Die 10 berühmtesten abstrakten Malereien

In Unbetitelt - Erste abstrakte Aquarelle finden wir einen guten Farbstoß, wie er in den meisten seiner Gemälde vorkommt, aber die Verwendung von Aquarellen anstelle von Ölen hinterlässt ein sichtbar anderes Finish, das dieses Kunstwerk interessant und ziemlich einzigartig für seine Produktion im Jahr 1910 macht. Nah betrachtet sieht das Werk so aus, als wäre es schnell fertiggestellt worden, was typisch für diese Kunstform ist, da die Farbe sehr schnell trocknet. Er arbeitet auch expressiv, ohne sich zu sehr um Präzision zu kümmern, sondern konzentriert sich mehr auf die Wahl der Farben und das Füllen der Leinwand mit verschiedenen Formen und Linien. Es war wirklich abstrakt, und dies war etwas, das immer mehr auftauchte, je weiter er in seiner Karriere vorankam, je mehr er sich von der Realität in den Formen, die er verwendete, entfernte.

Kandinsky spezialisierte sich auf Ölgemälde, arbeitete aber gelegentlich mit Aquarellen. Er hätte dieses Medium als einfach zu handhaben und als etwas gefunden, das sich gut für schnelle Studienarbeiten eignete, bei denen er das Design für ein zukünftiges Stück erfassen wollte. Er nutzte auch Lithographien, Holzschnitte und Radierungen in anderen Zeiten, insbesondere in den frühen Phasen seiner Karriere, als er besonders experimentell war.

Mit Aquarellen konnte Kandinsky dieses Gemälde in nur drei Tagen vollenden. Dennoch führte Kandinsky trotz seiner Eile mehrere Studien für dieses Kunstwerk durch, bevor er mit der endgültigen Komposition begann. Was zur Geschwindigkeit beiträgt, die in Unbetitelt interpretiert werden kann, war seine Farbwahl, da Kandinsky clever Farben auswählte, von denen er wusste, dass sie seine Emotionen in diesem Moment treu darstellen würden. Die Linien und Formen, die gezeichnet wurden, tragen ebenfalls dazu bei und betonen das Chaos und die Dringlichkeit, die beim Betrachten dieses Gemäldes erlebt wird.

Die Abstraktion zeigt sich auch klar in diesem Kunstwerk durch die locker und vage dargestellten Linien, die zu erheblichem Interesse unter den Künstlern zu dieser Zeit führten. Unbetitelt existiert als wichtiger Anstifter der abstrakten Kunstbewegung, da es das erste Mal war, dass etwas, das entfernt und ungebunden war, als geeignetes Thema innerhalb der Kunstwerke dieser Zeit akzeptiert wurde. Unbetitelt markierte einen entscheidenden Punkt in der europäischen Kunst als Abkehr von traditionellen Kunstwerken hin zu abstrakteren und enthemmt Stücke.

Die Zeitspanne von 1910 bis 1914 gilt als der Höhepunkt von Kandinskys Karriere und den Höhepunkt seiner größten künstlerischen Leistungen. Daher existierte Unbetitelt als eines der ersten Kunstwerke, die alle Referenzen zu erkennbaren Formen schamlos ablegten und sich von den Beschränkungen der Darstellungs-Konventionen der westlichen Malerei entfernten.

Dieses Konzept von totaler Freiheit wurde in den meisten der Werke, die Kandinsky in dieser Zeit schuf, prominent.

Nr. 2 Erwachsenenalter # 7 - Hilma AF Klint

Obwohl sie nicht so bekannt ist wie viele der männlichen Künstler ihrer Zeit, war die schwedische Künstlerin Hilma af Klint eine Pionierin der abstrakten Kunst, deren radikale Gemälde älter sind als viele ihrer männlichen Zeitgenossen. Sie verlangte, dass ihr großes Werk, das während ihres Lebens nie ausgestellt wurde, 20 Jahre nach ihrem Tod verborgen bleibt.

