Los 11 principales movimientos artísticos de la historia del arte - KUADROS

Los fundamentos de la historia del arte se remontan a decenas de miles de años a cuando las civilizaciones antiguas usaban las técnicas y los medios disponibles para representar un tema culturalmente significativo. Desde estos primeros ejemplos, han seguido una gran cantidad de movimientos artísticos, cada uno con sus propios estilos y características distintas que reflejan las influencias políticas y sociales del período del que surgieron.

¿Qué significa fauvismo y de qué se trata el arte conceptual? Hablar de arte parece una disciplina en sí mismo y si eres nuevo en el mundo del arte, probablemente tengas muchas preguntas, especialmente sobre cada movimiento en el arte y los diferentes tipos de arte.

Los géneros de arte influyentes, desde el Renacimiento hasta el surgimiento del Modernismo, sin duda han dejado su huella en la historia.

Al tener los conceptos claros sobre historia y la importancia de los movimientos artísticos de la misma, tendremos una comprensión más clara de cómo artistas famosos como Van Gogh, Picasso y Warhol revolucionaron el mundo del arte.
Kuadros ha hecho para ti una lista de los movimientos más importantes.

No.1 Renacimiento Italiano  (1400–1550)

Algunos exponentes: Puertas de Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.

Hacia finales del siglo XIV d. C., un puñado de pensadores italianos declararon que vivían en una nueva era. La bárbara, no iluminada "Edad Media" había terminado; la nueva era sería una "rinascità" ("renacimiento") de aprendizaje y literatura, arte y cultura. Este fue el nacimiento del período ahora conocido como el Renacimiento. Durante siglos, los estudiosos han acordado que el Renacimiento italiano (otra palabra para "renacimiento") sucedió exactamente de esa manera: que entre el siglo XIV y el siglo XVII, una forma nueva y moderna de pensar sobre el mundo y el lugar del hombre en él reemplazó a las viejas ideas. De hecho, muchos de los logros científicos, artísticos y culturales del llamado Renacimiento comparten temas comunes, sobre todo la creencia humanista de que el hombre era el centro de su propio universo.

El renacimiento italiano en contexto Italia del siglo XV era diferente a cualquier otro lugar en Europa. Estaba dividido en ciudades-estado independientes, cada una con una forma diferente de gobierno. Florencia, donde comenzó el Renacimiento italiano, era una república independiente. También fue una capital bancaria y comercial y, después de Londres y Constantinopla, la tercera ciudad más grande de Europa. Los florentinos ricos hicieron alarde de su dinero y poder al convertirse en mecenas o simpatizantes de artistas e intelectuales. De esta manera, la ciudad se convirtió en el centro cultural de Europa y del Renacimiento.
Se puede decir que el renacimiento se dividió en dos partes:

Durante el Renacimiento temprano, los artistas comenzaron a rechazar el estilo bizantino de la pintura religiosa y se esforzaron por crear realismo en su representación de la forma y el espacio humanos. Este objetivo hacia el realismo comenzó con Cimabue y Giotto, y alcanzó su apogeo en el arte de los artistas "perfectos", como Andrea Mantegna y Paolo Uccello. Si bien la religión fue un elemento importante en la vida cotidiana de las personas que vivieron durante el Renacimiento, también vemos una nueva vía abierta al jadeo: el tema mitológico. Muchos estudiosos señalan El Nacimiento De Venus de Botticelli como la primera pintura en panel de una escena mitológica.

El período conocido como el Alto Renacimiento representa la culminación de los objetivos del Renacimiento temprano. Los artistas más conocidos de esta fase son Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano y Miguel Ángel. Sus pinturas y frescos se encuentran entre las obras de arte más conocidas del mundo. La Última Cena de Da Vinci, La Escuela De Atenas de Rafael y las pinturas del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel son las obras maestras de este período y encarnan los elementos del Alto Renacimiento.

Compre una reproducción de La Mona Lisa en la tienda en linea de Kuadros

 

No.2 Barocco (1600–1750)

Algunos exponentes: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versalles.

El término barroco probablemente deriva en última instancia de la palabra italiana barocco, que los filósofos usaron durante la Edad Media para describir un obstáculo en la lógica esquemática. Posteriormente, la palabra llegó a denotar cualquier idea retorcida o proceso de pensamiento involucrado. Otra fuente posible es la palabra portuguesa barroco (español barrueco), que se usa para describir una perla de forma irregular o imperfecta, y este uso aún sobrevive en el término perla barroca del joyero. El barroco es un movimiento en el arte y la arquitectura desarrollado en Europa desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Enfatiza el movimiento dramático y exagerado y el detalle claro y fácil de interpretar, que está muy lejos del surrealismo, para producir drama, tensión, exuberancia y grandeza.

Las primeras manifestaciones, que ocurrieron en Italia, datan de las últimas décadas del siglo XVI, mientras que en algunas regiones, especialmente en Alemania y América del Sur colonial, ciertos logros culminantes del barroco no ocurrieron hasta el siglo XVIII.

