Descrição
Esta obra do mestre Caravaggio também é conhecida como A Peregrinação de Nosso Senhor a Emaús ou simplesmente A Ceia em Emaús. A pintura mostra o momento em que os dois apóstolos que o acompanham percebem que aquele que lhes falou o dia todo é o seu amado mestre.
Pintada no auge da fama do artista, esta é uma das pinturas religiosas mais impressionantes da história da arte. Nela, Caravaggio capta brilhantemente o clímax dramático do instante, o segundo exato em que os discípulos subitamente compreendem quem esteve diante deles desde o início. Seus gestos e reações naturais transmitem um assombro dramático: um está prestes a saltar da cadeira enquanto o outro estende os braços num gesto de incredulidade. A iluminação crua sublinha a intensidade de toda a cena.
Na obra, Caravaggio representa os discípulos como trabalhadores comuns, com rostos barbados, enrugados e roupas esfarrapadas, em contraste com o jovem Cristo sem barba, que parece vir de um mundo diferente.
Há alguns segredos escondidos em vários pontos. Na obra o artista ocultou um ovo de Páscoa, por exemplo. A sombra projetada pela cesta de frutas sobre a mesa também parece retratar um peixe, o que pode ser uma alusão ao grande milagre.
E há mais tesouros escondidos nesta obra-prima. Às vezes, um defeito não é defeito algum, mas um golpe de genialidade. Tomemos, por exemplo, o trançado da cesta de vime que se inclina na beira da mesa, no centro da pintura.
Embora incontáveis olhares tenham se maravilhado ante o drama misterioso que se desenrola no interior sombrio daquela estalagem, o significado de uma imperfeição quase imperceptível passou até agora despercebido através dos séculos.
Um galhinho solto, que sobressai do trançado, transforma a célebre tela de Caravaggio num ato ousado, um desafio espiritual para o observador.
Para apreciar todas as implicações desse pequeno detalhe, vale a pena recordar os contornos do ambiente geral que Caravaggio estava evocando em sua obra.
O tema da Ceia em Emaús inspirou grandes mestres da história, de Rembrandt a Velázquez. O momento-chave é narrado no Evangelho de Lucas, no Novo Testamento. Ali conta-se a história da refeição íntima de Cristo com os dois discípulos, Lucas e Cleofas, que ignoram a verdadeira identidade do acompanhante. Na pintura o pão já foi partido e abençoado, e chega o momento, segundo o relato do Evangelho, em que Cristo “abre” os olhos de seus seguidores e desaparece “da sua vista”.
A obra-prima capta um limiar místico entre as sombras e a luz, o segundo mágico antes que Cristo, envolto pela silhueta de um desconhecido atrás dele, desapareça do mundo. Nesse instante imensurável entre a revelação e o desaparecimento, Caravaggio tece sua narrativa, o encontro magistral entre dois mundos.
Quando a verdade se revela, Cleofas, irmão paterno de Cristo, levanta-se da cadeira tomado por pânico e assombro ante a revelação: seus cotovelos erguem-se dinamicamente através das mangas do seu casaco.
Do outro lado do fruteiro de vime, à direita, Lucas abre os braços em cruz, como reivindicando a inverossimilhança da cena, desenhando a mesma postura da cruz no momento de sua dolorosa morte. Entrementes, o estalajadeiro permanece impassível, observando sem compreender enquanto escuta as palavras que Cristo dirigiu aos seus atônitos discípulos, incapaz de captar o significado de um momento transcendental para a humanidade.
Caravaggio deve ter tido plena consciência ao coreografar essa cena extraordinária, equilibrando-a entre o reino perecível e outro que está além. Uma coisa é ilustrar um momento de revelação que outros artistas ousaram captar na arte. Outra é fazer com que os espectadores de sua obra participem realmente do espanto da epifania: transformar a tela no próprio palco onde um despertar espiritual é potencial e real.
Ali, nesse momento de assombro coletivo, o Filho amado de Deus, o Messias esperado, torna-se realidade e cumpre cabalmente as escrituras.
A escolha das frutas sobre a mesa também é deliberada, é claro; pois, combinadas com os demais elementos da mesa, elas têm um significado simbólico. A maçã, aqui apodrecendo, representa o símbolo da tentação e da queda do homem. A vinda de Cristo está simbolizada pelo raio de luz refletido através do recipiente de vidro sobre a toalha, que pode ser entendido como símbolo do nascimento virginal — a luz penetra o vidro sem rompê-lo — e o pão é facilmente reconhecível como símbolo do corpo de Cristo, sua encarnação.
Finalmente, o sacrifício de Cristo é simbolizado pelas uvas, que Bellori critica. As uvas são a fonte do vinho que, na Eucaristia Católica Romana, se torna o Sangue de Cristo. Em consequência, Caravaggio utilizou a cesta de frutas para enfatizar e reforçar o significado da história que pintou.
Caravaggio optou por representar nesta obra um momento dramático da história da humanidade, a saber, aquela fração de segundo em que dois apóstolos próximos percebem que estão testemunhando um milagre de poder inimaginável. O grande artista congela o momento de forma magistral. O artista transforma esse instante em algo permanente, ao mesmo tempo em que permite ao espectador demorar-se, considerar o milagre plasmado na tela e experimentar a sensação de comoção e assombro que os dois apóstolos sentiram.
Esta é, sem dúvida, uma verdadeira obra-prima do Renascimento e uma pintura religiosa favorita da equipe da KUADROS.
Aparecimento em Emaús ocupa a posição nº 82 na lista de pinturas famosas