説明
ジョセフ・モロード・ウィリアム・ターナーによる「包まれた船」（1828年）の作品は、イギリスの絵画におけるロマン主義の最も魅力的な表現の1つとして建てられ、自然の素晴らしさだけでなく、その広大さにおける人間の介入の脆弱性も明らかにしています。ビクトリアアンドアルベルト博物館（V＆A）のコレクションにあるこのキャンバスは、海岸に船が取り残された劇的な瞬間を捉えています。人間の状態の不安定さ。
「包まれた船」の構成を観察するとき、ターナーは船のヨットが絵画の中央にあるほぼ演劇的なアプローチを使用していることは明らかです。これは壮大さの対象として提示されますが、その絶望的な状況を強調し、脆弱性のオブジェクトとしても提示されます。船とビーチの関係は、柔らかいアーチに広がる黄金の地形であり、海と地球の間の視覚的な対話を確立します。ターナーが船を位置付ける方法は、ほぼ垂直に差し迫った崩壊の感覚を示唆しています。これは、海岸で壊れる波で強化されるアイデアです。
色は、ターナーが印象的な方法でマスターするもう1つの重要な要素です。この作業では、パレットは暖かくてひどいトーンで構成されており、茶色とベージュが砂を支配し、微妙ではあるが効果的に水の青と緑とは対照的です。しかし、色の真の卓越性は天国から来ています。そこでは、曇りの灰色がアンバーと金のタッチで照らされ、差し迫った嵐の雰囲気を呼び起こします。この色の使用は、表される現実を豊かにするだけでなく、視聴者に感情的な反応を引き起こし、一時的な美しさと避けられない破滅を示唆しています。
キャラクターに関しては、キャンバスには明らかな人間の人物はありませんが、多数の小さなボートの存在と海岸での活動の提案は、舞台に生命と動きの感覚を加えます。ターナーは、自然を通して人間の経験を伝える彼の能力でしばしば知られていますが、この絵で達成されていることは、目に見える人物がいない場合でも物語を呼び起こします。その後、包まれた船は、自然の力に対する人間の闘争の比phorになります。そこでは、広大な海に対する孤独も個人の脆弱性を反映しています。
ターナーは光と色の使用の先駆者であり、「包まれた船」は、より抽象的なスタイルへの進化の優れた例であり、その表現にまだ固定されていますが、伝統的な慣習に挑戦し始めます。 「The Temple of Fame」（1831）や「Rain、Steam and Speed」（1844）などの現代またはその後の作品と比較して、この絵画は、自然の要素の探求と人間の生活への影響の発展を示しています。アーティストが光と時間の経過を翻訳する方法は、地球の明らかな安定性にもかかわらず、自然は常に動き続けており、人間をコントロールしようとする試みに挑戦していることを思い出します。
「包まれた船」は、風景の表現におけるターナーの習得のもう1つの反映ではありません。それは、自然とその力に関する懸念の証です。この作品は、本質的に、自然界の偉大さに直面した人間の重要性について深い疑問を提起し、この主要な力との私たち自身の関係を熟考するように誘います。したがって、ターナーは彼のブラシを通して、私たちを美的で哲学的な経験の両方に運びます。そこでは、色と光のあらゆる線が、生命の広大なキャンバスにおける私たち自身の存在の理解に近づきます。
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