Los artistas siguieron reviviendo los ideales de belleza del Renacimiento, infundiendo en las obras de arte, la música y la arquitectura de la época un guiño revivido al clasicismo mejorado aún más por una nueva extravagancia exuberante y inclinación por lo ornamentado. Este estilo altamente adornado fue acuñado como barroco y se caracterizó por sus técnicas y detalles innovadores, ofreciendo un lenguaje visual nuevo y exuberante en lo que había sido un período relativamente atenuado para el arte. El barroco se difundió por toda Europa, dirigido principalmente por el Papa en Roma y los gobernantes católicos en Italia, Francia, España y Flandes. Se difundió aún más por poderosas órdenes religiosas a través de su extensa red de monasterios y conventos. El estilo se extendió rápidamente a Francia, el norte de Italia, España y Portugal, luego a Austria y el sur de Alemania.

El estilo barroco que se desarrolló a partir de este programa fue, paradójicamente, sensual y espiritual; Mientras que un tratamiento naturalista hizo que la imagen religiosa fuera más accesible para el feligrés promedio, se utilizaron efectos dramáticos e ilusorios para estimular la piedad y la devoción y transmitir una impresión del esplendor de lo divino. Los techos de las iglesias barrocas se disolvieron en escenas pintadas que presentaban visiones vívidas del infinito al observador y dirigían los sentidos hacia las preocupaciones celestiales.

Si bien el tema e incluso el estilo pueden variar entre las pinturas barrocas, la mayoría de las piezas de este período tienen una cosa en común: el drama. En el trabajo de pintores conocidos como Caravaggio y Rembrandt, el interés por el drama se materializa como intensos contrastes entre la luz radiante y las sombras inminentes.

Ese gran maestro de la región católica, en gran parte gobernada por los españoles, fue el pintor Peter Paul Rubens, cuyas tempestuosas composiciones diagonales y amplias figuras de sangre completa son el epítome de la pintura barroca. Los elegantes retratos de Anthony van Dyck y las robustas obras figurativas de Jacob Jordaens emularon el ejemplo de Rubens. El arte en los Países Bajos estaba condicionado por los gustos realistas de sus patrones dominantes de clase media, y por lo tanto, tanto el género innumerable como los pintores paisajistas de ese país y los maestros imponentes como Rembrandt y Frans Hals se mantuvieron independientes del estilo barroco en importantes aspectos. Sin embargo, el barroco tuvo un impacto notable en Inglaterra, particularmente en las iglesias y palacios diseñados, respectivamente, por Sir Christopher Wren y Sir John Vanbrugh.

Al igual que las estatuas del Renacimiento, incluido el icónico David de Miguel Ángel, las esculturas barrocas a menudo estaban destinadas a adornar edificios majestuosos. También fueron comisionados para otros escenarios grandiosos, como interiores de iglesias doradas y jardines reales.

La última floración del barroco fue en gran parte católica romana en el sur de Alemania y Austria, donde los arquitectos nativos se separaron de los modelos de construcción italianos en la década de 1720.

Compre una reproducción de Las Meninas en la tienda en linea de Kuadros

 

No.3 Realismo (1848–1900)

Algunos exponentes: Corot, Courbet, Daumier, Millet.

Realismo, en las artes, la representación precisa, detallada y sin adornos de la naturaleza o de la vida contemporánea. El realismo rechaza la idealización imaginativa en favor de una observación cercana de las apariencias externas. Como tal, el realismo en su sentido amplio ha abarcado muchas corrientes artísticas en diferentes civilizaciones. En las artes visuales, por ejemplo, el realismo se puede encontrar en las antiguas esculturas griegas helenísticas que retratan con precisión los boxeadores y las viejas decrépitas. Las obras de pintores del siglo XVII como Caravaggio, los pintores del género holandés, los pintores españoles José de Ribera, Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán, y los hermanos Le Nain en Francia son de enfoque realista. Las obras de los novelistas ingleses del siglo XVIII Daniel Defoe, Henry Fielding y Tobias Smollett también pueden llamarse realistas.

El realismo surgió en Francia en la década de 1850. Inmediatamente después de la Revolución de 1848, un evento que estableció el "derecho al trabajo" en el país, el movimiento introdujo la idea de la gente promedio, de clase trabajadora, escenarios contemporáneos y escenas cotidianas como temas artísticos dignos.
El realismo se extendió por toda Europa, desde la Rusia de Alejandro II hasta la Gran Bretaña de la reina Victoria, desde la Alemania de Guillermo I hasta la Italia del Risorgimento, y desde el imperio de los Habsburgo hasta Escandinavia y países más allá de Europa. El año 1855 fue significativo en el establecimiento del realismo en Europa.

Gustave Courbet es a menudo considerado la figura principal del realismo. Él sentó las bases para el movimiento en la década de 1840, cuando comenzó a retratar a los campesinos y trabajadores. El hecho de que Courbet no los glorificara, sino que los presentara audazmente y con severidad, creó una reacción violenta en el mundo del arte.

El estilo y el tema del trabajo de Courbet se construyeron en un terreno ya roto por los pintores de la Escuela Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet y otros a principios de la década de 1830 se establecieron en el pueblo francés de Barbizon con el objetivo de reproducir fielmente el carácter local del paisaje.