Die Sammlung repräsentiert die Lebensphasen, einschließlich Kindheit, Jugend, Reife und Alter. Sie kombinieren botanische Elemente und erkennbare organische Objekte, die auf Geburt und Wachstum verweisen.

Die Erwachsenenalter Nr. 7 von Hilma Klint ist eine riesige Leinwand, 3 Meter hoch und 2 Meter breit, wurde auf Papier gemalt, auf dem Boden des Ateliers, und dann auf eine Leinwand geklebt.

Af Klint interpretiert das Erwachsenenalter in voller Blüte, indem sie mehrere Formen malt, die frei in verschiedenen Größen und Farben auf einem lila Hintergrund fließen. Das zentrale gelbe Symbol sieht aus wie eine Blume, während die Spiralen und biomorphen Formen Symbole für Wachstum und Fruchtbarkeit sind.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Vollendet 1922, das Gemälde Senecio ist eine Manifestation von Pauls Sinn für Humor und afrikanischer Kultur. Die einfachen Farben und Formen, Paul verwendet verschiedene Orangetöne, Rot und Gelb, um das Porträt eines alten Mannes offenzulegen. Der künstlerische Einsatz von Formen erweckt den falschen Eindruck, dass ein Auge sich erhebt. Seine linke Augenbraue wird durch ein Dreieck dargestellt, während die andere aus einer einfachen geschwungenen Linie besteht. Das Porträt wird auch als Kopf eines senilen Mannes bezeichnet und imitiert absichtlich Kinderkunst durch die Verwendung von Formen und Mehrdeutigkeiten mit minimalen Gesichtsdetails.

Diese Anpassung des menschlichen Gesichts ist nach Farbe in Rechtecke unterteilt. Die flachen geometrischen Quadrate bleiben innerhalb eines Kreises, der ein maskiertes Gesicht darstellt und das mehrfarbige Kostüm eines Harlekins zeigt. Ein Porträt des Performer-Künstlers Senecio kann als Symbol für die sich verändernde Beziehung zwischen Kunst, Illusion und der Welt des Theaters gedeutet werden. Dieses Gemälde demonstriert die Prinzipien von Klees Kunst, in der grafische Elemente von Linie, Farbflächen und Raum durch eine Energie des Geistes des Künstlers in Bewegung gesetzt werden. In seinen fantasievollen Kritzeleien mochte er es, laut seinen eigenen Worten, "eine Linie spazieren zu führen".

Nr. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Das Gemälde Etoile Bleue war Mirós Übergang zwischen figurativer und abstrakter Kunst.

Dieses Gemälde ist bekannt als eines der wichtigsten Gemälde in Mirós Karriere. Insbesondere das verwendete brennende Blau ist in mehreren seiner zukünftigen Arbeiten zu sehen und beeinflusste sogar Maler wie Mark Rothko und Yves Klein.

Etoile Bleue ist ein großes Gemälde, aber es ist ein Gemälde von Fragen mehr als Antworten.

Miró war der große Synthesizer einer Ära vieler unterschiedlicher Ideen, so wie es heute der Fall ist, aber die künstlerischen Ideen damals waren viel komplexer als die heutigen.

Das Gemälde kombiniert fauvist Farben, kubistische Formen und surrealistische Intentionen in einem Werk, das der Betrachter visuell immer wieder erkunden kann. Es ist unter vielen Dingen, dass dir viele Fragen bleiben, deren Antworten so traumhaft sind wie das Gemälde.

Wenn man die blaue Form in der oberen linken Ecke betrachtet. Es ist ein Vogel. Es könnte sehr gut sein, aber welcher Vogel ist unklar. Wenn man es eine Weile betrachtet, kann man definitiv sagen, dass es eine dynamische Form ist, aber man könnte leicht argumentieren, dass es nach links, rechts oder sogar nach unten und zu uns fliegt.

