Description
Cette œuvre du maître Caravaggio est également connue sous le titre Le Pèlerinage du Seigneur à Emmaüs ou plus simplement Le Souper d'Emmaüs. La peinture montre le moment où les deux apôtres qui l’accompagnent réalisent que celui qui leur a parlé toute la journée est leur bien-aimé maître.
Peint à l’apogée de la renommée de l’artiste, il s’agit de l’un des tableaux religieux les plus impressionnants de l’histoire de l’art. Dans cette peinture, Caravaggio saisit brillamment le point culminant dramatique du moment, l’instant précis où les disciples comprennent soudain qui se tient devant eux depuis le début. Leurs gestes et leur réaction naturelle traduisent leur étonnement dramatique : l’un est sur le point de bondir de sa chaise tandis que l’autre étend les bras dans un geste d’incrédulité. L’éclairage cru souligne l’intensité de toute la scène.
Dans l’œuvre, Caravaggio représente les disciples comme des travailleurs ordinaires, le visage barbu, ridé et vêtus de haillons, en contraste avec le jeune Christ imberbe, qui semble venu d’un autre monde.
On trouve quelques secrets dissimulés à divers endroits. Par exemple, l’artiste a caché un œuf de Pâques dans la composition. L’ombre projetée par le panier de fruits sur la table semble aussi dessiner un poisson, ce qui pourrait être une allusion au grand miracle.
Et il y a encore d’autres trésors cachés dans ce chef-d’œuvre. Parfois, ce qui paraît être un défaut n’en est pas du tout, mais un coup de génie. Prenons, par exemple, le tressage du panier en osier qui bascule sur le bord de la table au centre de la peinture.
Bien que d’innombrables regards se soient émerveillés devant le drame mystérieux qui se joue dans l’ombre de cette auberge, la signification d’une imperfection à peine perceptible est restée jusqu’à présent inaperçue à travers les siècles.
Un brin lâche, qui dépasse du tressage, transforme la célèbre toile de Caravaggio en un acte audacieux, un défi spirituel pour le spectateur.
Pour apprécier toutes les implications de ce petit détail, il vaut la peine de se rappeler les contours de l’environnement général que Caravaggio évoquait dans son œuvre.
Le thème du Souper d’Emmaüs a inspiré de grands maîtres de l’histoire, de Rembrandt à Velázquez. Le moment clé est raconté dans l’Évangile selon Luc du Nouveau Testament. On y relate le repas intime du Christ avec les deux disciples, Luc et Cléopas, qui ignorent l’identité réelle de leur compagnon. Dans la peinture, le pain a déjà été rompu et béni, et le moment est venu, selon le récit évangélique, pour que le Christ « ouvre » les yeux de ses disciples et disparaisse « de leur vue ».
Le chef-d’œuvre saisit un seuil mystique entre l’ombre et la lumière, l’instant magique avant que le Christ, entouré par la silhouette d’un inconnu derrière lui, ne disparaisse du monde. Dans cet instant incommensurable entre la révélation et la disparition, Caravaggio tisse sa trame, le magistral affrontement entre deux mondes.
Lorsque la vérité est révélée, Cléopas, l’oncle paternel du Christ, se lève de sa chaise, pris de panique et d’étonnement devant la révélation : ses coudes jaillissent dynamiquement à travers les manches de son manteau.
De l’autre côté du panier en osier, à droite, Luc ouvre grand les bras, comme pour protester de l’incroyable de la scène, dessinant la même posture que sur la croix au moment de sa douloureuse mort. Entre-temps, l’aubergiste reste imperturbable, observant sans comprendre tandis qu’il entend les paroles que le Christ a adressées à ses disciples stupéfaits, incapable de saisir la portée d’un moment transcendant pour l’humanité.
Caravaggio a dû être très conscient en chorégraphiant cette scène extraordinaire, l’équilibrant entre le domaine périssable et un autre qui le dépasse. Une chose est d’illustrer un moment de révélation que d’autres artistes ont tenté de capturer dans l’art. Une autre est de faire participer véritablement les observateurs à l’émerveillement de l’épiphanie : transformer la toile en la scène même où un réveil spirituel est à la fois potentiel et réel.
Là, en cet instant d’étonnement collectif, le Fils bien-aimé de Dieu, le Messie attendu, s’est accompli et remplit pleinement les Écritures.
Le choix des fruits sur la table est également délibéré bien sûr ; combinés aux autres éléments de la table, ils revêtent une signification symbolique. La pomme, ici en train de pourrir, représente le symbole de la tentation et de la chute de l’homme. La venue du Christ est symbolisée par le rayon de lumière qui se reflète à travers le récipient en verre posé sur la nappe, qui peut être compris comme un symbole de la naissance virginale — la lumière traverse le verre sans le briser — et le pain est aisément reconnaissable comme symbole du corps du Christ, son incarnation.
Enfin, le sacrifice du Christ est symbolisé par les raisins que Bellori critique. Les raisins sont la source du vin qui devient, dans l’Eucharistie catholique romaine, le Sang du Christ. En conséquence, Caravaggio a utilisé le panier de fruits pour souligner et étayer le sens de l’histoire qu’il a peinte.
Caravaggio a choisi de représenter dans cette œuvre un moment dramatique de l’histoire de l’humanité, à savoir cette fraction de seconde où deux apôtres proches prennent conscience d’être témoins d’un miracle d’un pouvoir inimaginable. Le grand artiste fige magistralement l’instant. L’artiste transforme ce moment en quelque chose de permanent, tout en permettant au spectateur de prendre son temps, de considérer le miracle capturé sur la toile et d’éprouver ce sentiment de sidération et d’émerveillement que ressentirent les deux apôtres.
C’est sans doute une véritable œuvre maîtresse de la Renaissance et un tableau religieux apprécié de l’équipe de KUADROS.
Les Disciples d'Emmaüs occupe la 82e place de la liste des peintures célèbres