El realismo pictórico fuera de Francia fue quizás mejor representado en el siglo XIX en los Estados Unidos. Allí, las poderosas y expresivas pinturas de Winslow Homer sobre temas marinos y los retratos, escenas de navegación y otras obras de Thomas Eakins son registros francos, poco sentimentales y muy observados de la vida contemporánea. El realismo era una corriente distinta en el arte del siglo XX y generalmente se derivaba del deseo de los artistas de presentar puntos de vista más sinceros, sinceros y sin idealizar sobre la vida cotidiana o de sus intentos de utilizar el arte como vehículo para la crítica social y política.

Las escenas ásperas, esbozadas, casi periodísticas de la vida urbana con costura del grupo de pintores estadounidenses conocidos como The Eight (Los 8) caen en la primera categoría. El movimiento artístico alemán conocido como Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), por otro lado, trabajó en un estilo realista para expresar el cinismo y la desilusión del período posterior a la Primera Guerra Mundial en Alemania. El realismo socialista, patrocinado oficialmente en la Unión Soviética, usaba técnicas de idealización naturalista para crear retratos de trabajadores e ingenieros intrépidos que eran sorprendentemente parecidos tanto en su positivismo heroico como en su falta de credibilidad real.

Además, el realismo inspiró directamente importantes movimientos de arte contemporáneo, como el fotorrealismo y el hiperrealismo. Sobre la base del enfoque notablemente moderno del realismo, estos géneros demuestran el legado perdurable y evolutivo del movimiento innovador.

Compre una reproducción de Las Espigadoras en la tienda en linea de Kuadros

 

No.4 Impresionismo (1865–1885)

Algunos exponentes: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.

El impresionismo francés, es un movimiento importante, primero en pintura y luego en música, que se desarrolló principalmente en Francia a finales del siglo XIX y principios del XX. La característica más notable del impresionismo en la pintura fue un intento de registrar de manera precisa y objetiva la realidad visual en términos de efectos transitorios de luz y color, los artistas impresionistas mostraron una nueva forma de observar y representar el mundo en su trabajo, renunciando a representaciones realistas de impresiones fugaces de su entorno, que, a menudo, se encontraban afuera. En música, era transmitir una idea o un efecto a través de un lavado de sonido en lugar de una estructura formal estricta.

A fines de la década de 1860, el arte de Manet reflejaba una nueva estética, que debía ser una fuerza guía en el trabajo impresionista, en la que la importancia del tema tradicional se rebajó y la atención se desplazó a la manipulación del color, el tono y la textura del artista. termina en sí mismos.

En 1874, un grupo de artistas llamado Sociedad Anónima de Pintores, Escultores, Grabadores, etc. organizó una exposición en París que lanzó el movimiento llamado Impresionismo. Sus miembros fundadores incluyeron a Claude Monet, Edgar Degas y Camille Pissarro, entre otros. El grupo realizó su primer espectáculo, independiente del Salón oficial de la Academia Francesa, que había rechazado constantemente la mayoría de sus obras. La pintura de Monet Impresión Del Sol Naciente (1872) les valió el nombre inicialmente burlón "Impresionistas" del periodista Louis Leroy que escribió en la revista satírica Le Charivari en 1874. Los artistas pronto adoptaron el nombre como descriptivo de su intención de transmitir con precisión las "impresiones visuales". Mientras que los críticos conservadores criticaron su trabajo por su aspecto incompleto y boceto, los escritores más progresistas lo elogiaron por su descripción de la vida moderna. Edmond Duranty, por ejemplo, en su ensayo de 1876 La Nouvelle Peinture (La nuena pintura), escribió sobre su representación del tema contemporáneo en un estilo adecuadamente innovador como una revolución en la pintura.

Desde su concepción, el impresionismo ha sido definido por un conjunto de características. Estos incluyen: pinceladas pictóricas, colores distintivos, representaciones de temas comunes, un enfoque en la luz y composiciones inspiradas en la fotografía.

A mediados de la década de 1880, el grupo impresionista había comenzado a disolverse a medida que cada pintor perseguía cada vez más sus propios intereses y principios estéticos. Sin embargo, en su corta existencia, logró una revolución en la historia del arte, proporcionando un punto de partida técnico para los artistas postimpresionistas Cézanne, Degas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Georges Seurat y liberando toda la pintura occidental posterior de las técnicas tradicionales. y enfoques al tema.

Herencia y presencia del impresionismo hoy

Naturalmente, como punto de partida del modernismo, el impresionismo influyó en muchos movimientos posteriores. Los posimpresionistas adoptaron su pincelada pictórica; Los expresionistas abstractos encontraron inspiración en el enfoque no convencional de la forma de Monet; y muchos artistas contemporáneos incluso continúan trabajando en un estilo neoimpresionista.

Compre una reproducción de Mujer Con Sombrilla en la tienda en linea de Kuadros

 

No.5 Postimpresionismo (1885–1910)

Algunos exponentes: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat

Postimpresionismo es un término utilizado para describir la reacción en la década de 1880 contra el impresionismo. Fue dirigido por Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Georges Seurat. Los postimpresionistas rechazaron la preocupación del impresionismo por la representación espontánea y naturalista de la luz y el color.

Todos estos pintores, excepto Van Gogh, eran franceses, y la mayoría de ellos comenzaron como impresionistas; cada uno de ellos abandonó el estilo, para formar su propio arte altamente personal.

