Las 5 pinturas famosas más caras de la historia - KUADROS

No hay duda que muchas personas están de acuerdo en que la mayoría de las obras famosas de arte que se encuentran en los museos y colecciones privadas de del mundo no tienen precio.

Al ser únicas en su clase, se hace difícil asignarle un valor a muchas pinturas famosas; sin embargo, casi a diario, el arte se vende y se compra, a menudo con precios exorbitantes que la mayoría nunca podrá pagar. Pero existen algunos compradores excéntricos que se pueden dar ese gusto.

Kuadros ofrece una compilación de las 5 pinturas famosas más caras de la historia.

No.1 Salvator Mundi (Cristo Salvador del Mundo) - Leonardo da Vinci (US$ 450.3 Millones)

En mayo de 2008, algunos de los mejores expertos del famoso pintor se pararon alrededor de un caballete en un estudio muy por encima del Trafalgar Square. El objeto que habían sido invitados a examinar, en el departamento de conservación de la Galería Nacional, era una pintura en un panel de madera de nogal. Mostraba a un hombre barbudo de pelo largo mirando hacia adelante con una mano levantada en señal de bendición y la otra sosteniendo una esfera transparente.

Leonardo pinta a Salvator Mundi posiblemente para el rey Luis XII de Francia y su consorte, Ana de Bretaña. La inquietante pintura al óleo sobre un panel de 66 centímetros representa una figura de medio cuerpo de Cristo como Salvador del Mundo, con vista frontal y vestido con túnicas de la época del Renacimiento. En esta pintura famosa, Leonardo representa a Cristo tal como se caracteriza en el Evangelio de Juan 4:14: "Hemos visto y testificamos que el Padre ha enviado a su Hijo como el salvador del mundo". Cristo mira fijamente al espectador, ligeramente barbudo con rizos castaños, sosteniendo una esfera de cristal en su mano izquierda y ofreciendo bendición con su derecha.

La pintura desapareció desde 1763 hasta 1900, cuando fue comprada por Sir Charles Robinson como obra de Bernardino Luini, un seguidor de Leonardo. Luego apareció en Sotheby's en Inglaterra en 1958. Luego desapareció nuevamente hasta que fue vendido en una pequeña casa de subastas de Estados Unidos en 2005.

Al igual que muchas de las obras sobrevivientes de Leonardo, esta pintura famosa no estaba en perfecto estado cuando resurgió a principios de la década del 2000. Se requirió una extensa restauración. Aunque hay algunos expertos respetados en el arte del Renacimiento que cuestionan la atribución de la pintura a Leonardo, que finalmente fue vendida en una subasta en Christie's en Nueva York en noviembre de 2017 por 450 millones de dólares, un nuevo precio récord para una obra de arte famosa. El comprador no fue revelado.

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No.2 Intercambio - Willem de Kooning (US $ 300 millones)

La idea de abordar lo primitivo fue iniciada por Gauguin, pero podría discernirse en parte en el trabajo de De Kooning.

Si bien nos encanta explorar las cualidades menos tangibles del arte abstracto, también somos muy conscientes de que puede ser una inversión financiera maravillosa. Hasta la fecha, la pintura más cara jamás vendida del arte abstracto es un paisaje de Willem de Kooning llamado Intercambio, que se vendió por 300 millones de dólares en el 2015. La pintura famosa alcanzó ese precio récord en una venta privada al gerente de fondos de seguros en Chicago, Kenneth Griffin, como parte de un paquete de $ 500 millones que incluía también la pintura Número 17A de Jackson Pollock.

La pintura de Jackson Pollock que Kenneth Griffin compró junto con Intercambio apareció en la difusión de la Revista Life de 1949 que hizo que Jackson Pollock y el Expresionismo abstracto se hicieran conocidos. Pocas pinturas capturan de manera más sucinta un momento en el tiempo. Ese artículo de la revista fue una de las principales razones por las que De Kooning y los otros expresionistas abstractos pudieron finalmente ganarse la vida con su arte. Juntas, estas dos pinturas famosas representan el momento en que Estados Unidos dio origen a su primer movimiento de arte moderno nativo. El intercambio no solo es valioso como objeto. Su valor está en su mito.