Das große rote Stück in der unteren Mitte. Ist das ein Fuß? Es sieht definitiv so stabil und verankert aus, während das blaue Stück dynamisch ist.

Dieses Gemälde ist ein Schatz für seine Liebhaber. Auf den ersten Blick schwankt es ein wenig und bewegt sich, aber einen Moment später bewegt es sich gegen diese elastische Figur in der unteren rechten Ecke.

Miró, ein katalanischer Künstler, geboren 1893 in Barcelona, nannte seine surrealistische Traumenlandschaft Peinture (Étoile Bleue) von 1927 ein Schlüsselbild und integrierte Symbole, die er in den folgenden Jahren wiederholt verwenden würde, und sogar die brennende blaue Farbe beeinflusste spätere Maler, einschließlich Mark Rothko und Yves Klein.

Nr. 5. Komposition VII - Wassily Kandinsky

Das Gemälde Komposition VII von Wassily Kandinsky wird von vielen Liebhabern abstrakter Kunst als das wichtigste Kunstwerk des 20. Jahrhunderts angesehen, vielleicht sogar als das bedeutendste abstrakte Gemälde, das je geschaffen wurde.

Dieses Werk ist eine logische Fortsetzung der Komposition V und Komposition VI . Die drei Gemälde sind durch das Thema der Apokalypse verbunden. Elemente der Komposition VI wie die Sintflut und die Auferstehung lassen sich in diesem Werk nachzeichnen. Das Hauptthema ist das Jüngste Gericht, das jedoch nicht als Katastrophe, sondern als Befreiung angesehen wird, der Übergang von der materiellen zur spirituellen Welt. Daher unterscheidet sich die Komposition VII von den anderen Werken der Serie durch ihre hellen Farben und ihr funkelndes Kontrastlinien.

Kandinsky baute jede seiner Kompositionen so, dass der Betrachter in das Bild eintreten konnte, als würde er sich darin drehen. Er machte den unteren Rand der Komposition schwerer, indem er ihn nach vorne schob, während der obere Teil leichter und weiter entfernt blieb für den Betrachter. Einer der wichtigsten Kontraste des Künstlers, Blau und Gelb bilden die zentrale Zone aktiver Bewegung nach innen und außen.

Kandinsky verbrachte viele Monate mit der Vorbereitung seiner Komposition VII, benötigte aber nur vier Tage, um sie zu malen. Der Künstler machte etwa 30 Studien zu diesem Gemälde. Einige von ihnen erinnern an Caravaggio oder Leonardo da Vincis detaillierte Studien zu Stofffalten, Blätter von Bäumen oder menschlichen Gliedmaßen. In dieser Serie zeigen einige Werke wiederholt die gleiche geschwungene Linie, andere schematisieren die grundlegenden strukturellen Elemente der Komposition und einige enthalten einen detaillierten Plan der Komposition. Außerdem gibt es etwa 15 verschiedene Bilder, die mit der Komposition VII verbunden sind: es handelt sich um öl- oder bleistiftzeichnungen, Aquarelle, Glasmalereien und Drucke.

Gabrielle Munter, die Zeugin der Entstehung dieses Gemäldes war, schrieb in ihr Tagebuch am 25. November 1913, dass die Leinwand für die Komposition VII in ihrem Haus in Murnau abgegeben wurde und Kandinsky am selben Abend mit der Arbeit begann. Am folgenden Morgen machte er das erste Foto des Gemäldes und nach dem Mittagessen das zweite. Der Eintrag vom 28. November in Munters Tagebuch besagte, dass das Gemälde fertig war. Am 29. November machte er ein Foto des vollendeten Werks. So wurde die Geburt eines großen Meisterwerks festgehalten.

