De 10 Mest Berømte Abstrakte Malerier

I Uden Titel - Første Abstrakte Akvarel finder vi en god bølge af farve, som man finder i de fleste af hans malerier, men brugen af akvarel i stedet for olie giver en synligt anderledes finish, der gør dette kunstværk interessant og ret unikt i hans produktion i 1910. Værket ser ud til at være blevet afsluttet hurtigt, hvilket er typisk for denne form for kunst, da malingen tørrer meget hurtigt. Han arbejder også ekspressivt, uden at bekymre sig meget om præcision, men fokuserer mere på farvevalg og fylder lærredet med forskellige former og linjer. Det var virkelig abstrakt, og dette var noget, der blev mere og mere tydeligt, efterhånden som han avancerede i sin karriere, i takt med at han bevægede sig længere og længere væk fra virkeligheden i de former, han brugte.

Kandinsky specialiserede sig i olie, men arbejdede ind imellem med akvareller. Han ville have fundet denne metode let at arbejde med og noget, der også passede godt til hurtige studieværker, hvor han forsøgte at forstå designet til et fremtidigt værk. Han gjorde også brug af litografier, xylografier og aquatint på andre tidspunkter, især i de tidlige faser af sin karriere, hvor han var særligt eksperimenterende.

Ved at arbejde med akvareller kunne Kandinsky færdiggøre dette maleri på kun tre dage. Men på trods af sin hast, udførte Kandinsky adskillige studier for dette kunstværk, inden han begyndte på den endelige komposition. Det, der bidrog til den hastighed, der kan tolkes i Uden titel, var hans farvevalg, da Kandinsky klogt valgte farver, som han vidste ville repræsentere præcist hans følelser på det tidspunkt. De linjer og former, der blev tegnet, tilføjer også og understreger det kaos og den hast, man oplever, når man ser på dette maleri.

Abstraktionen demonstreres også klart i dette kunstværk gennem de løse og vag repræsenterede linjer, hvilket vækkede betydelig interesse blandt den kunstneriske publikum på det tidspunkt. Uden Titel eksisterer som en vigtig instigator for den abstrakte kunstbevægelse, da det var første gang, at noget fjernt adskilt og uhæmmet blev accepteret som et passende emne i kunstværker på det tidspunkt. Uden Titel markerede et definerende punkt i europæisk kunst som en bevægelse væk fra traditionelle kunstværker mod mere abstrakte og uhemmede kunstværker.

Perioden mellem 1910 og 1914 betragtes som toppen af Kandinskys karriere og kulminationen af hans største kunstneriske præstationer. Derfor eksisterede Uden titel som et af de første kunstværker, der ærligt forkastede alle referencer til genkendelige former og fremkom fra de begrænsninger, som de vestlige europæiske male konventioner satte.

Dette koncept om total frihed kom til at spille en fremtrædende rolle i de fleste værker skabt af Kandinsky i denne periode.

Nr. 2 Voksenliv # 7 - Hilma AF Klint

Selvom hun ikke er så kendt som mange af de mandlige kunstnere i sin tid, var den svenske kunstner Hilma af Klint en banebrydende abstrakt kunstner, hvis radikale malerier er tidligere end mange af hendes mandlige samtidige. Hun bad om, at hendes store værk, som det meste aldrig blev udstillet i hendes liv, skulle forblive skjult i 20 år efter hendes død. 

Samlingen repræsenterer livets faser, herunder barndom, ungdom, modning og alderdom. De kombinerer botaniske elementer og genkendelige organiske objekter, der henviser til fødsel og vækst.

Den Voksenliv Nr. 7 af Hilma Klint er et enormt lærred, 3 meter højt og 2 meter bredt, malet på papir, på gulvet i studiet, og derefter limet på et lærred.

Af Klint fortolker voksenlivet i fuld blomstring ved at male forskellige former, der flyder frit i forskellige størrelser og farver på en lilla baggrund. Det centrale gule symbol ligner en blomst, mens spiralerne og de biomorfe former er symboler på vækst og frugtbarhed.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Færdiggjort i 1922, maleriet Senecio er en manifestation af Pauls humor og afrikanske kultur. Ved hjælp af farver og enkle former bruger Paul flere nuancer af orange, rød og gul for at afsløre et portræt af en gammel mand. Den kunstneriske brug af former giver et falsk indtryk af, at det er et øje, der løfter sig. Hans venstre øjenbryn er repræsenteret af en trekant, mens det andet er dannet af en simpel buet linje. Portrættet kaldes også "Head of a Man Going Senile" og efterligner med vilje børns kunst ved at bruge former og nuancer med minimal ansigtstræk.