Al igual que los impresionistas, destacaron la artificialidad de la imagen. Los postimpresionistas también creían que el color podía ser independiente de la forma y la composición como portador emocional y estético de significado. Tanto el impresionismo como el postimpresionismo incluyen algunas de las obras de arte moderno más famosas, como los nenúfares de Monet, una serie de paisajes acuáticos y La Noche Estrellada de Van Gogh.

Los postimpresionistas compartieron su trabajo con el público a través de exposiciones independientes en todo París. En 1910, el destacado crítico de arte, historiador y curador Roger Fry acuñó el término "postimpresionismo" con su espectáculo, Manet y los postimpresionistas. Al igual que los propios postimpresionistas, Fry creía que la belleza del arte está inherentemente arraigada en la percepción. "El arte es una expresión y un estímulo para la vida imaginativa en lugar de una copia de la vida real", explica Fry en An Essay in Aesthetics.

Como explicó Fry, los postimpresionistas creían que una obra de arte no debía girar en torno al estilo, el proceso o el enfoque estético. En cambio, debe poner énfasis en el simbolismo, comunicando mensajes desde el subconsciente del artista.

Los postimpresionistas a menudo exhibían juntos, pero, a diferencia de los impresionistas, que comenzaron como un grupo muy unido y cordial, pintaban principalmente solos. Cézanne pintó aisladamente en Aix-en-Provence en el sur de Francia; Su soledad fue igualada por la de Paul Gauguin, quien en 1891 se instaló en Tahití, y por Van Gogh, quien pintó en el campo en Arles. Tanto Gauguin como van Gogh rechazaron la objetividad indiferente del impresionismo en favor de una expresión espiritual más personal.

"¡Color! Qué lenguaje tan profundo y misterioso, el lenguaje de los sueños. -Paul Gauguin

A diferencia de los impresionistas que se esforzaron por capturar el efecto de la luz natural sobre la tonalidad, los postimpresionistas emplearon a propósito una paleta de colores artificial como una forma de retratar sus percepciones del mundo que los rodeaba. Los tonos saturados, las sombras multicolores y las ricas gamas de color son evidentes en la mayoría de las pinturas posimpresionistas, lo que demuestra el enfoque innovador e imaginativo de los artistas para la representación.

En general, el postimpresionismo se alejó de un enfoque naturalista y se dirigió hacia los dos movimientos principales del arte de principios del siglo XX que lo reemplazaron: el cubismo y el fauvismo, que buscaban evocar emociones a través del color y la línea.

Compre una reproducción de La Noche Estrellada en la tienda en linea de Kuadros

 

No.6 Fauvismo y Expresionismo (1900–1935)

Pintura colocada en gruesos, colores que salen de la página y tonos antinaturales: el fauvismo y el expresionismo son dos de los movimientos que dieron vida a estas características. Entonces, ¿cuál es la diferencia entre ellos, si se pueden describir de la misma manera? Primero, explicaremos el fauvismo y el expresionismo por su cuenta.

Fauvismo

Algunos exponentes: Matisse, Derain, Signac

El fauvismo se apoderó de la escena artística de 1905 a 1910, más o menos, y se caracteriza por un color intenso y pinceladas audaces. En algunos casos, los artistas de este período aplicaron pintura directamente de la botella. Los colores no tenían que ser fieles a la naturaleza, necesariamente. Podrían cambiarse para mostrar emoción. Eligieron temas simples y debido a esto, las pinturas parecían casi abstractas. El crítico de arte Louis Vauxcelles acuñó el término después de que describió el trabajo de Henri Matisse y Andre Derain como "les fauves" o las bestias durante una exposición de 1905 en el Salon d’Automne en París. El trabajo en la exposición de Matisse y Derain estaba lleno de opciones de color no naturalistas y manchas salvajes de pintura en el lienzo. Sería el comienzo del fauvismo.

Los artistas del fauvismo estaban profundamente interesados en la teoría científica del color del siglo XIX. Específicamente, con el uso de colores complementarios, los fauvistas entendieron cómo hacer que los colores parezcan más brillantes y audaces al incorporar estas teorías.

La pintura de Henri Matisse "Mujer con sombrero". Fue criticada por los colores antinaturales en el rostro de la mujer. Paul Signac (1863-1935) es famoso por su puntillismo. También fue mentor de Henri Matisse. El puntillismo es una técnica donde se colocan pequeños puntos de colores primarios juntos. Cuando te alejas, se combina en una sola imagen. Esto se puede comparar con los píxeles en una pantalla de computadora. Cada píxel individual es un color distinto, pero cuando se ve a una ligera distancia, crean una imagen. El estilo del puntillismo mostró lo que los artistas podían hacer con los colores primarios, y cómo podían usar las ilusiones ópticas en su trabajo.

Además de Matisse y Derain, otros artistas fauvistas importantes incluyen Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault y Maurice de Vlaminck.

Expresionismo

Algunos exponentes: Munch, Carr, Kandinsky, Klee

El expresionismo es un término general para cualquier obra de arte que distorsione la realidad para que coincida con los sentimientos internos, puntos de vista o ideas del artista. En resumen, es un arte que expresa realidades internas en el mundo exterior. Esta es una definición bastante generalizada, pero hay algunas características distintivas del expresionismo. En particular, los colores utilizados en el expresionismo serán intensos y a menudo no naturalistas, lo que significa que la piel de alguien podría estar pintada de azul en lugar de bronceado o marrón. La pintura también se usa a menudo en grandes cantidades en el estilo expresionista, lo que crea mucha textura en el lienzo.