Komposition VII belegt Platz Nr. 100 auf unserer Liste der berühmten Gemälde

Nr. 6 Komposition X - Kandinsky

Als einer der ersten Befürworter der abstrakten Malerei zählte Wassily Kandinsky nicht nur zu den russischen Malern, sondern auch zu den Kunsttheoretikern. Der Einfluss, den er instigierte und hinterließ in der Kunstwelt und der Abstraktion war enorm, da er die Kunstgruppe Phalanx und die New Group of Artists mitbegründete und Ausstellungen für seine Zeitgenossen während seiner Jahre als Künstler organisierte. Er produzierte im Laufe seiner Karriere über 600 Werke, darunter ein Gemälde aus dem Jahr 1913, das 2017 bei einer Auktion für einen Rekordpreis von 41,6 Millionen Dollar verkauft wurde.

Trotz dieses beeindruckenden Rekords war sein möglicherweise bedeutendstes Werk Komposition X. Es ist das letzte in seiner lebenslangen Serie von 'Kompositionen'. Mit ihr wollte er seine Forschung zur Reinheit von Form und Ausdruck durch dieses Werk vollenden. Da er bis zu diesem Zeitpunkt Schwarz nur sparsam in seiner Praxis verwendet hatte, wurde kritisiert, dass dieses Werk sowohl das Universum als auch die Dunkelheit des Vorbote erwecken würde, die sich dem Ende seines Lebens näherte.

Ursprünglich wurde die Schaffung der Komposition X durch die biomorphen Formen des Surrealismus beeinflusst.

Im Laufe der Zeit jedoch verwendete Wassily Kandinsky die Kunst, organische Formen in seinen Gemälden zu verwenden. Dieser Stil war ein Stil, den er dann in seinen Gemälden beibehielt.

Dieser Stil gab seiner Arbeit die Einzigartigkeit. Es war einfach und fast unmöglich, die von Wassily Kandinsky geschaffenen Gemälde bei Ausstellungen oder anderswo nicht zu erkennen.

Außerdem wurde die Komposition X in Frankreich geschaffen. Bei genauer Betrachtung des Gemäldes fällt auf, dass der Maler einen schwarzen Hintergrund verwendet hat. Der Hauptgrund für die Verwendung des schwarzen Hintergrunds war, dass die Farben im Vordergrund deutlich sichtbar waren.

Nr. 7 Konvergenz - Jackson Pollock

Konvergenz —ein schwarz-weißes Gemälde, auf das Pollock Primärfarben geworfen hat— spiegelt die Krise des Kalten Krieges wider. Es ist eines seiner Meisterwerke und könnte möglicherweise das bekannteste Gemälde eines abstrakten Expressionisten sein. Im Jahr 1964 produzierte Springbok Editions ein Puzzle des Gemäldes, das als "das schwierigste Puzzle der Welt" beworben wurde, und Hunderttausende von Amerikanern kauften es.

Im Jahr 1951 sagte Pollock: "Ich glaube, dass der moderne Maler seine Zeit, das Flugzeug, die Atombombe, das Radio, nicht in den alten Formen der Renaissance oder in irgendeiner anderen Vergangenheit ausdrücken kann. Jede Epoche findet ihre eigene Technik." Pollock fand seine Technik im Hausmalen und Tropfen und verwendete sie, um seine eigene Zeit auszudrücken.

Mit einer Größe von 237 x 394 Zentimetern ist Konvergenz eines der ambitioniertesten Gemälde von Pollock. Es ist bekannt für seine visuelle Brillanz und dafür, tiefgehende Emotionen im Betrachter hervorzurufen. Obwohl Jacksons Werke selbst für Kunstexperten immer noch schwer zu entschlüsseln sind, gelten seine Gemälde als Manifestationen von Freiheit der Äußerung. Konvergenz, das in diesem Sinne ein herausragendes Beispiel ist, bleibt eines seiner berühmtesten Meisterwerke.

