For at opdage de sande rødder og betydningen af ​​lyrisk abstraktion og forstå, hvordan de interagerer med deres tendenser inden for kunst, må vi se på de første dage med abstrakt kunst.

Lyrisk abstraktion er et tilsyneladende enkelt udtryk, og alligevel er dens oprindelse og betydning i løbet af generationer blevet drøftet. Den amerikanske kunstsamler Larry Aldrich brugte udtrykket i 1969 til at definere arten af ​​flere værker, som han for nylig havde samlet, og som efter hans mening indikerede en tilbagevenden til personlig udtryk og eksperimentering efter minimalisme.

Men den franske kunstkritiker Jean José Marchand brugte en variation af udtrykket, Abstraction Lyrique, årtier før, i 1947, til at henvise til en voksende europæisk tendens til maleri svarende til abstrakt ekspressionisme i USA, de henviste til kunst, der var kendetegnet ved at være fri, Følelsesmæssige og personlige kompositioner uden for den objektive virkelighed.

Men disse tendenser kan vandre længere tilbage, i det mindste indtil det første årti i det tyvende århundrede i arbejdet med Wassily Kandinsky. 

Lyrisk abstraktion - første skridt

Vassily Kandinsky 1911, komposition nr. 4

Selvom det kan siges, at den russiske maler Wassily Kandinsky (1866-1944) var en pioner i den elegante kombination af fortælling, form og farve, der er grundlaget for lyrisk abstraktion, trenden opstod i en udstilling med titlen "L'Imaginaire", som blev afholdt i Galleri du Luxembourg i Paris, I 1947 og inkluderede værker af Hans Hartung, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) og Jean-Paul Inristle, blandt andre.

Det nuværende udtryk "Abstraction Lyrique" blev opfundet af den franske maler og coorganizer af udstillingen Georges Mathieu (1921-2012), mens hans kurator Jose-Jean-Marchand skrev, at nogle af de udsatte værker viste "en lirisme, der blev frakoblet fra al servitude. .. ", hvilket betyder, at malerierne ikke blev afledt eller vejet af vægten af ​​intellektuel teori.

På udkig efter lyrik i lyrisk abstraktion

I 1910'erne flirte flere forskellige grupper af kunstnere med begrebet lyrisk abstraktion, hver fra et unikt perspektiv. Kubistiske og futuristiske kunstnere arbejdede med billeder i den virkelige verden og modificerede dem konceptuelt for at udtrykke abstrakte ideer. Supreme og konstruktivistiske kunstnere arbejdede med genkendelige former i deres kunst, men brugte dem på tvetydig eller symbolsk måde eller på en måde, der forsøgte at overføre universaliteter.

Men en anden gruppe kunstnere nærmede sig abstraktionen fra et helt andet perspektiv end resten.

Denne gruppe, personificeret af Wassily Kandinsky, han henvendte sig til abstraktion fra det perspektiv, at de ikke vidste, hvilken betydning der kunne have det, de malede. De håbede, at simpelthen at male frit, uden forudfattede forestillinger om æstetik eller den objektive verden, kunne noget ukendt udtrykkes gennem deres arbejde. Kandinsky sammenlignede sine malerier med musikalske kompositioner, der kommunikerede følelser på en fuldstændig abstrakt måde. Hans abstrakte malerier var fantasifulde, følelsesladede, udtryksfulde, personlige, lidenskabelige og helt subjektive; Med andre ord lyrisk.

Karakteristika ved lyrisk abstraktion: stilarter forvirring

"Mænd på", Taro Okamoto (1955), National Museum of Modern Art, Tokyo

I teorien var Art Reportl den vigtigste bevægelse, der dækkede adskillige erstatninger og undergrupper, såsom kræfter Nouvelles, Cobra, Tachisme, Art Brut, Art Non figuratif og lyrisk abstraktion. Alle disse skoler var abstrakte eller i det mindste semi-abstrakts, alle afviste geometrisk abstraktion såvel som naturalisme og figurative genrer. Alle kunstnere forsøgte at skabe en ny og spontan malingstil, fri for tidligere teorier eller konventioner, der er til stede. På trods af alt dette var mange abstrakte malere på den tid medlemmer af en eller flere af disse underordninger, og som et resultat er det næsten umuligt at identificere de malerier, der hører til hver af disse bevægelser.

Lyrisk abstraktion efter krigen

Af stijl, medium

Den lyriske abstraktion af Kandinsky Han kontrasterede med mange af de andre tendenser med abstrakt kunst i 1920'erne og 1930'erne. Hans kunst var ikke specifikt forbundet med nogen religion, men der var noget åbent åndeligt i ham. Andre kunstnere, der var forbundet med stilarter som Stijl, kunstbeton og surrealisme, gjorde kunst, der var sekulær og lånte sig til en objektiv akademisk fortolkning. Kandinsky ledte efter noget, der aldrig kunne defineres fuldstændigt eller forklares. Han udtrykte åbent sin personlige forbindelse med universets mysterier. Det var som om han havde opfundet en slags åndelig eksistentialisme.