El expresionismo vino "desde adentro", siendo un reflejo de los sentimientos del artista más que una representación de una escena. Dos artistas expresionistas influyentes fueron Emily Carr y Edvard Munch.

En cuanto al tema, el arte expresionista tiende a ser emocional y, a veces, incluso mítico, suponiendo que el expresionismo es una extensión del romanticismo. Dado que el expresionismo es un término tan amplio, es fácil comenzar a atribuirlo al arte de cualquier época. Entonces, en su mayor parte, el expresionismo se aplica generalmente al arte del siglo XX. Se dice que comenzó con el trabajo de Vincent van Gogh y se extiende al arte moderno tal como lo conocemos hoy.

Los principales contribuyentes al movimiento expresionista son artistas como Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch y otros.

Compre una reproducción de El Grito en la tienda en linea de Kuadros

Fauvismo

El fauvismo puede verse como un subconjunto del expresionismo. El expresionismo puede incluir una gama tan amplia de arte y movimientos que es casi imposible separarlos por ser realmente diferentes. Utilizan las mismas técnicas y se clasifican por las mismas características y la única diferencia real es la naturaleza específica del fauvismo en contraste con la naturaleza general del expresionismo.

Algo que puede considerarse fauvista también podría ser parte del campo del expresionismo. Pero, algo que se considera expresionista no es necesariamente en el estilo fauvista. El fauvismo es un poco más salvaje, pero con un tema más simplista.

Entonces, fauvismo versus expresionismo no es una cosa. No están compitiendo entre sí porque uno es simplemente una versión del otro. 

 

No.7 Cubism (1905–1920)

Algunos exponentes: Pablo Picasso, Georges Braque

Cubismo, estilo de artes visuales muy influyente del siglo XX que fue creado principalmente por los artistas Pablo Picasso y Georges Braque en París entre 1907 y 1914. El estilo cubista enfatizó la superficie plana y bidimensional del plano de la imagen, rechazando las técnicas tradicionales. de perspectiva, escorzo, modelado y claroscuro y refutando las antiguas teorías de que el arte debe imitar a la naturaleza. Los cubistas creían que las tradiciones del arte occidental se habían agotado y para revitalizar su trabajo, recurrieron a la energía expresiva del arte de otras culturas, particularmente el arte africano.

El cubismo deriva su nombre de los comentarios que hizo el crítico Louis Vauxcelles, quien despectivamente describió el trabajo de Braque en 1908 Casas en L’Estaque como compuesto de cubos. En la pintura de Braque, los volúmenes de las casas, las formas cilíndricas de los árboles y el esquema de color marrón y verde recuerdan los paisajes de Paul Cézanne, que inspiraron profundamente a los cubistas en su primera etapa de desarrollo (hasta 1909). Sin embargo, fue Les Demoiselles d'Avignon, pintado por Picasso en 1907, el que presagiaba el nuevo estilo; En este trabajo, las formas de cinco desnudos femeninos se convierten en formas angulosas y fracturadas.

Se puede ver que el cubismo se desarrolló en dos fases distintas: el cubismo analítico inicial y más austero, y una fase posterior del cubismo conocida como cubismo sintético. El cubismo analítico se desarrolló entre 1908–12. Sus obras de arte se ven más severas y están formadas por una combinación de planos y líneas en tonos apagados de negros, grises y ocres. El cubismo sintético es la fase posterior del cubismo, generalmente se considera que data de aproximadamente 1912 a 1914, y se caracteriza por formas más simples y colores más brillantes. Las obras cubistas sintéticas también suelen incluir elementos reales combinados, como periódicos. La inclusión de objetos reales directamente en el arte fue el comienzo de una de las ideas más importantes del arte moderno.

Si bien se atribuye a Picasso y Braque la creación de este nuevo lenguaje visual, fue adoptado y desarrollado por muchos pintores, incluidos Fernand Léger, Robert y Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes y Jean Metzinger. Aunque se asocia principalmente con la pintura, el cubismo también ejerció una profunda influencia en la escultura y la arquitectura del siglo XX. Los principales escultores cubistas fueron Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon y Jacques Lipchitz. La adopción de la estética cubista por el arquitecto suizo Le Corbusier se refleja en las formas de las casas que diseñó durante la década de 1920.

Durante el invierno de 1912–13, Picasso ejecutó un gran número de papiers collés. Con esta nueva técnica de pegar trozos de papel de colores o impresos en sus composiciones, Picasso y Braque barrieron los últimos vestigios del espacio tridimensional (ilusionismo) que aún permanecían en su "alto" trabajo analítico.

Los conceptos formales liberadores iniciados por el cubismo también tuvieron consecuencias de gran alcance para Dada y el surrealismo, así como para todos los artistas que persiguen la abstracción en Alemania, Holanda, Italia, Inglaterra, Estados Unidos y Rusia.

