Description
L’Autoportrait à la fourrure de 1500 d’Albrecht Dürer était-il un blasphème artistique, une œuvre influente ou peut-être une brillante affirmation de son talent artistique ? Peut-être était-ce les trois à la fois.
Lorsque les historiens de l’art ont découvert pour la première fois l’Autoportrait à la fourrure de 1500 d’Albrecht Dürer, ils y ont tous vu un pastiche d’une représentation du Christ datant du Moyen Âge tardif en Europe du Nord. Plus précisément, on peut voir Dürer regarder directement le spectateur depuis la toile, de face, représenté de la taille jusqu’à la tête et parfaitement centré. De plus, ses cheveux longs et légèrement bouclés sont d’un brun doré, une nuance différente de leur couleur naturelle.
Sa main droite est recourbée en un geste intriguant, tandis que sa main gauche tient son manteau de fourrure.
Tous ces éléments de composition renvoient intentionnellement à l’image du Christ Sauveur. Il ne fait aucun doute que Dürer a peint son autoportrait dans l’une des traditions stylistiques les plus reconnaissables, réservée exclusivement à la figure de Jésus-Christ. Cette tradition stylistique est connue sous le nom de Christ Pantocrator et est considérée comme l’un des styles artistiques les plus reconnaissables de l’iconographie chrétienne.
Cette méthode d’imagerie religieuse était très répandue au Moyen Âge et se retrouve dans de nombreuses fresques et mosaïques, ainsi que dans la plupart des représentations du Christ dans les traditions chrétiennes orthodoxes grecque et orientale.
À l’époque de Dürer, on croyait qu’il existait un témoignage écrit d’un témoin oculaire de la figure du Christ.
« C’est un homme de taille moyenne ; il a une apparence vénérable, et ceux qui le regardent peuvent le craindre et l’aimer. Ses cheveux sont de la couleur de la noisette mûre, raides jusqu’aux oreilles, mais ondulés et bouclés au-dessous, avec des reflets bleutés et brillants, flottant sur ses épaules. Ils sont séparés en deux sur le sommet de la tête, à la manière des Nazaréens. Son front est lisse et très serein, son visage sans rides ni tache, embelli par un teint légèrement rosé. Son nez et sa bouche sont parfaits. Sa barbe est abondante, de la couleur de ses cheveux, pas longue, mais séparée au menton. Son apparence est simple et mûre, ses yeux changeants et brillants. Il est terrible dans ses réprimandes, doux et bienveillant dans ses admonestations, joyeux sans perdre sa gravité. On ne l’a jamais vu rire, mais il pleurait souvent. Il se tient droit, et ses mains et ses bras sont beaux à voir. Sa conversation est grave, peu fréquente et modeste. Il est le plus beau parmi les fils des hommes. »
Dürer s’est représenté conformément à l’image décrite dans le récit, en modifiant, par exemple, la teinte de ses cheveux blonds pour leur donner « la couleur de la noisette mûre ».
Il est aujourd’hui universellement admis que la lettre de Lentulus était un faux ; la lettre a néanmoins été publiée et, pendant longtemps, considérée comme le témoignage direct d’un témoin oculaire. Il n’est donc pas étonnant que les artistes de l’époque aient utilisé cette description comme base de leurs propres représentations du Christ et qu’un certain type de regard se soit ensuite imposé dans les peintures du Christ, comme on peut le voir dans les œuvres de nombreux artistes, de Jan van Eyck à Léonard de Vinci.
Avec ce tableau, Dürer, alors âgé de 28 ans, créa l’une des œuvres les plus singulières de l’histoire du portrait. La frontalité et la forte idéalisation rappellent les représentations du Christ, mais ces deux aspects sont indissociables des premières études de Dürer sur les proportions humaines. Son regard et sa main, qui représentent l’outil de l’artiste, sont mis en évidence, faisant de cette peinture une œuvre programmatique et inventive. L’inscription en latin qui souligne le travail du peintre renforce cette impression : « Ainsi, moi, Albrecht Dürer de Nuremberg, je me suis représenté avec des couleurs caractéristiques à l’âge de 28 ans. »