Eksistentialisme var en filosofi, der sprang til berømmelse efter 2. verdenskrig, da folk kæmpede for at forstå, hvad de opfattede som livets vrøvl. Kritiske tænkere kunne ikke tro, at der kunne være en overlegen magt, der muliggjorde den type ødelæggelse, de netop havde været vidne til. Men i stedet for at blive nihilister i det tilsyneladende fravær af Gud, forsøgte eksistentialister at komme sig igennem livets generelle vrøvl og søge personlig mening. Som den eksistentielle forfatter Jean-Paul Sartre skrev i sin bog The Being og intet i 1943, ”Mand er dømt til at være fri; Han er ansvarlig for alt, hvad han gør. "

Andre navne forbundet med lyrisk abstraktion

Gennem 1940'erne og 1950'erne opstod der en masse abstrakte kunstbevægelser, der på en eller anden måde involverede subjektivt personligt udtryk som grundlag for at udtrykke mening i kunsten. Abstraktion Lyrique, Art Reportl, Tachisme, Art Brut, Abstrakt ekspressionisme, Color Field Art og endda konceptuel og performancekunst daterer til en vis grad tilbage til den samme generelle eksistentielle søgning. En af de mest indflydelsesrige kunstkritikere fra denne tid, Harold Rosenberg, forstod, da han skrev: "I dag skal hver kunstner forpligte sig til at opfinde sig selv ... betydningen af ​​kunst i vores tidsstrømme fra denne funktion af selvskabelse"

Men da kultur ændrede sig med den næste generation, faldt mange af disse eksistentielle tendenser inden for kunsten af ​​skam. Og endnu en gang indtog en geometrisk tilgang, konkret og uden følelser af abstrakt kunst, personificeret af minimalisme, sin plads.

Men ikke alle kunstnere opgav den lyriske tradition. I slutningen af ​​1960'erne var tidevandet ændret endnu en gang. Som Larry Aldrich påpegede, som gendannede udtrykket lyrisk abstraktion i 1969, ”I begyndelsen af ​​sidste sæson blev det klart, at der i maleriet var en bevægelse, der bevægede sig væk fra det geometriske, det hårde og det minimalistiske, mod mest Lyriske, sensuelle abstraktioner, romantisk i blødere og livlige farver ... Kunstnerens berøring er altid synlig i denne type maleri, selv når malerierne er lavet med kanoner, svampe eller andre genstande. ”

Moderne lyrisk abstraktion

Jimenez-Balaguer, detaljer

Det er tydeligt, at som normalt sker med Kunstneriske bevægelser, de tendenser, der definerer lyrisk abstraktion, er inden minedrift af udtrykket. I de første årtier i det tyvende århundrede Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautier, Paul Klee og Wols legemliggjorde for første gang de lyriske tendenser i abstraktion. Og årtier senere førte kunstnere som Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages og Joan Mitchell dem fremad. Derefter, i slutningen af ​​tresserne og halvfjerdserne, revitaliserede Kules Olitski, Mark Rothko og snesevis mere revitaliserede og udvidede stillingen.

I 2015 døde en af ​​de mest fascinerende stemmer fra moderne lyrisk abstraktion, den spanske kunstner Laurent Jiménez-Balaguer. Men deres koncepter, teorier og teknikker manifesterer sig fortsat på en magtfuld måde i dag i kunstners arbejde som Margaret Neill, hvis instinktive kompositioner af sammenflettede linjer inviterer seeren til en subjektiv deltagelse af personlig betydning og Ellen Priest, hvis arbejde giver livet til Hans æstetiske samtale med jazzmusik. Det, der forener alle disse kunstnere i en fælles bånd, er den grundlæggende søgning efter lyrisk abstraktion: at udtrykke noget personligt, subjektivt og følelsesmæssigt og gøre det på en poetisk og abstrakt måde.

Amerikansk lyrisk abstraktion (1960, 1970)

Helen Frankenthaler, Madame Butterfly

En bevægelse, der blev kendt som lyrisk abstraktion, opstod i USA i 1960'erne og 1970'erne som svar på væksten af ​​minimalisme og konceptuel kunst. Talrige malere begyndte at bevæge sig væk fra de geometriske, præcision, hårde kanter og minimalistiske stilarter, mod en mere harmonisk og billedlig stil ved hjælp af rige og sensuelle farver. De havde til hensigt at gendanne æstetiske principper i stedet for at fortsætte med en spontan socio -politisk ikonografi. Denne amerikanske form for lyrisk abstraktion eksemplificeres i værker af Helen Frankenthaler (n. 1928) og Jules Olitski (1922-2007), blandt andre. En udstilling med titlen "Lyric Abstraction" blev udført på American Art Art Museum i maj-juli 1971.

I løbet af denne periode var der imidlertid en række lignende variationer af Abstrakt ekspressionisme Anden generation (postpintoristisk abstraktion). Og selvom der var klare teoretiske sondringer mellem feltmaleri -farve, hårdt kantmaleri, pletmaleri og lyrisk abstraktionsfarve, er disse forskelle ikke indlysende for det blotte øje.

Maling af den lyriske abstraktionsbevægelse hænges i dag på de bedste kunstmuseer i verden.

Lyrisk abstraktion - æstetisk og filosofisk forstand

Jean Paul Riopele

Lyrisk abstraktion var ikke en bestemt skole eller bevægelse, snarere en tendens inden for Art Reportl. De betragter det som en afbalanceret, elegant abstrakt kunststil (undertiden animeret, undertiden afslappende), der næsten altid er fyldt med indhold, der er udvundet fra den naturlige verden.

Det er ofte indrammet af en overdådig farve, dens harmoniske og billedlige skønhed kan kontrasteres med de hårde, nødlidende og dissonante billeder produceret af andre kunstrapporter såsom Cobra eller nylige neoexpressionister.

Køb en kopi af Wassily Kandinsky, en af ​​de bedste eksponenter for lyrisk abstraktion.

Kuadros ©, en berømt maling på din væg.