 

No.8 Dada y Surrealismo (1917–1950)

Dada

Algunos exponentes: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz

De alcance internacional y producción artística diversa, tanto el Dada como el surrealismo fueron movimientos artísticos, literarios e intelectuales de principios del siglo XX que fueron fundamentales para definir el modernismo. El movimiento Dada, lanzado en Zurich en 1916 por poetas y artistas como Tristan Tzara y Hans Arp, fue una reacción directa a la masacre, la propaganda y la locura de la Primera Guerra Mundial. Grupos independientes vinculados por ideas comunes surgieron poco después en Nueva York. , Berlín, París y otros lugares. Estos diversos grupos no compartían un estilo universal, sino que estaban conectados por su rechazo al idealismo, las convenciones artísticas e intelectuales obsoletas y el abrazo incontrolado de la sociedad moderna al "racionalismo" y al "progreso".

Dada fue un movimiento artístico de vanguardia europea, con centros tempranos en Zúrich, Suiza y Nueva York.

El nombre, extraído de un diccionario en Zurich en 1916, significa "caballo mecedora" en francés o "sí sí" en rumano y ruso. Pero como el nombre de un movimiento realmente no significa nada en absoluto. Enfermo de la cultura que había producido la carnicería de la Primera Guerra Mundial, Dada desafió a todas las vacas sagradas, arrojando la expresión y la autoría por la ventana y celebrando el azar y el absurdo.

Las raíces de Dada se encuentran en la vanguardia anterior a la guerra. El término antiarte, un precursor de Dada, fue acuñado por Marcel Duchamp alrededor de 1913 para caracterizar obras que desafían las restricciones aceptadas de arte.

El movimiento dadaísta incluyó reuniones públicas, demostraciones y publicación de revistas de arte / literarias; La cobertura apasionada del arte, la política y la cultura fueron temas a menudo discutidos en una variedad de medios.

El movimiento influyó en estilos posteriores como los movimientos de música vanguardista y céntrica, y grupos que incluyen el surrealismo y el arte pop.
Luego, el surrealismo llegó para canalizar las energías antiarte de los dadaístas como Marcel Duchamp de vuelta al museo, lo que desencadenó un movimiento tremendamente exitoso pero frenético que arrasó Europa entre las guerras y abrazó a muchos medios.

Surrealismo

Algunos exponentes:  Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte

Uno de los movimientos más importantes y subversivos del siglo XX, el surrealismo floreció particularmente en las décadas de 1920 y 1930 y proporcionó una alternativa radical a las cualidades racionales y formales del cubismo. Un movimiento literario, filosófico y artístico del siglo XX que exploró el funcionamiento de la mente, defendiendo lo irracional, lo poético y lo revolucionario.

A diferencia del Dada, del cual surgió de muchas maneras, enfatizó el rechazo positivo, más que el pesimista de las tradiciones anteriores.

La palabra 'surrealista' (que sugiere 'más allá de la realidad') fue acuñada por el poeta vanguardista francés Guillaume Apollinaire en una obra escrita en 1903 y representada en 1917. Pero fue André Breton, líder de una nueva agrupación de poetas y artistas en Paris, quien, en su Manifiesto surrealista (1924), definió el surrealismo como: automatismo psíquico puro, mediante el cual se propone expresar, ya sea verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento. Dictado de pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de toda preocupación estética y moral.
Se pueden distinguir varios hilos distintos en la manifestación visual del surrealismo. Artistas como Max Ernst y André Masson favorecieron el automatismo en el que se suprime el control consciente y se permite que el subconsciente tome el control. Por el contrario, Salvador Dalí y René Magritte persiguieron un sentido alucinante de superrealidad en el que las escenas representadas no tienen ningún sentido real. Una tercera variación fue la yuxtaposición de elementos no relacionados, estableciendo una realidad irrealizable fuera de los límites de la realidad normal. El surrealismo se originó originalmente en París. Su influencia se extendió a través de una serie de revistas y exposiciones internacionales, siendo los ejemplos más importantes de esta última la Exposición Surrealista Internacional en las Galerías New Burlington, Londres y el Fada de Arte Fantástico, el Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, ambos realizados en 1936. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, el centro de la actividad surrealista se transfirió a Nueva York y al final de la Guerra el movimiento había perdido su coherencia. Sin embargo, ha conservado una poderosa influencia, claramente evidente en aspectos del expresionismo abstracto y otras manifestaciones artísticas de la segunda mitad del siglo XX.

Muchos sostienen que el surrealismo, como movimiento cultural identificable, terminó con la muerte de Breton en 1966. Otros creen que sigue siendo una fuerza vital y relevante en la actualidad.