Denne tilpasning af det menneskelige ansigt er opdelt efter farve i rektangler. De flade geometriske firkanter forbliver inden for en cirkel, der repræsenterer et maskeret ansigt og viser en farverig klædedragt. Et portræt af kunstnerens performer Senecio kan ses som et symbol på det skiftende forhold mellem kunst, illusion og dramaverdenen. Dette maleri demonstrerer Klee's kunstprincipper, hvor linjens grafiske elementer, farveflader og rum sættes i bevægelse af kunstnerens mentale energi. I sine fantasifulde skitser kunne han lide, for som han selv sagde, "at tage en linje på en tur".

Nr. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Maleren Etoile Bleue var Mirós overgang mellem figurativ og abstrakt kunst.

Dette maleri er kendt for at være et af de vigtigste malerier i Mirós karriere. Især den brændende blå, der anvendes, kan ses i flere af hans fremtidige værker og kom endda til at påvirke malere som Mark Rothko og Yves Klein.

Etoile Bleue er et stort maleri, men det er et maleri af spørgsmål snarere end svar.

Miró var den store syntetisator af en tidsalder med mange forskellige ideer, lidt ligesom i dag, men de kunstneriske ideer dengang var langt mere komplekse end dem i dag.

Maleriet kombinerer fauvistiske farver, kubistiske former og surrealistiske intentioner i et værk, som beskueren kan udforske visuelt igen og igen. Det er blandt så mange ting, at man står tilbage med mange spørgsmål, hvis svar er lige så drømmeagtige som maleriet.

Hvis man ser på den blå form i øverste venstre hjørne. Det er en fugl. Det mest sandsynlige er, at det er det, men hvilken fugl er uklart. Ved at se på det i et stykke tid kan man tydeligt sige, at det er en dynamisk form, men det kan let argumenteres for, at det flyver til venstre eller til højre eller endda nedad og mod os.

Den store røde del nederst i midten. Er det en fod? Det ser bestemt så stabilt og forankret ud, som den blå del er dynamisk.

Dette maleri er en juvel for dens elskere. Ved første øjekast vakler det lidt og bevæger sig, men et øjeblik bevæger det sig mod den elastiske figur nederst til højre.

Miró, en catalansk kunstner født i Barcelona i 1893, kaldte sit surrealistiske drømmelandskab Peinture (Étoile Bleue) fra 1927 et nøglebillede, som inkorporerede symboler, han ville bruge gentagne gange i de følgende år, og selv farven brændende blå påvirkede senere malere, herunder Mark Rothko og Yves. Klein.

Nr. 5. Komposition VII - Wassily Kandinsky

Maleren Komposition VII af Wassily Kandinsky betragtes af mange abstrakt kunstinteresserede som det vigtigste kunstværk i det 20. århundrede, måske endda det vigtigste abstrakte maleri, der nogensinde er skabt.

Dette værk er en logisk fortsættelse af Komposition V og Komposition VI . De tre malerier er forbundet gennem temaet om verdens undergang. Sådanne elementer fra Komposition VI som Oversvømmelsen og Opstandelsen kan spores i dette værk. Dets hovedtema er dommedag, men det ses ikke som en katastrofe, men som en befrielse, overgangen fra den materielle verden til den åndelige. Derfor adskiller Komposition VII sig fra de øvrige værker i serien ved sine lyse farver og sprudlende kontrastlinjer.

Kandinsky konstruerede hver af sine kompositioner, så beskueren kunne træde ind i billedet, som om de snurrede indeni det. Han gjorde den nederste kant af kompositionen tungere, hvilket skubbede den fremad, mens den øverste del forbliver lettere og mere fjern for beskueren. En af kunstnerens vigtigste kontraster, blå og gul, danner det centrale område af aktiv bevægelse ind og ud.

Kandinsky brugte mange måneder på at forberede sin Komposition VII, men det tog ham kun fire dage at male den. Kunstneren udførte omkring 30 studier til dette maleri. Nogle af dem minder om Caravaggio eller Leonardo da Vincis med deres detaljerede studier af stoflottens folder, træernes blade eller menneskekroppens lemmer. I denne serie præsenterer nogle værker gentagne gange den samme kurvede linje, mens andre skematisk viser de grundlæggende strukturelle elementer af kompositionen, og nogle indeholder et detaljeret plan for kompositionen. Derudover er der omkring 15 forskellige billeder, der er relateret til Komposition VII: det handler om olie- eller blyantsketcher, akvareller, malerier på glas og tryk.

Gabrielle Munter, som var vidne til skabelsen af dette maleri, skrev i sin dagbog den 25. november 1913, at lærredet til Komposition VII blev leveret til hendes hjem i Murnau, og Kandinsky gik straks i gang den samme aften. Næste morgen tog han det første billede af maleriet, og efter frokost tog han det andet. Indtastningen den 28. november i Munters dagbog sagde, at maleriet var færdigt. Den 29. november tog han et billede af det færdige værk. Således blev fødslen af et stort mesterværk dokumenteret.

