Description
Cette œuvre du maître Caravage est également connue sous le nom de Le Pèlerinage de Notre-Seigneur à Emmaüs, ou simplement de La Cène à Emmaüs. Le tableau montre le moment où les deux apôtres qui l’accompagnent comprennent que celui qui leur a parlé toute la journée n’est autre que leur maître bien-aimé.
Peint à l’apogée de la renommée de l’artiste, ce tableau compte parmi les œuvres religieuses les plus impressionnantes de l’histoire de l’art. Dans cette peinture, Caravage saisit avec brio le sommet dramatique de la scène : la seconde exacte où les disciples comprennent soudain qui se tient devant eux depuis le début. Leurs gestes et leurs réactions spontanées expriment leur stupéfaction : l’un est sur le point de bondir de sa chaise, tandis que l’autre tend les bras dans un geste d’incrédulité. La lumière crue souligne l’intensité de toute la scène.
Dans cette œuvre, Caravage représente les disciples comme des travailleurs ordinaires, avec leurs visages barbus et ridés et leurs vêtements en lambeaux, en contraste avec le jeune Christ imberbe, qui semble venu d’un autre monde.
Quelques secrets se cachent en différents endroits. Dans l’œuvre, l’artiste a dissimulé un œuf de Pâques, par exemple. L’ombre projetée par la corbeille de fruits sur la table semble également représenter un poisson, ce qui pourrait être une allusion au grand miracle.
Et cette œuvre maîtresse recèle encore d’autres trésors. Parfois, un défaut n’en est pas un, mais relève plutôt du coup de génie. Prenons, par exemple, le tressage du panier en osier, qui vacille au bord de la table, au centre du tableau.
D’innombrables regards se sont émerveillés devant le drame mystérieux qui se joue dans la pénombre de cette auberge, mais la signification d’une imperfection presque imperceptible est restée inaperçue au fil des siècles.
Un brin détaché, qui dépasse du tressage, transforme le célèbre tableau de Caravage en un geste audacieux, un défi spirituel lancé à l’observateur.
Pour apprécier toutes les implications de ce petit détail, il convient de rappeler les contours de l’atmosphère générale que Caravage évoquait dans son œuvre.
Le thème du Souper à Emmaüs a inspiré de grands maîtres de l’histoire de l’art, de Rembrandt à Vélasquez. Le moment décisif est raconté dans l’Évangile selon Luc, dans le Nouveau Testament. On y relate le repas intime du Christ avec les deux disciples, Luc et Cléophas, qui ignorent la véritable identité de leur compagnon. Dans le tableau, le pain a déjà été rompu et béni ; selon le récit de l’Évangile, le moment est venu pour le Christ d’« ouvrir » les yeux de ses disciples et de disparaître « à leur vue ».
Ce chef-d’œuvre saisit un seuil mystique entre ombre et lumière, l’instant magique avant que le Christ, enveloppé par la silhouette d’un étranger derrière lui, ne disparaisse du monde. Dans cet instant incommensurable entre révélation et disparition, Caravage tisse sa trame : la rencontre magistrale de deux mondes.
Lorsque la vérité se révèle, Cléophas, l’oncle paternel du Christ, se lève de sa chaise, saisi de panique et d’émerveillement devant la révélation : ses coudes se dressent avec vigueur à travers les manches de son manteau.
De l’autre côté de la corbeille en osier remplie de fruits, à droite, Luc ouvre grand les bras, comme pour exprimer l’invraisemblance de la scène, reprenant la posture qu’il adoptera sur la croix au moment de sa mort douloureuse. Pendant ce temps, l’aubergiste reste impassible et observe sans comprendre, tout en écoutant les paroles du Christ adressées à ses disciples stupéfaits, incapable de saisir le sens d’un moment capital pour l’humanité.
Caravage devait en avoir conscience en orchestrant cette scène extraordinaire, en la faisant osciller entre le monde périssable et celui qui le dépasse. Illustrer un instant de révélation que d’autres artistes ont osé représenter dans leur art est une chose. Faire en sorte que les spectateurs de son œuvre participent réellement à l’émerveillement de l’épiphanie en est une autre : transformer la toile en scène même où un éveil spirituel devient possible et réel.
Là, dans cet instant d’émerveillement collectif, le fils bien-aimé de Dieu, le Messie tant attendu, est devenu réalité et accomplit pleinement toutes les Écritures.
Le choix des fruits posés sur la table est bien sûr lui aussi délibéré ; associés aux autres éléments de la table, ils revêtent une signification symbolique. La pomme, ici en train de pourrir, symbolise la tentation et la chute de l’homme. La venue du Christ est symbolisée par le rayon de lumière qui se reflète à travers le récipient en verre sur la nappe ; il peut être compris comme un symbole de la naissance virginale — la lumière traverse le verre sans le briser — et le pain est facilement reconnaissable comme un symbole du corps du Christ, de son incarnation.
Enfin, le sacrifice du Christ est symbolisé par les raisins que Bellori critique. Les raisins sont la source du vin qui, dans l’Eucharistie catholique romaine, devient le sang du Christ. Caravage a donc utilisé la corbeille de fruits pour souligner et étayer le sens de l’histoire qu’il a peinte.
Dans cette œuvre, Caravaggio a choisi de représenter un moment dramatique de l’histoire de l’humanité : cette fraction de seconde où deux apôtres proches se rendent compte qu’ils sont témoins d’un miracle d’une puissance inimaginable. Le grand artiste fige magistralement cet instant. Il le rend éternel, tout en laissant à l’observateur le temps de contempler le miracle représenté sur la toile et d’éprouver le choc et l’émerveillement ressentis par les deux apôtres.
C’est sans aucun doute un véritable chef-d’œuvre de la Renaissance et l’un des tableaux religieux préférés de l’équipe de KUADROS.
Le Souper à Emmaüs occupe la 82e place de la liste des peintures célèbres