No.9 Expresionismo Abstracto (1940–1950)

Algunos exponentes: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline

El "expresionismo abstracto" nunca fue una etiqueta ideal para el movimiento, que se desarrolló en Nueva York en las décadas de 1940 y 1950. De alguna manera, estaba destinado a abarcar no solo el trabajo de los pintores que llenaban sus lienzos con campos de color y formas abstractas, sino también aquellos que atacaban sus lienzos con un vigoroso expresionismo gestual. Todos estaban comprometidos con el arte como expresiones del yo, nacidos de emociones profundas y temas universales, y la mayoría fueron formados por el legado del surrealismo, un movimiento que tradujeron en un nuevo estilo que se ajustaba al estado de ánimo de posguerra de ansiedad y trauma. En su éxito, estos pintores de Nueva York le robaron a París su manto como líder del arte moderno y prepararon el escenario para el dominio de Estados Unidos en el mundo del arte internacional. El expresionismo abstracto marcó el comienzo de la influencia de la ciudad de Nueva York como el centro del mundo del arte occidental. El mundo de los artistas expresionistas abstractos estaba firmemente arraigado en el Bajo Manhattan. Un paseo por la calle 8 lo llevaría desde la cafetería Waldorf, donde artistas sin dinero hicieron "sopa de tomate" con agua caliente y ketchup gratuitos; pasado la escuela de artistas plásticos Hans Hofmann fundada por el pintor del mismo nombre; a The Club, un loft donde las conferencias y los acalorados argumentos sobre el arte continuaron hasta altas horas de la noche. El estudio de Jackson Pollock estaba en East 8th Street, Willem de Kooning y Philip Guston estaban en East 10th, y aunque Franz Kline se mudó a varias casas y estudios en el área, la mayoría de las noches lo encontró a él y a muchos de sus contemporáneos en Cedar Street Tavern en la Universidad Sitio.

El movimiento comprendía muchos estilos pictóricos diferentes que variaban tanto en la técnica como en la calidad de la expresión. A menudo usan grados de abstracción; es decir, representan formas poco realistas o, en el extremo, formas no extraídas del mundo visible (no objetivo). Enfatizan la expresión emocional libre, espontánea y personal, y ejercen una considerable libertad de técnica y ejecución para lograr este objetivo, con un énfasis particular puesto en la explotación del carácter físico variable de la pintura para evocar cualidades expresivas (por ejemplo, sensualidad, dinamismo). , violencia, misterio, lirismo).
La mayoría de los artistas asociados con el expresionismo abstracto maduraron en la década de 1930. Fueron influenciados por la política izquierdista de la época y llegaron a valorar un arte basado en la experiencia personal. Pocos mantendrían sus puntos de vista políticos radicales anteriores, pero muchos continuaron adoptando la postura de los vanguardistas francos.

A pesar de la diversidad del movimiento expresionista abstracto, se pueden distinguir tres enfoques generales. Una, la pintura de acción, se caracteriza por un manejo suelto, rápido, dinámico o enérgico de la pintura en pinceladas de barrido o corte y en técnicas parcialmente dictadas por casualidad, como gotear o derramar la pintura directamente sobre el lienzo. Artistas: Pollock, De Kooning.
El término medio dentro del expresionismo abstracto está representado por varios estilos variados, que van desde imágenes más líricas, delicadas y formas fluidas. Artistas: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.

El tercer enfoque menos expresivo emocionalmente fue el de Rothko, Newman y Reinhardt. Estos pintores utilizaron grandes áreas, o campos, de color plano y pintura fina y diáfana para lograr efectos silenciosos, sutiles y casi meditativos.

Aunque el movimiento se ha representado en gran parte a lo largo de la documentación histórica como perteneciente al heroico artista masculino salpicado de pintura, hubo varias expresionistas abstractas femeninas importantes que surgieron de Nueva York y San Francisco durante las décadas de 1940 y 1950 que ahora reciben crédito como miembros elementales del canon.

No.10 Pop Art (1960)

Algunos exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist y Claes Oldenburg

El arte pop comenzó con los artistas de Nueva York Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist y Claes Oldenburg, quienes se inspiraron en imágenes populares y en realidad formaron parte de un fenómeno internacional.
Fue una revuelta contra los enfoques dominantes del arte y la cultura y las opiniones tradicionales sobre lo que debería ser el arte. Los artistas jóvenes sintieron que lo que les enseñaron en la escuela de arte y lo que vieron en los museos no tenía nada que ver con sus vidas o las cosas que veían a su alrededor todos los días. En cambio, recurrieron a fuentes como películas de Hollywood, publicidad, empaque de productos, música pop y cómics para obtener sus imágenes. Tras la popularidad de los expresionistas abstractos, la reintroducción de imágenes identificables por parte del Pop (extraídas de los medios de comunicación y la cultura popular) fue un cambio importante en la dirección del modernismo.

En 1957, el artista pop Richard Hamilton enumeró las 'características del arte pop' en una carta a sus amigos los arquitectos Peter y Alison Smithson: Pop Art es: Popular (diseñado para una audiencia masiva), Transitorio (solución a corto plazo), Prescindible ( fácil de olvidar), de bajo costo, producidos en masa, jóvenes (dirigidos a la juventud), ingeniosos, sexy, truculentos, glamorosos, grandes negocios. Los críticos modernistas estaban horrorizados por el uso de los artistas pop de un tema tan 'bajo' y por su tratamiento aparentemente poco crítico de eso. De hecho, el pop llevó el arte a nuevas áreas temáticas y desarrolló nuevas formas de presentarlo en el arte y puede verse como una de las primeras manifestaciones del posmodernismo.