Estilísticamente, Intercambio marca una de las épocas más transformadoras en la carrera de uno de los artistas abstractos más importantes del siglo XX. Además de ser un pintor influyente, Willem de Kooning fue una fuerza vital de conexión entre sus contemporáneos. Fue amigo y animador de Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline y decenas de otros expresionistas abstractos.

Durante el período en que estos artistas lucharon, De Kooning siguió siendo un animador apasionado por su trabajo. El Intercambio se pintó justo cuando la fortuna de De Kooning y sus contemporáneos estaban experimentando un cambio masivo. Se estaban volviendo financieramente estables, muchos por primera vez, lo que significa que tenían la oportunidad de tomar nuevas decisiones, tanto profesional como personalmente. Para De Kooning, esto se manifestó en una domesticación gradual de su estilo de vida notoriamente salvaje, que culminó con un traslado a una granja en East Hampton.

Creativamente, De Kooning se manifestó en un período de 11 años dedicándose a pintar paisajes abstractos, de los cuales Intercambio fue una de las primeras obras.

No.3 Los jugadores de cartas - Paul Cezanne (estimado entre US $ 250 y $ 300 millones)

 

Los Jugadores de Cartas es una serie de pinturas impresionistas del modernista francés Paul Cezanne. Uno de sus proyectos más ambiciosos, ahora visto como una contribución importante al arte moderno. Aunque pintadas durante el período final de Cezanne, representan algunas de las mejores pinturas de género de la Escuela Francesa. Hay cinco versiones en la serie, cada una de las cuales varía en contenido y tamaño: una está en una colección privada, las otras están en el Museo de Orsay, la Galería Courtauld, la Fundación Barnes y el Museo Metropolitano de Arte. La versión privada fue comprada en 2011 por la Familia Real de Qatar por una suma estimada entre $ 250 millones y $ 300 millones. Cezanne es famoso por su pintura de naturaleza muerta o bodegón, y los historiadores del arte creen que eligió el tema de las cartas porque las personas que jugaban el juego eran esencialmente una forma de naturaleza muerta humana.

Probablemente también fue influenciado por los hermanos Nain (1599-1677) cuyos jugadores de cartas (c.1642) estaban en la colección de su museo de arte local en Aix-en-Provence.

Los dos hombres estudian sus cartas atentamente, pero ningún movimiento parece inminente. Los detalles del juego han retrocedido aún más y la vida se ha calmado. Los jugadores de cartas de Cézanne, como muchas de sus figuras, ocupan un espacio entre la pintura de figuras y la pintura de objetos. Se desplazan entre diferentes géneros.

En la década de 1890, Cézanne era independientemente rico; podía pagar cómodamente sus modelos para posar y los trabajos resultantes estaban hechos de pigmentos producidos industrialmente, generalmente aplicados a lienzos de tamaño estándar fabricados comercialmente. Casi al mismo tiempo que terminó la serie, el artista entabló una relación con un vendedor de cuadros parisino, Ambroise Vollard, quien luego se convirtió en el primer propietario del famoso lienzo. Los libros de contabilidad comerciales de Vollard registran que obtuvo una buena ganancia del trabajo, comprándolo por 250 francos y, a principios de 1900, vendiéndolo por 4.500. Sin embargo, el atractivo perdurable de Los Jugadores de Cartas de Cézanne puede deberse a la forma en que las cinco pinturas proporcionan un contraste distintivo con el capitalismo moderno que rodeaba su creación. Si la vida puede parecer cada vez más rápida, superficial y mercenaria, entonces quizás se pueda encontrar algún consuelo aquí, en nuestro compromiso prolongado con lienzos hechos a mano que muestran un pasatiempo atemporal, arraigado y sociable.

