unter Folter auszusagen.

Ihr Erbe wird manchmal von ihrer Biografie überschattet, wobei ihre blutigen Darstellungen von Judith und Holofernes oft durch die Linse ihrer Vergewaltigung interpretiert werden. Ihr Talent ist jedoch unbestreitbar und wird weiterhin für ihre realistische Darstellung der weiblichen Form, die Tiefe ihrer Farben und ihren auffälligen Einsatz von Licht und Schatten anerkannt.

Artemisia ist die berühmteste Malerin des 17. Jahrhunderts. Sie arbeitete in Rom, Florenz, Venedig, Neapel und London für die höchsten gesellschaftlichen Ebenen Europas, darunter der Großherzog der Toskana und Philipp IV. von Spanien.

Ab etwa 1630 ließ sie sich in Neapel nieder, wo sie bis zu ihrem Tod ein erfolgreiches Atelier leitete. 1639 besuchte sie kurz London, vielleicht um ihrem kranken Vater bei der Malerei der Decke des Queen's House in Greenwich (jetzt in Marlborough House in London) zu helfen, kehrte aber im folgenden Jahr nach Neapel zurück. Das genaue Datum ihres Todes ist unbekannt, aber ein kürzlich entdecktes Dokument vermerkt, dass sie im August 1654 noch in Neapel lebte.
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Nr. 3 Judith Leyster - 1609 – 1660

Judith Leyster (getauft am 28. Juli 1609, Haarlem, Neth.-bestattet am 10. Februar 1660, Heemstede, in der Nähe von Amsterdam) war eine niederländische Malerin und eine der wenigen Künstlerinnen, die aus der Dunkelheit hervorgetreten sind und ein herausragendes Mitglied der niederländischen Goldenen Ära. Typisch für die Künstler der Niederlande in diesem Zeitraum. Sie begann schon in sehr jungen Jahren zu malen und war mit 24 Jahren Mitglied der Malergilde von Haarlem. Ihr Thema umfasste ein breiteres Spektrum als das typischer niederländischer Maler dieser Zeit, und sie war eine der ersten, die die Szene des häuslichen Genres auslotete.

Leyster spezialisierte sich auf Genrebilder, Stillleben und Porträts. Die Einzelheiten ihrer künstlerischen Ausbildung sind nicht ganz klar.

Später leitete sie ein erfolgreiches Atelier mit mehreren männlichen Lehrlingen und war bekannt für die entspannte und informelle Natur ihrer Porträts.

Sie könnte in der Werkstatt von Frans Hals gearbeitet haben oder laut dem Dichter Samuel Ampzing Zeit mit dem Porträtisten Frans Pieterszoon de Grebber verbracht haben. Dennoch ist der Einfluss von Hals auf ihr Werk deutlich. Sie war auch am tenebristischen Stil der Utrechter Schule interessiert. Sie führte Lichtquellen in ihre Gemälde ein. Die meisten ihrer datierten Werke wurden zwischen 1629 und 1635 gemalt. 1636 heiratete sie den Genremaler Jan Miense Molenaer und zog mit ihm nach Amsterdam.

Obwohl sie zu Lebzeiten recht erfolgreich war, litt ihr Ruf nach ihrem Tod aufgrund unglücklicher Umstände. Ihr gesamtes Werk wurde häufig als das Werk ihres Zeitgenossen Frans Hals oder ihres Ehemannes angesehen. In vielen Fällen wurde ihre Unterschrift von Sammlern überdeckt, die Gewinn aufgrund des hohen Marktwerts der Arbeiten von Frans Hals erzielen wollten. Erst gegen Ende des 19. Jahrhunderts wurden diese Fehler entdeckt, und Akademiker begannen, eine erneute Anerkennung der Fähigkeiten von Leyster als Künstlerin zu erlangen.
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Nr. 4 Elisabeth Vigée Le Brun - 1755 – 1842

Élisabeth Vigée-Lebrun, vollständig Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun, auch Lebrun oder Le Brun (geboren am 16. April 1755, Paris, Frankreich, gestorben am 30. März 1842, Paris), war eine französische Malerin und eine der erfolgreichsten Künstlerinnen (ungewöhnlich für ihre Zeit), insbesondere bemerkenswert für ihre Porträts von Frauen.

Als Tochter eines Malers erhielt sie früh Unterricht von ihrem Vater und malte professionell Porträts, als sie noch Teenager war. Ihre große berufliche Chance kam, als sie zur Porträtistin von Marie Antoinette ernannt wurde. Die beiden Frauen wurden Freundinnen, und in den folgenden Jahren malte Vigée-Lebrun mehr als 20 Porträts von Marie Antoinette in einer Vielzahl von Posen und Kostümen. Sie malte auch eine große Anzahl von Selbstporträts, im Stil mehrerer Künstler, deren Arbeiten sie bewunderte. 1783 wurde Vigée-Lebrun aufgrund ihrer Freundschaft mit der Königin widerwillig in die Akademie der Schönen Künste aufgenommen.