Aunque se inspiraron en temas similares, el pop británico a menudo se ve como distintivo del pop estadounidense. El arte pop temprano en Gran Bretaña fue impulsado por la cultura popular estadounidense vista desde la distancia, mientras que los artistas estadounidenses se inspiraron en lo que vieron y experimentaron viviendo dentro de esa cultura. En los Estados Unidos, el estilo pop fue un regreso al arte representativo (arte que representaba el mundo visual de una manera reconocible) y al uso de bordes duros y formas distintas después de la flojedad pictórica del expresionismo abstracto. Al usar imágenes impersonales y mundanas, los artistas pop también querían alejarse del énfasis en los sentimientos personales y el simbolismo personal que caracterizaba el expresionismo abstracto. En Gran Bretaña, el movimiento fue más académico en su enfoque. Mientras empleaba la ironía y la parodia, se centró más en lo que representaban las imágenes populares estadounidenses y su poder para manipular los estilos de vida de las personas. El grupo de arte de los años 50, The Independent Group (IG), es considerado como el precursor del movimiento de arte pop británico. El arte pop era descendiente de Dada.

La mayoría de los artistas pop aspiraban a una actitud impersonal y urbana en sus obras. Sin embargo, algunos ejemplos del arte pop expresaron sutilmente la crítica social, por ejemplo, los objetos caídos de Oldenburg y las repeticiones monótonas de Warhol de la misma imagen banal tienen un efecto indudablemente perturbador, y algunos, como los misteriosos y solitarios cuadros de Segal, son abiertamente expresionistas.

Quizás debido a la incorporación de imágenes comerciales, el arte pop se ha convertido en uno de los estilos más reconocibles del arte moderno.

No.11 Postmodernismo (1970–)

Algunos exponentes: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid

Que la posmodernidad es indefinible es una verdad. Sin embargo, puede describirse como un conjunto de prácticas críticas, estratégicas y retóricas que emplean conceptos como la diferencia, la repetición, la traza, el simulacro y la hiperrealidad para desestabilizar otros conceptos como la presencia, la identidad, el progreso histórico, la certeza epistémica y Univocidad de significado.

El término "arte posmodernista" se refiere a una amplia categoría de arte contemporáneo creado desde aproximadamente 1970 en adelante. El sello distintivo del "arte posmodernista" es su rechazo de la estética en la que se basó su predecesor, el "arte moderno" (1870-1970). Uno de estos valores rechazados es la idea de que el "arte" es algo "especial" que debería ser "elevado del" gusto popular. Coincidiendo con una serie de nuevos desarrollos tecnológicos, el posmodernismo ha llevado a casi cinco décadas de experimentación artística con nuevos medios y nuevas formas de arte, incluyendo "Arte conceptual", varios tipos de "Arte de performance" y "Arte de instalación", así como computadoras movimientos asistidos como el deconstructivismo y el arte de proyección. Utilizando estas nuevas formas, los artistas posmodernos han ampliado la definición del arte hasta el punto de que "todo vale".

El primer estilo de arte importante después del Renacimiento fue el arte académico, el material clásico que fue enseñado por profesores en las Academias. El arte académico es el equivalente artístico del tradicional "traje y corbata". A continuación, alrededor de 1870, viene el "arte moderno". Este es el equivalente artístico de la "camisa y pantalón" o "chaqueta y pantalón". A continuación, alrededor de 1970, viene el "arte posmoderno", que es el equivalente artístico de los "jeans y camiseta". De la misma manera que los códigos de vestimenta se han vuelto menos formales y más "todo vale", los artistas de hoy están menos impresionados con las viejas ideas de lo que debería ser el arte y más centrados en crear algo (cualquier cosa) que se note.
Anti-autoritario por naturaleza, el posmodernismo se negó a reconocer la autoridad de cualquier estilo o definición de lo que debería ser el arte. Se derrumbó la distinción entre la alta cultura y la cultura de masas o popular, entre el arte y la vida cotidiana. Debido a que la posmodernidad rompió las reglas establecidas sobre el estilo, introdujo una nueva era de libertad y la sensación de que "todo vale". A menudo gracioso, irónico o ridículo; puede ser conflictivo y controvertido, desafiando los límites del gusto; pero lo más importante es que refleja una autoconciencia del estilo mismo. A menudo, mezclando diferentes estilos y medios artísticos y populares, el arte posmodernista también puede tomar prestado consciente o conscientemente o irónicamente comentar sobre una variedad de estilos del pasado. Así, los posmodernos consideran que su posición teórica es excepcionalmente inclusiva y democrática, ya que les permite reconocer la hegemonía injusta de los discursos de la Ilustración sobre las perspectivas igualmente válidas de los grupos no élites.

En las décadas de 1980 y 1990, los defensores académicos en nombre de varios grupos étnicos, culturales, raciales y religiosos adoptaron críticas posmodernas de la sociedad occidental contemporánea, y el posmodernismo se convirtió en la filosofía no oficial del nuevo movimiento de "política de identidad".

 

Copias de cuadros famososCuadros famososCuadros onlineRéplicas de cuadros famososReproducción de cuadros famososReproducción de pinturas al óleo

Deja un comentario

Todos los comentarios son moderados antes de ser publicados

¿Cómo hacemos nuestras réplicas de pinturas?

-> Conozca el proceso de Reproducción de Cuadros paso a paso

Curiosidades del arte

  1. Las 5 Pinturas Más Controversiales de la Historia - KUADROS
  2. Las 10 esculturas más bellas de la humanidad - KUADROS
  3. Las 10 obras de arte más importantes de la historia - KUADROS