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No.4 Nafea Faa Ipoipo? (¿Cuándo te casarás?) - Paul Gaugain (US $ 300 millones)

Una mujer más joven con vestimenta tradicional se estira hacia adelante en el suelo. Ella está mirando hacia atrás, y oscurecida parcialmente se encuentra una figura más matrona con un vestido de estilo occidental que levanta la mano en un gesto de importancia. La flor detrás de la oreja de la niña es un símbolo tahitiano tradicional por el cual las mujeres núbiles señalan la disponibilidad para el matrimonio. Al pie de la imagen hay una inscripción en el idioma: "NAFEA Faa ipoipo", que se traduce como: "¿Cuándo te casarás?"

En 1891, el padre fundador del primitivismo, Eugene Henri Paul Gauguin viajó a Tahití en busca de un paraíso edénico donde pudiera crear arte puro y primitivo.

Al escapar de la sociedad europea, la tecnología y las tradiciones culturales, Gauguin esperaba capturar sociedades espirituales primitivas intactas del mundo moderno. Pero la realidad polinesia no cumplió con las expectativas de Gauguin de la vida rural primitiva. Tahití fue colonizada ya en el siglo XVIII, por lo que cuando el artista llegó allí no pudo encontrar la cultura que estaba anhelando. Desafortunadamente dos tercios de la población nativa fueron asesinados por enfermedades europeas, y la religión indígena fue destruida por misioneros católicos y mormones.

Gaugin se instaló con éxito en la vida local y había tomado a una joven llamada Teha’amana como su esposa nativa. Su matrimonio fue organizado por la familia de la niña, que consideró un gran privilegio que su hija se casara con un hombre blanco, mientras que para Gauguin era una unión informal según cualquier estándar europeo. Y aunque su vida tahitiana no era tan primitiva como Gauguin había anticipado, se quedó a vivir allí. Durante ese período, produjo varias de sus "pinturas Gauguin" más conocidas de mujeres tahitianas, y lo más probable es que Teha’amana fuera el modelo de muchas de estas imágenes.

Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás?), se ha discutido recientemente como una de las obras famosas más caras de la historia, vendiéndose por casi $ 300 millones en el 2015, siendo el Museo de Qatar fue el comprador. Gauguin (1848-1903) no fue un artista particularmente popular mientras él estaba vivo, y fue solo después de su muerte a la edad de cincuenta y cuatro años cuando su talento fue completamente reconocido. Su obra de arte se distingue por su audaz experimentación con el color y el estilo de sintetizador.

Se considera que el famoso pintor Gauguin tiene una gran influencia en la vanguardia francesa, así como en artistas del siglo XX como Pablo Picasso, Joan Miró y Henri Matisse.

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No.5 'Número 17A' - Jackson Pollock (US $ 200 millones)

Esta obra de arte abstracto fue creada en 1948 por el famoso pintor expresionista abstracto estadounidense Jason Pollock. Fue hecha con pintura al óleo sobre un lienzo de fibra de madera. Es un ejemplo de la serie de pintura por goteo de Pollock, y una de las piezas anteriores de esta serie. La No. 17A carece de cualquier tipo de título creativo y es uno de los mejores ejemplos de la forma de arte radical y excepcionalmente único de la pintura por goteo, que Pollock introdujo al mundo en 1947. A pesar que tal pintura parece ocurrir al azar y espontáneamente, uno puede realmente rastrear el movimiento preciso y el control que Pollock tuvo al crear esta pieza. Inicialmente, estas pinturas por goteo de Pollock se encontraron con un gran escrutinio público y en su mayoría eran impopulares y, por lo tanto, tenían poco valor en los mercados de arte.

Esta forma extrema de abstracción dividió a los críticos: algunos elogiaron la inmediatez de la creación, mientras que otros se burlaron de los efectos aleatorios.

¿Recuerdas los sorprendentes $ 500 millones de dólares que Ken Griffin gastó en dos pinturas de la colección de David Geffen? Bueno, la segunda pintura, comprada por $ 200 millones, igualmente impresionante, fue la Número 17A.
Esto hace que el No. 17A sea la quinta pintura famosa más cara jamás vendida en la historia. Antes de esta venta, la pintura famosa había estado en exhibición en el Instituto de Arte de Chicago.

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