Als 1789 die Revolution ausbrach, verließ sie Frankreich und lebte 12 Jahre im Ausland, reiste nach Rom, Neapel, Wien, Berlin, St. Petersburg und Moskau, malte Porträts und spielte eine führende Rolle in der Gesellschaft. 1801 kehrte sie nach Paris zurück, doch mochte sie das gesellschaftliche Leben in Paris unter Napoleon nicht, so dass sie bald nach London zog, wo sie Porträts des Hofes und von Lord Byron malte. Später reiste sie in die Schweiz (und malte ein Porträt von Mme de Staël) und dann wieder (etwa 1810) nach Paris, wo sie bis zu ihrem Tod weiter malte. Vigée-Lebrun war eine sehr einfallsreiche und charmante Frau, und ihre Memoiren, Souvenirs de ma vie, bieten einen lebhaften Bericht über ihr Leben. Sie war eine der technisch geschicktesten Porträtmalerinnen ihrer Zeit, und ihre Bilder zeichnen sich durch Frische, Charme und Sensibilität in der Präsentation aus. Während ihrer Karriere malte sie laut eigenen Angaben 900 Werke, darunter etwa 600 Porträts und etwa 200 Landschaften.

Ihre Gemälde schließen die Lücke zwischen dem theatralischen Rokoko-Stil und der nüchterneren neoklassizistischen Periode. Sie hatte während ihrer Karriere, sogar im Exil nach der Französischen Revolution, anhaltenden Erfolg, da sie eine bevorzugte Malerin der Aristokratie in ganz Europa war. Die Anwesenden genossen ihre Fähigkeit, sie zu beruhigen, was zu lebhaften Porträts führte, die an Lebhaftigkeit fehlten. Die natürliche und entspannte Art ihrer Porträts wurde als revolutionär angesehen zu einer Zeit, als Porträts oft formale Darstellungen der höheren Klassen erforderten.
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Nr. 5 Frida Kahlo - 1907 – 1954

Dies ist vielleicht die berühmteste Malerin.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6. Juli 1907 - Coyoacán, 13. Juli 1954)

Die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo wird für ihre Selbstporträts, ihren Schmerz und ihre Leidenschaft sowie für ihre lebendigen und kräftigen Farben in Erinnerung behalten. In Mexiko wird sie für ihre Aufmerksamkeit für die mexikanische und indigene Kultur gefeiert und von Feministinnen für ihre Darstellung der weiblichen Erfahrung und Form.

Mit ihrer tief persönlichen und symbolischen Arbeit ist sie eine der bekanntesten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts geworden. Während eines großen Teils ihrer Karriere wurde sie oft einfach als die Frau von Diego Rivera überschatten, doch die Wertschätzung für ihre Gemälde ist seit den 1970er Jahren nur gewachsen. Sie war stolz auf ihre mexikanische Identität und integrierte oft präkolumbianische Symbole in ihre Gemälde und ist bekannt für ihr farbenfrohes mexikanisches Kleid. Kahlo, die ihr Leben lang gesundheitliche Probleme hatte, erlitten durch einen Busunfall in ihrer Jugend, erlitten multiple Frakturen ihrer Wirbelsäule, ihres Schlüsselbeins und ihrer Rippen, ein zertrümmertes Becken, einen gebrochenen Fuß und eine ausgekugelter Schulter.

Sie begann, sich während ihrer Rekonvaleszenz mit einem Gips am Körper intensiv mit der Malerei zu beschäftigen. In ihrem Leben hatte sie 30 Operationen. Die Lebensgeschichte ist ein häufiges Thema in den etwa 200 Gemälden, Skizzen und Zeichnungen von Kahlo. Ihr physischer und emotionaler Schmerz wird auf den Leinwänden deutlich sichtbar, ebenso wie ihre turbulente Beziehung zu ihrem Ehemann, dem Künstler Diego Rivera, den sie zweimal heiratete. Von ihren 143 Gemälden sind 55 Selbstporträts. Die Verwüstung ihres Körpers durch den Busunfall wird in "Die gebrochene Säule" detailliert dargestellt. Kahlo zeigt sich fast nackt, durchtrennt, mit ihrer Wirbelsäule darstellt als eine dekorative, gebrochene Säule. Ihre Haut ist mit Nägeln gespickt. Außerdem ist sie mit einem chirurgischen Gerät ausgestattet.

Weltweit bekannt für ihre marxistischen Neigungen ist Frida, zusammen mit dem marxistischen Revolutionär Che Guevara und einer kleinen Gruppe zeitgenössischer Figuren, zu einem kulturellen Symbol des 20. Jahrhunderts geworden und hat ein Erbe in der Malerei geschaffen, das weiterhin die Vorstellungskraft und den Geist inspiriert.
Sie sah ihre blühende Karriere durch ihren vorzeitigen Tod im Alter von 47 Jahren unterbrochen. Ihr Vermächtnis lebt weiter und bleibt ein Ikone vieler feministischer und politischer Bewegungen.

KUADROS ©, ein berühmtes Gemälde an deiner Wand.