Komposition VII er nummer 100 på vores liste over berømte malerier

Nr. 6 Komposition X - Kandinsky

Citeret som en af de første fortaler for abstrakt maleri, var Wassily Kandinsky ikke kun en russisk maler, men også en kunstteoretiker. Den indflydelse, han instigerede og efterlod i kunstverdenen og inden for abstraktionen, var enorm, da han co-foundede kunstgruppen Phalanx og The New Group of Artists dengang og organiserede udstillinger for sine samtidige gennem sit år som kunstner. Han producerede mere end 600 værker i sin karriere, med et maleri fra 1913, der nåede sit rekordhøjeste auktionspriser på 41,6 millioner dollars i 2017. 

På trods af denne imponerende rekord var hans mest betydningsfulde værk muligvis Komposition X. Sidste i hans livslange serie af 'Kompositioner'. Med det ønskede han at kulminere sin undersøgelse af formens renhed og udtryk gennem dette arbejde. Efter at have brugt sort farve med måde i sin praksis indtil dette punkt, er det blevet kritiseret, at dette arbejde fremkalder både kosmos og mørket af forudanelser, der nærmer sig slutningen af hans liv. 

Oprindeligt var skabelsen af Komposition X påvirket af surrealismens biomorfe former.

Men Wassily Kandinsky brugte senere kunsten til at bruge organiske former i sine malerier. Dette er en stil, han derefter brugte i hele sin maleriproduktion.

Stilen gav hans arbejde en særpræg. Det var let og næsten umuligt ikke at genkende de malerier, der blev skabt af Wassily Kandinsky, når de blev udstillet på udstillinger eller andre steder.

Derudover blev Komposition X skabt i Frankrig. Ved at se maleriet tæt på kan man se, at maleren brugte en sort baggrund. Den væsentligste grund til at bruge den sorte baggrund var, at farverne i forgrunden kunne ses klart.

Nr. 7 Konvergens - Jackson Pollock

Konvergens —et sort-hvidt maleri, hvor Pollock kastede primære farver— reflekterer krisen i Den Kolde Krig. Det er et af hans mesterværker, og det kunne også være det mest kendte maleri af en abstrakt ekspressionist. I 1964 producerede Springbok Editions et puslespil af maleriet, som blev promoveret som "verdens sværeste puslespil", og hundredevis af tusinder af amerikanere købte det.

I 1951 sagde Pollock: “Jeg synes, at den moderne maler ikke kan udtrykke sin tid, flyet, atombomben, radioen, i de gamle former fra renæssancen eller nogen anden tidligere kultur. Hver tidsalder finder sin egen teknik.” Pollock fandt sin teknik i husmaling og dryppende farver og brugte det til at udtrykke sin egen tid.

Med en størrelse på 237 x 394 centimeter er Konvergens en af de mest ambitiøse malerier af Pollock. Det er kendt for sin visuelle glans og for at fremkalde dybe følelser hos beskueren. Selvom Jacksons værker stadig er svære at tolke selv for kunsteksperter, betragtes hans malerier som manifestationer af ytringsfrihed. Konvergens, som er et fremtrædende eksempel i denne henseende, forbliver et af hans mest berømte mesterværker.

Nr. 8 Elegi til Den Spanske Republik - Robert Motherwell

Selvom Robert Motherwell kun var 21 år, da Den Spanske Borgerkrig brød ud, påvirkede hans rædsler ham meget i de følgende år. Dette førte ham til at skabe en serie på over 200 malerier som svar. Serien 'Elegien til Den Spanske Republik' fungerer som en mangfoldighed af mindesmærker for menneskeligt lidelse samt "abstrakte og poetiske symboler for livets og dødens ubarmhjertige cyklus".

Om Elegierne erklærede Motherwell: “Efter at have malet dem i et stykke tid opdagede jeg sort som et af mine temaer, og med sort kom den kontrasterende hvide, en følelse af liv og død, der for mig er ret spansk. De er i bund og grund den spanske dødssorte kontrasteret med blændingen fra en sollys som Matisse.”

Hans Elegier udgør en udvidet abstrakt meditation over liv og død. Gennem serien er de horisontale hvide lærreder rytmisk opdelt af to eller tre frit tegnede vertikale stænger og punkteret i forskellige intervaller med ovale former. Malerierne er ofte helt lavet af sort og hvid, sorgens og lysens farver, død og liv. Motherwell kommenterede på sammenfletningen af disse kræfter som en metafor for hans forståelse af oplevelsen ved at være i live.