Nr. 8 Elegie für die Spanische Republik - Robert Motherwell

Obwohl Robert Motherwell erst 21 Jahre alt war, als der Spanische Bürgerkrieg ausbrach, beeinflussten ihn die Greueltaten in den folgenden Jahren sehr. Dies führte ihn dazu, eine Serie von über 200 Gemälden als Antwort darauf zu schaffen. Die Serie 'Elegie für die Spanische Republik' dient als Vielzahl von Gedenkfeiern für menschliches Leid sowie "abstrakten und poetischen Symbolen für den unaufhaltsamen Zyklus von Leben und Tod".

Zu den Elegien erklärte Motherwell: "Nachdem ich eine Zeitlang gemalt habe, entdeckte ich Schwarz als eines meiner Themen, und mit Schwarz, dem kontrastierenden Weiß, ein Gefühl von Leben und Tod, das für mich ziemlich spanisch ist. Es ist im Wesentlichen das spanische Schwarz des Todes, kontrastiert mit dem Blendwerk eines Sonnenlichts wie Matisse."

Seine Elegien stellen eine erweiterte abstrakte Meditation über Leben und Tod dar. Im Laufe der Serie werden die horizontalen weißen Leinwände rhythmisch durch zwei oder drei freihändig gezogene vertikale Striche unterteilt, die in verschiedenen Intervallen durch ovale Formen punktiert werden. Die Gemälde bestehen oft vollständig aus Schwarz und Weiß, den Farben der Trauer und des Glanzes, des Todes und des Lebens. Motherwell kommentierte über den Konflikt dieser Kräfte als eine Metapher für sein Verständnis der Erfahrung, lebendig zu sein.

Die Elegie für die Spanische Republik beschreibt einen majestätischen Übergang von organisch und geometrisch, vom Zufälligen zum Gewollten. Wie andere abstrakte Expressionisten fühlte sich Motherwell vom surrealistischen Prinzip des Automatismus angezogen — von Methoden, die der bewussten Absicht des Künstlers entglitten — und sein Pinselstrich hat eine emotionale Ladung, aber in einer allgemeinen Struktur gewisser Strenge. Tatsächlich sah Motherwell die sorgfältigen Arrangements von Farbe und Form als das Herz der abstrakten Kunst, die, wie er sagte, "andere Dinge abwirft, um sie zu intensivieren, ihre Rhythmen, räumlichen Intervalle und Farbstruktur".

Nr. 9 Schwarze Iris – Georgia O'Keeffe

Dieses monumentale Blumenbild ist eines von O'Keeffes ersten Meisterwerken. Indem sie die Blütenblätter weit über die Proportionen des natürlichen Größenmaßes vergrößert, zwingt sie den Betrachter, die kleinen Details zu beachten, die sonst möglicherweise übersehen würden. Als die Gemälde dieser Gruppe 1924 zum ersten Mal ausgestellt wurden, war sogar Alfred Stieglitz, ihr Ehemann und Händler, von ihrer Kühnheit überrascht.

Die schwarze Iris von Georgia O'Keeffe ist ein Beispiel für eines ihrer vielen Arbeiten über das Thema Blumen und insbesondere die Iris, eine Blume, die reich an Symbolik ist. In Black Iris III war jedoch O'Keeffes Ziel nicht, auf diese Symbolik zu verweisen oder sie hinzuzufügen, sondern vielmehr den Betrachter dazu zu animieren, die Blume zu betrachten und die verschiedenen Arten, wie Menschen sehen, zu berücksichtigen. So wird es in eine tiefgehende Meditation über die Kunst des Betrachtens verwandelt, nicht nur über Kunst, sondern über das Leben. In diesem Artikel analysiert Singulart die Symbolik, die in O'Keeffes Malerei projeziert wird, sowie ihre eigenen Absichten bei der Schaffung von Black Iris III.

