Description
La peinture présente une vision chorale et fantastique de « La Toussaint II », où de nombreuses figures humaines se regroupent, se superposent et participent à une assemblée en mouvement constant. Dans la partie supérieure, une figure horizontale et une autre de grande taille, vêtue de rose, de violet et de bleu, composent une bande d’activité intense. Au centre, une figure bleue lève le bras, entourée d’un contour circulaire, tandis que d’autres figures vertes, jaunes et violettes s’entrelacent dans des postures ouvertes. Sur les côtés apparaissent une figure debout, des corps allongés, des formes évoquant des animaux et une canne jaune qui souligne le bord droit.
La Toussaint est une célébration chrétienne consacrée à l’ensemble des saints, y compris ceux dont l’identité n’est pas connue individuellement. Cette dimension collective est essentielle ici : l’œuvre ne concentre pas l’attention sur une seule figure sacrée, mais sur une communauté plurielle, dynamique et difficile à dissocier en personnages isolés. La variété des postures — bras levés, corps étendus, figures debout et groupes entrelacés — transforme la scène en un rassemblement spirituel plein d’énergie. La petite forme jaune évoquant une croix et les cercles qui entourent plusieurs têtes relient le répertoire visuel à la tradition chrétienne sans faire de la composition un récit littéral.
Les arcs et les auréoles colorés agissent comme les signes d’une sainteté partagée : ils ne circonscrivent pas seulement des têtes, mais traversent les corps et relient les figures entre elles. La spiritualité apparaît ainsi comme un réseau plutôt que comme une qualité réservée à un seul individu. Des formes zoomorphes s’introduisent parmi la foule, notamment une figure blanche et rouge évoquant un oiseau, ainsi qu’une créature sombre, recourbée et serpentine. Ces éléments ouvrent la scène sur un imaginaire fantastique où coexistent l’humain, l’animal et le symbolique. La concentration de gestes ascendants et de formes circulaires renforce l’impression de proclamation, de passage et de célébration collective.
La composition verticale et compacte oblige le regard à parcourir la surface par bonds. Le grand arc bleu foncé au centre sert d’axe visuel, tandis que les contours noirs séparent et réunissent à nouveau les anatomies fragmentées. Les couleurs — bleu, vert, jaune, rouge, rose, violet et blanc — ne sont pas subordonnées à un éclairage naturaliste ; elles créent des foyers simultanés qui maintiennent toute la surface en activité. Les diagonales des corps, la baguette jaune et les courbes qui entourent les figures instaurent un rythme presque musical. La profondeur naît de la superposition et du contraste chromatique, et non d’un espace stable : chaque plan semble avancer et reculer sous le regard.
L’œuvre s’inscrit dans l’intérêt largement reconnu de Wassily Kandinsky pour l’autonomie expressive de la couleur, la simplification de la figure et la relation spirituelle entre les formes, les lignes et la composition. Sans renoncer complètement au répertoire reconnaissable des corps, des animaux et des objets, il transforme la scène en une apparition vibrante, où la foule semble composée autant de personnes que d’impulsions chromatiques. Il convient d’observer comment les halos, les bras levés et les créatures fantastiques s’intègrent au même flux de courbes et de taches. Le thème de la Toussaint acquiert ainsi une dimension visuelle précise : la communauté sacrée ne demeure pas immobile, mais se manifeste comme un mouvement partagé.
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