Elegi til den spanske republik beskriver en majestætisk passage fra det organiske til det geometriske, fra det tilfældige til det bevidste. Som andre abstrakte ekspressionister blev Motherwell tiltrukket af det surrealistiske princip om automatismen — metoder der undslap kunstnerens bevidste intention — og hans penselstræk har en følelsesmæssig ladning, men inden for en generel struktur af visse stramhed. Faktisk så Motherwell de omhyggelige arrangementer af farve og form som hjertet i abstrakt kunst, som, sagde han, "afklæder andre ting for at intensivere det, dets rytmer, rumlige intervaller og farvestruktur".

Nr. 9 Sort Iris – Georgia O'Keeffe

Dette monumentale blomsterbillede er et af O'Keeffes tidlige værker. Ved at forstørre kronbladene langt ud over de naturlige størrelsesforhold, tvinger det beskueren til at observere de små detaljer, der ellers kunne blive overset. Da malerierne i denne gruppe blev udstillet første gang i 1924, blev selv Alfred Stieglitz, hendes mand og handler, overrasket over deres dristighed.

Den Sorte Iris af Georgia O'Keeffe er et eksempel på et af hendes mange værker med blomster-tema, især iris, en blomst rig på symbolik. Men i Black Iris III havde O'Keeffe ikke til formål at henvise til denne symbolik eller tilføje den, men snarere at opmuntre beskueren til at se og betragte blomsten og overveje de forskellige måder, folk ser på. Det bliver således en dyb meditation over kunsten at se, ikke kun på kunst men på livet. I denne artikel analyserer Singulart den symbolik, der projiceres i O'Keeffes maleri, samt hendes egne intentioner ved at skabe Black Iris III. 

Georgia O'Keeffe har i mange år været optaget af maleriet af iris, især den sorte iris, som var sværere at finde og kun var tilgængelig i et par uger hvert år i New York. Iris er et velkendt symbol i den vestlige verden: i den græske mytologi personificerer gudinden Iris regnbuen og forbindelsen mellem himmel og jord; i kristendommen symboliserer iris Kristus' lidelse og opstandelse samt Marias lidelse. For sin del gjorde kunsthistorikeren Linda Nochlin O'Keeffes iris til et feministisk symbol ved at beskrive dem som en “morfo-logisk metafor” af kvindelige genitalier, der afspejler “enhed mellem det feminine og den naturlige orden”. Nochlins beskrivelse af Black Iris III og de andre iris-billeder af O'Keeffe forankrede dem i kunsthistorien og i historien om feminisme og feministisk kunst.

Dog afviste O'Keeffe denne beskrivelse og hævdede: “Ingen ser virkelig en blomst, det er så lille. Vi har ikke tid, og det tager tid at se, ligesom det tager tid at have en ven. Hvis jeg kunne male blomsten præcist, som jeg ser den, ville ingen se, hvad jeg ser, fordi jeg ville male den lille, som blomsten er lille. Så jeg tænkte: jeg vil male, hvad jeg ser, hvad blomsten er for mig, men jeg vil male det stort, og de vil blive overrasket over at tage sig tid til at se det, så jeg vil få selv de travle New Yorkers til at tage sig tid til at se, hvad jeg ser i blomster. Jeg fik dig til at tage dig tid til at se, hvad jeg så, og når du tog dig tid til virkelig at lægge mærke til min blomst, lagde du alle dine egne associationer med blomster i min blomst og skrev om min blomst, som om jeg tænkte og så, hvad du tænker og ser i blomsten, og jeg ikke.

Nr. 10 Udveksling - William de Kooning

I 1955 færdiggjorde Willem de Kooning værket Udveksling. Han havde brugt meget tid på at revidere studier af figurer, som involverede kvinder, som han var startet i 1948. Disse var forbundet med hans soloudstilling i 1953, malerier om kvindetemaet, der blev indviet i New York City på det tidspunkt. Nogle titler på disse værker inkluderer Kvinde I, Kvinde III og Kvinde V samt To kvinder med stilleben.

I 1955 var de Kooning holdt op med at male menneskelige figurer og fortsatte med at bruge abstrakte repræsentationer af arkitekturen og bysamfundene i New York.

Willem de Kooning brugte hurtige gestus-mærker på lærredet. Billedet viser en kvinde siddende på en stol, men kvinderne vises kun som en masse af næb. Når det kommer til at navngive sine malerier, foretrak han altid en forbindelse til området, hvor han boede. Udveksling fik sit navn fra omgivelserne, midten af New York, stedet, hvor han boede på det tidspunkt.

Oprindeligt blev maleriet solgt af kunstneren i 1955 for $4.000.

Det blev derefter solgt af David Geffen Foundation til Kenneth C. Griffin for 300 millioner dollars i september 2015, hvilket satte det på anden plads på listen over de dyreste malerier, kun overgået af Salvator Mundi af Leonardo da Vinci, som blev solgt for 450,3 millioner dollars i november 2017.

KUADROS ©, et berømt maleri på din væg.