Georgia O'Keeffe beschäftigte sich während vieler Jahre mit dem Thema des Irisgemäldes, insbesondere mit der schwarzen Iris, die schwerer zu finden war und nur einige Wochen im Jahr in New York erhältlich war. Die Iris ist ein bekanntes Symbol in der westlichen Welt: In der griechischen Mythologie personifiziert die Göttin Iris den Regenbogen und die Verbindung zwischen Himmel und Erde; im Christentum symbolisiert die Iris die Passion Christi und die Auferstehung sowie das Leiden Mariens. Ihrerseits machte die Kunsthistorikerin Linda Nochlin die Iris von O'Keeffe zu einem feministischen Symbol, indem sie sie als "morphologische Metapher" der weiblichen Genitalien beschrieb, die "die Einheit des Weiblichen und der natürlichen Ordnung" widerspiegelt. Nochlins Beschreibung von Black Iris III und den anderen Iris-Gemälden von O'Keeffe verankerten sie in der Kunstgeschichte und der Geschichte des Feminismus sowie der feministischen Kunst.

O'Keeffe wies jedoch diese Beschreibung zurück und erklärte: "Niemand sieht wirklich eine Blume; sie ist so klein. Wir haben keine Zeit, und Sehen braucht Zeit, wie Freundschaft Zeit braucht. Wenn ich die Blume genau so malen könnte, wie ich sie sehe, würde niemand sehen, was ich sehe, denn ich würde sie klein malen, wie die Blume klein ist. Also sagte ich mir: Ich werde malen, was ich sehe, was die Blume für mich ist, aber ich werde sie groß malen, und sie werden überrascht sein, sich die Zeit zu nehmen, um sie zu betrachten; ich werde sogar die beschäftigten New Yorker dazu bringen, sich die Zeit zu nehmen, um zu sehen, was ich an Blumen sehe. Ich ließ dich die Zeit nehmen, um zu sehen, was ich sah, und als du die Zeit nahmst, um wirklich meine Blume zu bemerken, hast du all deine eigenen Assoziationen mit Blumen auf meiner Blume platziert und über meine Blume geschrieben, als ob ich dachte und sah, was du mit der Blume denkst und siehst, und ich nicht.

Nr. 10 Austausch - William de Kooning

Im Jahr 1955 vollendete Willem de Kooning das Werk Austausch. Er hatte viel Zeit damit verbracht, Figurenschutzstudien zu überarbeiten, die er 1948 begonnen hatte, und diese waren mit seiner Einzelausstellung im Jahr 1953, Gemälden zum Thema Frau, verbunden, die zu diesem Zeitpunkt in New York eröffnet wurde. Einige Titel dieser Werke sind Frau I, Frau III und Frau V sowie Zwei Frauen mit Stillleben.

Bis 1955 hatte de Kooning aufgehört, menschliche Figuren zu malen und setzte weiterhin abstrakte Darstellungen von Architektur und den Gemeinschaften von New York City ein.

Willem de Kooning verwendete schnelle gestische Striche auf der Leinwand. Das Bild zeigt eine Frau, die auf einem Stuhl sitzt, aber die Frauen erscheinen nur als eine Masse von Schnäbeln. Bei der Benennung seiner Gemälde bevorzugte er immer eine Verbindung zu dem Gebiet, in dem er lebte. Der Austausch erhielt seinen Namen von der Umgebung, dem Zentrum von New York, dem Ort, an dem er während dieser Zeit lebte.

Ursprünglich wurde das Gemälde 1955 vom Künstler für 4.000 Dollar verkauft.

Es wurde dann im September 2015 von der David Geffen Foundation für 300 Millionen Dollar an Kenneth C. Griffin verkauft, wodurch es auf den zweiten Platz in der Liste der teuersten Gemälde rückt, nur übertroffen von Salvator Mundi von Leonardo da Vinci, das im November 2017 für 450,3 Millionen Dollar verkauft wurde.

KUADROS ©, ein berühmtes Gemälde an deiner Wand.