설명
Edvard Munch가 1904 년에 만든 그림 "Trees on the Shore"는 상징주의가 정점에있는 예술적 시대의 본질을 캡슐화하는 작품입니다. 예술을 통한 인간의 정신과 감정을 탐구하는 것으로 유명한 Munch는이 작품에서 풍경을 나타내는 것은 간단하지만 외로움과 우울함의 깊은 감각을 불러 일으키는 시각적 언어를 사용합니다.
그림을 관찰 할 때, 구성은 언뜻보기에 자연 경관 인 것처럼 보입니다. 그 안에, 높은 나무 그룹은 물의 가장자리에 위치하며, 구름이 가득한 하늘에 실루엣을 뿌려서 임박한 기후를 암시합니다. Munch는 그를 자신의 정신과 우세한 감정 상태를 표현할 수있는 수단이되기 때문에 자연 환경의 사용은 우연이 아닙니다. 견고하고 거의 인체적 인 나무는 예술가의 성찰을 반영하여 인간의 존재를 제거하는 공간을 모니터링하는 경비대 인물이되었습니다.
"해안의 나무"에서 색의 처리는 놀랍습니다. Munch는 짙은 녹색과 파란색 톤으로 지배되는 감소 된 팔레트를 사용하여 우울하고 우울한 분위기를 제공합니다. 하늘의 색상의 전환은 깊은 파란색에서 거의 불투명 한 회색으로 이동하면 아마도 그의 창조에서 예술가를 괴롭히는 우울한 분위기 나 실존 적 고통을 상징 할 수 있습니다. 하늘, 물, 나무 사이의 이러한 상호 작용은 응집력의 감각뿐만 아니라 긴장의 감각을 생성합니다. 인간의 이중 특성에 대해 우리에게 말하는 조용한 대화, 동시에 강하고 취약합니다.
이 작품에서 우리는 가시적 인 캐릭터를 찾지 못하며, 이는 시청자에게 내성적 인 반사를 자극하려는 의도를 제안 할 수 있습니다. 인간 인물의 부재는 상징주의의 맥락에서 중요하며, Munch는 고독에서 반복되는 주제를 발견했습니다. 이런 식으로, 그림은 인간의 거울이되어 환경에 둘러싸여 있지만 외로움에 직면하고 삶의 의미를 찾는다.
표현주의의 선구자 인 Edvard Munch는 자신의 개인적인 삶과 경험의 요소를 사용하여 그의 작품에서 보편적 감정을 추출합니다. "해안의 나무"는 자연, 외로움 및 실존 적 고통의 유사한 주제를 다루는 더 넓은 몸의 일부로 볼 수 있습니다. "The Cry"및 "Madonna"와 같은 다른 작품에서도 볼 수있는 선입니다. Munch는 단순히 시각적으로 감정적 분야에 들어가는 풍경을 제시하여 시청자를 자연이 영혼을 반영하는 왕국으로 데려갑니다.
이 작품은 다른 사람들보다 덜 알려져 있지만 20 세기 초 예술에서 풍부한 다양한 상징에 기여합니다. 그 안에서, 뭉크는 풍경을 문서화 할뿐만 아니라 우리 자신의 감정의 가장자리를 여행하도록 초대합니다. 각 나무는 우리 각자가 직면 한 개인적인 순간과 투쟁의 은유가 될 수 있습니다. 따라서 "해안의 나무"는 Munch의 천재의 유산으로 남아 있으며, 예술은 불가능한 사람들을 전달하고 우리를 둘러싼 가장 깊고 독방적인 경험을 우리를 둘러싼 자연 세계와 연결할 수있는 힘을 가지고 있음을 상기시켜줍니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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